PRENSA

Telam, Ponieman sobre muestra en el Yrurtia

2011-02-10T20:48:00.000-08:00

ARTE-MUESTRA/

TRES ARTISTAS CONTEMPORANEOS EN EL MUSEO YRURTIA

Buenos Aires, 27 de enero (Télam, por Viviana Ponieman).- Una muestra de los artistas Pepe Cáceres, Jorge Garnica y Juan Batalla se acaba de inaugurar en el museo "Casa de Yrurtia" (O´Higgins 2390) y permanecerá abierta hasta el 17 de Marzo.
La casa del maestro escultor Rogelio Yrurtia (1879 -1950), en el barrio de Belgrano -donada al Estado con mobiliario y obras de arte- fue convertida en museo en 1949 y dirigida por el propio artista hasta su muerte, sucediéndolo su esposa la pintora Lía Correa Morales.
Hace casi un año se hizo cargo de la dirección -concurso mediante- el profesor Osvaldo Mastromauro, reconocido crítico y estudioso del arte y la filosofía, y a la vez cercano a los artistas.
Con los mínimos recursos que cuenta, Mastromauro intenta restaurar la casa, abrir las salas, y organizar la gran cantidad de obras de la colección: esculturas del maestro de gran tonelaje, como los modelos a tamaño natural del Moisés, la Victoria y la Justicia, además de la colección de pinturas de artistas como Martín Malharro, Angel Della Valle, Eduardo Sívori, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Octavio Pinto, Benito Quinquela Martín.
Y hasta el museo cuenta con una obra temprana de Pablo Picasso que Yrurtia adquirió durante una estancia en París. Capítulo aparte son los textiles que el matrimonio reunió en sus viajes.
En medio de esta sobredosis de patrimonio, Mastromauro se propone abrir el museo a los artistas contemporáneos, aprovechando el poco espacio utilizando las galerías y el hermoso jardín de la residencia. En ese contexto se presenta la muestra de Cáceres, Grarnica y Batalla.
En la pequeña sala XI, Garnica (1956) pintor y dibujante que expone desde 1983, presenta los dibujos realizados entre 1995 y 2010.
"Como si fuesen poesías para gente de gran sensibilidad pero analfabeta, Garnica en su serie 'Humus' inventa un código de comunicación visual de la misma manera que Giotto contaba la vida de Cristo y de San Francisco a los campesinos iletrados del " trecento", escribe Yuyo Noé.
Mientras, María Negroni dice: "… signos imprecisos / de un alfabeto olvidado / o estrellas / donde comienza el deseo / de no morir / y morir / y ese mundo / esas ganas de arder / en lo incompleto…"
Saliendo hacia la alberca y galerías aledañas, Pepe Cáceres, instala sus esculturas blancas o negras de madera y otros materiales, pensadas para este atípico espacio. Este artista de más de 30 años de trayectoria, con exposiciones en el país, Brasil y Europa -donde vivió un buen tiempo- ha pasado por las más diversas técnicas desde el expresionismo hasta el Arte Madí.
Las obras que nos muestra se inscriben dentro de esta corriente estética, que pretende ser pura invención, con la premisa de no representar, no expresar, no significar, e internándose en una abstracción, en un juego libre de formas geométricas, recurre al ritmo propio de la obra que dialoga con el espacio.
Al pasear por el Jardín de Esculturas se detectan unos montículos negros, extrañas formas que al acercarse se revelan como goma, pero no de auto, sino de bicicleta. Son los ensamblajes de caucho sobre madera de Juan Batalla (1967).
Entonces se desencadenan ideas e interrogantes. Por un lado lo familiar del caucho-goma de bicicleta, hecho como un bollo, tratando de erguirse en alguna posición, podría ser lo que queda de un accidente, o hablar de "lo reciclado".
El artista descubre la ductilidad de este material, inusual para las artes, en 2004, que le permite desarrollar un complejo alfabeto de signos y texturas, pendulando entre las culturas americanas precolombinas -descubridoras del caucho- y la industrialización occidental. Como figuras de plastilina a gran escala, pugnando por una geometría difícil, en una manifestación de lo que todavía no es.
Una proto-forma que como dice, Mastromauro curador de la muestra, puede remitir a algunas figuras míticas, a cierto "Urgrund" (raíz primordial en alemán), que habla de los orígenes, y lo relata sin leyendas puntuales, extraídas directamente del inconciente.
Un buen programa para este verano caluroso en Buenos Aires es conocer la casa y los jardines del Museo Yrurtia, parte de su obra y sus colecciones, y descubrir el lenguaje de estos tres artistas, que navegan entre lo abstracto, la forma y el inconciente.(Télam).-

Ñ - Cristina Civale sobre muestra en el Yrurtia

2011-02-10T20:44:00.001-08:00

Tres artistas actuales demoliendo mitos
En el Museo Yrurtia, con estéticas diversas, la producción de José María Cáseres, Juan Batalla y José Garnica cruza sus miradas con la de Rogelio Yrurtia, “el Rodin argentino”.

POR CRISTINA CIVALE

Tres muestras de artistas contemporáneos bien diversos pueden verse hoy en el Museo Yrurtia, ubicado en la casa del excelso escultor argentino Rogelio Yrurtia (1879-1950), cultor de la escuela academicista. En tanto Juan Batalla muestra sus peculiares esculturas hechas con caucho de bicicleta; José María -Pepe- Cáseres elige la fuente vacía del jardín del museo para rodearla y cubrirla con sus obras estilo MADI y el pintor José Garnica, elige la estrecha sala XI para colgar los dibujos excepcionales que conforman su serie Humus.
Varios puntos de la ciudad de Buenos Aires se convirtieron en icónicos gracias a la presencia de la obra de Rogelio Yrurtia, en cuya casa museo la obra de estos tres artistas establecen un diálogo, por lo menos extraño.
En un recorrido de pocas cuadras por la ciudad se pueden apreciar las monumentales esculturas del notable escultor: Canto al Trabajo, en Paseo Colón e Independencia, frente a la Facultad de Ingeniería; Monumento al Coronel Manuel Dorrego, en Suipacha y Viamonte; al Dr. Alejandro Castro en el Hospital de Clínicas; Justicia, en el Palacio de Tribunales y Mausoleo de Bernardino Rivadavia, en Plaza Once. Yrurtia también participó de un concurso internacional durante el Centenario de la Revolución de Mayo para realizar una gran escultura en la Plaza de Mayo. El primer premio se declaró desierto y el segundo lo ganó Yrurtia. Una manera engorrosa de laurearlo ya que no había mejor propuesta que la de él -según cuenta la leyenda-, pero la propuesta era tan inmensa y costosa que se convertía en irrealizable. Así se llevó un premio importante pero que no contemplaba la realización de la escultura. Si esa obra se hubiese realizado, la fisonomía y -quién sabe la historia de nuestra plaza más combativa- habría cambiado para siempre. La maqueta, que puede aún verse en su casa-museo, da cuenta de cómo la histórica pirámide quedaba en un segundo plano, tapado por un inmenso arco.
Yrurtia y su mujer, la pintora Lía Correa Morales, transfirieron al Estado su casa del barrio de Belgrano con todos sus muebles y con su colección de arte completa. La casa se abrió al público como museo en 1949. En el jardín -uno de los espacios más gloriosos de la casa- se pueden ver hoy sus boxeadores y en los pequeños cuartos del interior, además del mobiliario de un estilo renacentista flamenco, se plantan, inmensos, los modelos a tamaño natural del Moisés, perteneciente al Mausoleo de Bernardino Rivadavia, la Victoria del Monumento a Manuel Dorrego y la Justicia, entre otras. Esta obras apabullan por su tamaño que se agranda por la estrechez de las salas donde se exhiben, abigarradas, por todo tipo de objetos. Una curiosidad es un pequeño cuadro de Picasso que el pintor español regaló a Yrurtia pero que, en momentos de vacas flacas, le pide que le pague. Algo que uno puede perfectamente imaginar de Picasso, que exija, eventualmente, que se le pague un regalo. Así consta en una carta que se exhibe junto al cuadro en cuestión, firmada de puño y letra por el propio malagueño.
Cuando se ingresa al museo Yrurtia, la primera muestra temporal que puede apreciarse es la Serie Humus de Garnica, que constituye una pequeña porción de su trabajo en dibujo ya que el artista se dedica centralmente a la pintura. Según cuenta, “hace mucho tiempo leyendo un texto del (sociólogo) Nicolás Casullo retuve esta expresión: ‘ ... la situación de Latinoamérica está sujeta a la lectura que hagamos de nuestro humus cultural’”. De esa frase y de esa idea tomó el nombre y el espíritu de la serie.

Garnica, en los últimos diez años, trabajó en el relevamiento e inventario de imágenes del imaginario que nutre el circuito del arte. Así, primero realizó una serie Estudios Apócrifos, vinculados a la circulación de imágenes correspondientes a los festejos del quinto centenario del llamado descubrimiento de América. Más tarde esa serie mutó en esta que hoy exhibe en el Yrurtia. “Desde el principio -explica-, llevo casi treinta años exponiendo, traté de asimilar cierta oferta que la tradición nos ofrece y que no siempre observamos. (...) El imperativo ético de los artistas estuvo basado en consignas que privilegiaron el trabajo y la indagación, trazando líneas de investigación que deben ser entendidas como modélicas a partir del compromiso real con lo que se produce y no como mera copia. Pienso en artistas como Figari, Xul Solar, Torres García, Lozza, Hlito, Iommi, Ferrari, Noé”. Y, efectivamente, en esta suerte de alfabeto cifrado que muestra en sus dibujos es inevitable encontrar tras sus trazos originales, las ocurrencias surrealistas de Xul Solar pero también la racionalidad de Felipe Noé.
Las obras de Pepe Cáseres, pequeñas esculturas blancas y negras que responden a la forma MADI, rodean la fuente del jardín del museo. Son 17 y se ubican tanto en los bordes como en el interior vacío de agua de la fuente -sin agua por la plaga del dengue-. La forma MADI es un movimiento que alude al ritmo de la obra y que propicia que el espacio penetrante se vuelva obra. Espaciosos silencios que dialogan con los simples elementos de la geometría.
Estas formas determinan claramente los límites. Las obras, realizadas desde esta concepción, representan un tema, un sentimiento, una abstracción. “MADI no representa, no expresa, no significa. Es decir pretende ser pura invención”, afirma Cáseres. Una pena que obras negras se exhiben sobre un piso negro que diluye el juego de miradas. Las 17 esculturas, de una belleza singular, pierden con esta desafortunada elección del espacio expositivo.

El broche de oro de estas tres muestras lo constituyen, sin dudas, Tres horas para una nube, las 6 esculturas en caucho realizadas por Juan Batalla. En el fondo del jardín, donde éste casi se convierte en baldío, sus obras de gran tamaño realizadas con gomas de bicicleta producen el verdadero diálogo con las esculturas de Yrurtia, una provocación desde sus materiales y sus formas. Batalla, interesado desde siempre en el arte étnico, encontró casualmente hace siete años kilos de caucho de bicicleta tirados en una suerte de desarmadero. Antes había intentado trabajar con gomas de autos, pero le resultó inmanejable. El encuentro casual -o no- con estas viejos trastos generó un matrimonio que aún dura y rinde estos curiosos frutos: obras estrictamente contemporáneas que remiten a un arte totémico. Según el crítico Osvaldo Mastromauro, las obras de Batalla, “ensamblajes de caucho sobre madera remiten a figuras míticas, cierto Urgrund que habla de los orígenes y lo relata sin leyendas puntuales: sus totémicos figuras se alzan, enroscan o desenvuelven en tanto metáforas propias de la imaginación, rescatando la protohistoria de América, donde era usado para el juego de pelota, hace ya milenios”.
En efecto, Batalla las geometriza, desde su particular mirada, haciendo emanar sus esculturas desde un lugar insondable desde donde, sin embargo, se puede percibir la luz audaz de sus ojos de artista que enfrenta el desafío de dominar un material inédito, algo así como lo intratable del arte.

Lugar: O’higgins 2390
Fecha: 27 de febrero
Horario: martes a viernes, 13 a 19 /sabados y domingos, 15 a 19

Texto de Osvaldo Mastromauro para muestra en el Yrurtia

2011-02-10T20:41:00.000-08:00

Juan Batalla

Si bien algún material es inusual para ser usado en el ámbito de las artes plásticas, J.B. ha desafiado esta rémora histórica,
produciendo ensamblajes de caucho sobre madera que remiten a figuras míticas, cierto Urgrund* que habla de los orígenes, y lo relata sin leyendas puntuales: sus totémicas figuras se alzan, enroscan o desenvuelven en tanto metáforas propias de la imaginación, rescatando la proto-historia de America, donde era usado para el juego de pelota, hace ya milenios.
Su versatilidad y la manera de adaptarse dúctilmente a la mano del artista revelan anfractuosidades inéditas, creando sugerentes y reveladoras efigies que parecen emitidas directamente del inconciente.
Batalla las geometriza - a su manera -, semejando emanar sus constructos desde un oscuro lugar, donde sin embargo, aflora una luzsesgada que los torna visiblemente audaces, sugestivos. Reveladores.

Osvaldo Mastromauro
Asociación Internacional de Críticos de Arte
Bs. As., diciembre 2010

* en alemán, fundamento o raíz primordial ( traducción OM).

Yrurtia: Artículo de Susanne Franz para el diario alemán

2011-02-10T20:37:00.000-08:00

Reiches Angebot der Museen und Kulturzentren in Buenos Aires für Daheimgebliebene
Von Susanne Franz

Die Kultur macht diesen Sommer keine Pause. Um den Daheimgebliebenen oder Kurzurlaubern gerecht zu werden, bieten die meisten Museen und Kulturzentren der Stadt weiterhin ein reichhaltiges Programm. So wurden im schönen “Museo Casa de Yrurtia” in Belgrano (O’Higgins 2390, Di-Fr 13-19, Sa und So 15-19 Uhr) am vergangenen Sonntagabend gleich drei Ausstellungen eingeweiht. Im Durchgangssaal “XI” zwischen Eingangsbereich und Garten zeigt der renommierte argentinische Künstler Jorge Garnica seine “Serie Humus”. Die relativ kleinformatigen Zeichnungen mit bunter Kreide auf schwarzem Grund und “Wort”-Zeilen aus einem nur dem Künstler bekannten Alphabet überraschen alle Garnica-Fans, de seine bunten großformatigen Werke kennen. Er wollte mal “nicht immer nur Garnica sein” und raus aus seiner Haut, sagt er selbst bei der Eröffnungsfeier im verträumten Garten des Museums, und nennt seine faszinierenden neuen Bilder treffend “lateinamerikanische Poesien”.
Bevor man den Garten betritt, begegnet man der zweiten Ausstellung in der leeren Zisterne des Museums (stehende Gewässer in öffentlichen Gebäuden sind wegen der Dengue-Gefahr verboten) und dem drumherum liegenden Laubengang: Hier zeigt Pepe Cáceres Skulpturen aus Holz und Plastik, das er so geschickt bemalt und bearbeitet, dass es wie “echtes” Holz aussieht. Seine abstrakten Pflanzen ähnelnden “Skulpturengewächse” plant er nicht im Voraus: “Sie wachsen, während ich an ihnen arbeite, und geben mir auch vor, wann ich aufhören soll und sie vollendet sind”, beschreibt der Künstler seinen intuitiven Schaffensprozess.

Ganz hinten im Museumsgarten befindet sich der “Jardín de Esculturas”, in dem immer interessante Bildhauer ihre Werke zeigen: In diesem Sommer stellt hier der außerordentlich talentierte Juan Batalla aus. Batalla arbeitet mit abgenutzten Fahrradreifen, mit denen er Holz “umkleidet”. Seine höchst eigenwilligen Werke besitzen eine spannungsgeladene Aura, die einmal von der ursprünglichen Kraft der “darunterliegenden” Form ausgeht, die kaum gebändigt unter der Oberfläche zu brodeln scheint, und dem Geheimnis der sie bedeckenden äußeren Schicht aus ineinander verschlungenen Reifenbahnen, in denen das abgefahrene Profil sichtbar bleibt, und auch Kratzer und Staub und Schmutz der vielen vergangenen Fahrten. Gefesselt sein, vielleicht gefesselt sein wollen, oder doch ausbrechen, ein ständiger Kampf scheint sich hier abzuspielen und die “bewegungslose” Form lebendig zu machen.
Etwa zwei Monate will er die Ausstellungen im Museum belassen, sagt Museumsdirektor Osvaldo Mastromauro. Ein Besuch lohnt sich!
Sehr empfehlenswert für alle, die dieses Wochenende einen Kulturrundgang planen, ist ein Abstecher ins Centro Cultural Borges (Viamonte Ecke San Martín, Sa 10-21, So 12-21 Uhr): Hier sind nur noch bis zum 16. Januar einschließlich Werke aus der Sammlung Banco Nación zu sehen, die erstmals der Öffentlichkeit zugänglich sind, darunter exquisite Gemälde von Karl Kaufmann von um 1890 und viele sehr gute Werke fast aller großen Künstler der argentinischen Kunstgeschichte. Porträts der Museumsdirektoren und alte Stiche des Bankgebäudes sind in einem kleinen, feinen Nebenraum zu bewundern. Der Eintritt ist frei.
Auch nur noch dieses Wochenende kann man die wilde Schaffenskraft der vier herausragenden Künstler Jorge de la Vega, Ernesto Deira, Rómulo Maccio und Luis Felipe Noé im Museo Nacional de Bellas Artes (Av del Libertador 1473, Sa und So 9.30-20.30 Uhr) bewundern. Die Ausstellung “Nueva Figuración 1961-1965″ ist ebenfalls gratis.

(Algo de lo que dice es que: "Nutrida (rica) oferta en museos y centros culturales de Buenos Aires para los que se quedan"
Por Susanne Franz

La cultura no descansa este verano. Para los que no se van o los veraneantes de paso por Buenos Aires, los principales museos y centros culturales de esta ciudad ofrecen una variada y nutrida oferta de programas. Así, tres exposiciones fueron inauguradas en el bello « Museo Casa de Yrurtia » en Belgrano el domingo pasado al atardecer.
[...]
Al fondo del jardín del Museo, se encuentra el « Jardín de Esculturas » en el cual siempre exponen escultores interesantes. Este verano nos toca el extraordinariamente talentoso Juan Batalla. Batalla trabaja con deshechos de neumáticos de bicicleta con los cuales « viste » la madera. Sus trabajadísimas obras poseen un aura cargada de tensión, fuerza original « oculta » que emana más allá de la forma, que apenas logra ser dominada bajo una superficie que pareciera hervir a borbotones. El misterio que recubre la capa externa muestra en su trama un entrecruzamiento de cubiertas gastadas, en cuyo perfil se mantiene visible también el impulso, el polvo y la suciedad de las tantas rutas recorridas. Estar cautivo, quizá querer estar cautivo, y echarse a la fuga. Se diría una lucha constante como buscando « soltar el movimiento » para hacerlo vivo.
La muestra permanecerá abierta al público durante casi dos meses, nos dice el Director del Museo, Osvaldo Mastromauro. La visita, bien vale la pena !)

Traducción Florence Baranger

Sculpture Magazine

2010-09-19T14:39:00.000-07:00

Nota publicada en la Sculpture Magazine, September 2010. Por Maria Carolina Baulo

Juan Batalla-An artist of the real and the trascendental worlds
http://www.sculpture.org/documents/scmag10/sep_10/sep10.shtml

The argentine artist Juan Batalla, has a peculiar work which connects art with the sacred; transforms his creations into icons which carry within the philosophy of the ancestral divinities of afro-Latin origin (orixás) as well as the personal history of the artist, specially in relation to his practice of bodybuilding. And it is important to highlight that both practices are disqualified as not honorable by the high culture; this complicates the way in which people approach to these “meta-cultures” when they are not related with the experiences they propose.

Batalla presents a mysterious world which participates of our reality and also interacts with a transcendental level; a dialectic communication where the circuit thesis -antithesis- synthesis closes in the art work. Works that combine certain aesthetic codes with the perception of a body –his own- which permanently changes. Experimentation emerges from that original nucleus where the abstraction of the spiritual and the figuration of the presence of corporeity combine. In almost every stage along his activity as an artist, his interest for abstraction and tridimensional structures prevailed: the inherent power of volumes and its magnificence, generate some sort of tension between the dense and the ethereal:”The plenitude that I felt by changing my body radically and developing physical strength to be able to participate in bodybuilding tournaments, were experiences I relate with the same passion I dig in every morning when I work in my workshop with the hammer in my hand”.

In his latest works, Batalla uses rubber from bicycle tires. Some ideas crucial: transportation, rolling, the movement of existence itself, the transit and passage between diverse worlds and states of conscious. Used tires act as memorials; they keep records, the track of time and the personal imprint, unique and irreplaceable. The tire´s tram, of textile appearance, preserve from a silent inner place, whatever is not visible in the images. Having experimented with rubber through geometry and constructivism and always with a tendency to the round circular forms which nurture one another as the cycles of life, his recent art works develop the combination of the opposite and the complementary: there is a hidden tension between the pieces hanging on the walls - connected as an organic framework - and those sculptures that appear to us with no recognizable forms. Bestiality and sensuality also play an important role when drawings and photography participate introducing the presence of a muscular body interacting with the rubber. Once more, the association body-ritual practice emerges clearly: the orixás are divinities free of prejudice, they embrace the erotic, humor and irony, against every rigid moral and religious concept that the occidental culture consolidated.

In 2001, Juan Batalla develops his craft as an artist, with huge public exposure. Since then, he participates in more than 20 individual and group exhibitions in diverse cities from Argentina and Uruguay and also international fairs such as ArteBA and ArtBO (Argentina and Colombia respectively). He also curated the exhibition “Owners of the Crossroad" at the Blanes Museum in Montevideo, Uruguay and at the Rojas Cultural Center in Buenos Aires, (2008-9). He is the co-Artistic and Editorial Director of the books “Owners of the Crossroad" (2007) and “"San La Muerte, a strange voice" (2004), and also received some international awards as the "Atabaque" Award, I.F.A., Uruguay (2002), among other activities. Therefore, his visual works are deeply related with those editorial projects he made together with the argentine plastic artist Dany Barreto, co-director of the Arte Brujo Collection, an investigation of several years which presents the combination of the interdisciplinary as a perfect combination of philosophy, anthropology, sociology and religion together with the contemporary art. As a specialist in the study of African artistic expressions, Juan Batalla’s works are influenced by Robert Farris Thompson, African-American Art Professor (University of Yale), curator and writer of several essays about Basquiat, Haring, Kuitca, among others.

These sculptures – some of which participated of his latest individual exhibition at the Recoleta Cultural Center in Buenos Aires, April 2010- explore the connection between primitive forms. Illumination becomes fundamental within this process; the volcanic sculptures made of wood covered by rubber, with a cover which hides in the inside an engine that activates the ascendant – descendent movement of those covers. All of his works influence one another; phallic forms appear with enormous intensity and refer to a masculine world. And even when black is the predominant color of the tires, rubber`s texture allows some sculptures painted in red, to become so realistic as flesh itself. That “alive” and organic effect generates empathy in the spectator and in the artist; nevertheless, the usage of robotic mechanisms produce the contrary effect, creating a definitive separation between the artist and his work.

Sculpture represents for Juan Batalla “a state of mind, a vibrating frequency from where I read reality and translate it into images”. His creations participate of the present times demands -with permanent need of the immediate - and also contemplates ancestral concepts, avoiding contemporary assumptions which sometime deny a philosophical reflection of the primitive, the essential and the nuclear. The special attention paid to lightness and weightiness relates with the works of Jose Bedia and Cornelia Parker, masters in pushing this resource to the limit. Batalla is an artist with a solid intellectual ground and dares to submit to new points of view his entire work, even when the sources of inspiration changed and there is no longer a clear identification with the influences of the past. He makes no vague interpretations or questions his choices, he lets his works go with the flow and trusts time will place them where they belong: “I see artists afraid of their own creations because they can´t make them fit into their own conceptual presumptions. Personally, I choose to set them free. It is better if they run before me”.

Raw Vision, Dueños de la encrucijada

2010-09-19T14:32:00.000-07:00

Extracto de la nota de Kate Stanworth en Raw Vision#70

Spirits of the Crossroads
Kate Stanworth explores the Kimbanda art of the River Plate
Raw Vision #70 Fall 2010

Excerpt:
In hundreds of rooms and cellars dotted around the working class suburbs of Buenos Aires – a far cry from the Parisian style avenues and chic apartment blocks of the city’s centre – eclectic icons peer out from improvised shrines. Among them are scantily dressed femme fatales with flowing hair, dancing gypsies with veiled faces, mysterious caped warriors, earthen figures with cowry shells for eyes and mouths, and horned, devilish men.

These are some of the many manifestations of the African–American spirits Eshu and his seductive female counterpart, Pomba Gira – deities seen by a small but growing number of inhabitants of the Argentine capital as a source of consolation for their problems. Once a month, devotees bring the figures offerings of flowers, cigarettes and liquor, and the temples – usually the homes of the cult leaders – come alive with the sound of drums and singing. In a whirl of black capes and red dresses, the initiated receive the spirits in possession trances, during which the spirits are said to impart advice and wisdom.

The images of Eshus and Pomba Giras are relatively new to this European style city. Having first made the journey from West Africa to Brazil in the consciousness of slaves, it was only in the 1960s that the colourful characters migrated south to Buenos Aires via the Uruguayan capital of Montevideo, across the murky brown waters of the River Plate.

Having soaked up the mix of cultural and religious influences that had met on Brazilian shores, the icons took on the forms of folk archetypes, supernatural heroes and Catholic inspired demons. They were now part of the spirit pantheon of Umbanda, an African–Brazilian religion born from the merging of African and indigenous South American beliefs with Catholicism, Spiritism and European witchcraft.

Cut from its referents in the overtly African-influenced cultures of Brazil, the Uruguayan and Argentine artists of Umbanda are in the process of readapting their imagery to these climes. As a result shrines vary wildly in appearance, from cluttered groupings of figures spattered with blood from animal sacrifices to neat minimalist rows of iron symbols denoting suns, moons and tridents. New devotional songs are often invented in one temple and then quickly spread to others.

La Nación, Lo Otro x Daniel Molina

2010-09-19T14:30:00.000-07:00

Metáforas de la vida
Los luminosos pájaros de Anzizar y los monstruos gloriosos de Juan Batalla celebran lo natural y los diez años que cumplió la galería palermitana Elsi del Río
Sábado 14 de agosto de 2010 | Publicado en edición impresa

Por Daniel Molina
Para LA NACION - Buenos Aires, 2010
Nada natural hay en lo humano. No son naturales ni la poesía ni el genocidio ni la escritura ni el vino ni la censura ni el canto gregoriano. También se podría decir lo contrario: puesto que el ser humano es un animal, no hay nada humano -ni siquiera lo más sofisticado de nuestra cultura- que no sea natural: ni la poesía ni el genocidio. La muestras de José Luis Anzizar y Juan Batalla trabajan en el filo de esa dicotomía. De maneras muy disímiles la problematizan, la cuestionan, la desmontan y la superan: su arte sabe que la cultura es nuestra naturaleza.
Anzizar es un apasionado del vuelo: su obra es un canto al cielo. Gran parte de los trabajos que realizó en esta década están estrechamente ligados a su amor por el viaje. A través de planos de aeropuertos, de siluetas de aviones, de una paleta de tonos pastel, de bordados sobre servilletas que sobraron del último vuelo (manualidades de niño escolarizado, homenajes a las labores "femeninas"), Anzizar dibujaba el contorno de su deseo: ser otro. Ese otro que ya profundamente es. En Flying Collors (su muestra de 2009 en Recoleta), aparecía vestido de azafata. No era una pose travesti sino un desnudo total: mostraba -en carne propia- su cicatriz luminosa.
En su obra actual, los aviones persisten como pequeños monogramas bordados, pero el centro de la escena ahora lo ocupan los pájaros. Pájaros que se integran a su mundo de colores Pucci (la aeromoza que Anzizar simula ser es la que lucía los trajecitos que Emilio Pucci había diseñado para Braniff y que brillaban aún más en los aviones que había pintado, a mediados de los años 70, Alexander Calder). Los pájaros de Anzizar son colores en movimiento: no las aves que cantan, sino las plumas que vibran.
La muestra de Anzizar se titula Urban Birdwatching y se inspira en el arte de la observación de pájaros en el entorno urbano. Ni los pájaros que usa en la obra (que toma de los dibujos de Roger Tory Peterson, naturalista estadounidense) ni el entorno en el que los instala tienen nada de natural: su mundo es la paciente construcción de un hábil artesano, que no desmaya ante la desmesura tropical de los detalles. Para esta muestra, el artista produjo dos grandes objetos que simulan jarrones chinos, cubiertos completamente de enramadas coloridas y pájaros hieráticos. Estos jarrones evocan las chinoiseries que abundan en los hogares de la pampa bonaerense. Los jarrones chinos señalan la cultura en el espacio campestre: el reino de lo natural civilizado. Es decir, el triunfo de la cultura sobre la naturaleza.
Sobre esos jarrones de cartón y sobre lienzos y papeles, Anzizar pega sus pájaros recortados, lianas enroscadas, vegetales rosados, verdes pastel, celestes más brillantes que el cielo de la primavera. Borda y cose, como un aplicado alumno de corte y confección. Así construye -confiesa y recorta- su paraíso natural, completamente poetizado. Su orden es un caos: todo está por acontecer, como en el momento inicial. Su reino natural (sus pájaros perfectos, sus ramas barrocas) no es el mundo congelado de la razón sino el universo danzarín de la fiesta: el lugar en el que las aves trinan.
En el jardín de la galería, Juan Batalla exhibe tres esculturas. Es el pasaje a la tercera dimensión de los seres bidimensionales que poblaron su muestra Rinoceronte . Son objetos abstractos, cuya corporeidad sugiere la fuerza animal, el desenfreno natural y la fortaleza secreta, para nada ostentosa, del que se sabe poderoso.
Batalla trabaja con caucho (llantas de bicicleta, en este caso). En cada una de las tres esculturas hay una vibración distinta. Si bien el material impone su presencia en todas ellas (y las hermana por la "piel"), las diferencias de forma y de tratamiento las vuelve singulares. Dos de las esculturas están pintadas: una, parcialmente de rojo, y la otra, de plateado. La escultura desnuda, aquella cuya piel de caucho no recibió ningún ropaje y que exhibe impúdica su desnudez feliz, es la más potente: se integra al jardín con la violencia sutil de una planta.
De manera completamente diversa, Anzizar y Batalla producen íconos multifacéticos. Por un lado, trabajan con emblemas de lo natural, de la vida en estado salvaje o de las potencias salvajes de la vida. Por el otro, sus obras demuestran el sinsentido de la división naturaleza-cultura: son los versos de un soneto inconcluso que invita al espectador a continuarlo. Como los luminosos pájaros de Anzizar, los monstruos gloriosos de Batalla son metáforas espléndidas de la vida: es lo natural cuando se lo ha poetizado.

FICHA. Urban Birdwatching , de José Luis Anzizar , y esculturas de Juan Batalla , en Elsi del Río (Humboldt 1510), hasta el 3 de septiembre

adnJOSÉ LUIS ANZIZAR
(Buenos Aires, 1962)
Artista autodidacta, trabaja con dibujo y técnicas experimentales sobre papel. Desde el año 2000, expuso en muestras individuales y colectivas en Buenos Aires, Bahía Blanca, La Plata, Miami, Londres, Berlín y Cartagena de Indias
adnJUAN BATALLA
(Buenos Aires, 1967)
Artista autodidacta, realiza esculturas con caucho e instalaciones. Comenzó a exhibir sus obras en 2001. Expuso en Buenos Aires, Montevideo, Río de Janeiro, Salta y Bogotá. Curó muestras en el Centro Cultural Ricardo Rojas y en el Museo Blanes (Uruguay) y codirige, con Dany Barreto, la editorial Colección Arte Brujo

Ramona / Mariano Soto sobre Lo otro

2010-08-09T05:19:00.000-07:00

TIERRA, SANGRE Y POTOSÍ
Iniciación, gloria y sacrificio: una metáfora indígena en la obra de Juan Batalla

Muchas culturas prehispánicas utilizaban la semilla del cebil como sustancia psicotrópica, básicamente en rituales chamánicos, dado que el “chamán” era el enlace entre su comunidad y el más allá, las fuerzas de lo Desconocido. También se supone que de las alucinaciones producidas por el consumo de esta sustancia, derivaba la fantástica imaginería plasmada en los objetos producidos por estas culturas. Su “surrealismo” avant la lettre.
Del mismo árbol, llamado también cebil o, científicamente, Anadenanthera colubrina, extrayendo su resina, puede también obtenerse caucho. Como se sabe, éste era muy utilizado en las culturas mesoamericanas, y, tras la conquista, su uso se extiende por toda Europa.
Como en un sueño de cebil, las esculturas de caucho de Juan Batalla, nos traen el susurro secreto de la fabulosa cosmogonía indígena americana.
Superficies de caucho ensamblado, a veces en un caos frenético de cruces y enlazamientos de revoltijo visceral. Otras gobernadas por una calma y un orden aparente, con textura de dermis, oponiendo y equilibrando.
Pero bajo la superficie de caucho ancestral e industrial, las obras guardan alma de madera. Troncos de árboles diseñados por el azar de la Naturaleza y de la intervención humana –cortes utilitarios destinados a ser papel, fuego o utensilios- conforman el interior, lo profundo, lo esencial.
Formas alucinadas, por momentos zoomórficas, pero que al instante se convierten en vaso Kero, en pipa ritual, en suplicante Condorhuasi, aunque siempre fuertemente ancladas en lo abstracto, como negándose a ser aprehendidas, a ser racionalizadas Superficies y formas que se retuercen, se entremezclan, se funden y luchan por primar unas sobre otras, anulándose, superponiéndose.
La muestra llamada “Lo Otro”, de Juan Batalla, consiste en tres piezas escultóricas: una de forma casi reptante, poco elevada a ras del suelo, cuyo “soma” sugiere un animal mítico, o un suplicante Condorhuasi, dada la relación entre vacío y volumen; y que ostenta, además, el color negro “sucio” original de las llantas de bicicleta con las que fue dada a luz. Lo de sucio no es metáfora, las llantas portan tierra de muchos andares, y la exhiben con la elegancia de lo no añadido.
A ésta le sigue otro animal fabuloso, más intimidante, porque comienza a levantarse del suelo, de su condición primaria. Eleva un cuello largo y poderoso en señal de orgullo, de seguridad, y por detrás comienzan a insinuarse sus patas. Con ellas hará su camino, que es un camino doble, bifurcado. En un corte transversal, presenta dos planos de color: el negro primigenio, terroso, y el rojo sangre sacrificial. Esta criatura, mitad rojo estridente, mitad negro ancestral, es a la vez superación y muerte, gloria y aniquilación. Evolución trunca.
La tercera pieza se eleva, ya, sobre una peana. Lejos del piso, su color plata nueva, estridente, casi de nuevo rico, nos despierta la incertidumbre de si es éste su último estadio evolutivo…o su misma subsumisión, su saqueo material y cultural. Lo que parecen brazos y piernas retorcidos, mezclados en una suerte de festín orgiástico como en los templos hindúes de Konarak, puede ser también masacre, exterminación. Vidas consumidas en aras de la obtención mineral, de la plata (argentum) tributada a Europa en pesados galeones. Quiso el azar, o la eterna predisposición de las deidades al humor y a lo lúdico, que, sobre la plateada superficie de la criatura, aparezcan unas accidentales gotas resecas de color rojo oscuro. ¿Sangre del artista vertida durante el proceso creativo? ¿Vino festejante del opening como hecho social? Pequeñísimas, casi imperceptibles, son la muestra de que el arte se termina de autoafirmar en lo fortuito, lo impredecible. Una intervención no deseada, no premeditada, que los hados depositaron allí como plusvalía del discurso. Sangre y vino. Fiesta y sacrificio, las dos caras de la moneda.
A éstas figuras, obra de la oportuna mezcla de sensibilidad con fuerza bruta que es el sello de Juan Batalla, yo las rebauticé, caprichosamente, Tierra, Sangre y Potosí.
Entre ellas dialogan, discuten, se miden unas a otras. Circularmente. Saben que, aún en su disgregación, son tres partes de una misma cosa. De una misma Historia. De un mismo objeto y de su Ser.
Porque,una vez terminado el ciclo, una vez extraído el último vestigio de plata potosina, todo vuelve a comenzar.
Y el caucho en bruto, maculado de tierra, comienza nuevamente a reptar, buscando elevarse.

Revista Noticias / Victoria Verlichak x muestra en Elsi del Río

2010-08-09T05:14:00.000-07:00

Cumpleaños feliz
“Urban Birdwatching” de Anzízar. “Lo otro” de Juan Batalla. Elsi del Río. Humboldt 1510.

Elsi del Río está de fiesta. La galería celebra su primera década con las muestras de José Luis Anzizar y Juan Batalla. Inaugurada en julio del 2000, con una muestra del mismo Anzízar, primero funcionó en la calle Arévalo y está ahora en Palermo Hollywood. Su programa, de exhibiciones y de asistencia a las ferias de arte, pone el acento en la promoción de artistas contemporáneos nacionales y extranjeros. Es dirigida por Fernando Entin, también presidente de la Asociación Galerías Argentinas de Arte Contemporáneo, entidad que participa con 12 galerías en Lima Photo 2010, con el apoyo del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

En el cubo blanco de la galería, Anzízar (Buenos Aires, 1962) continúa visual y conceptualmente con sus series “En tránsito” y “Aeropuertos”, marcando itinerarios y revelando movimientos que proponen una reflexión en torno a la percepción. En “Urban birdwatching” (avistamiento urbano de pájaros), Anzizar pinta sobre tela y papel, corta y pega papeles con los que dibuja trazos que sugieren la cadencia del vuelo de los pájaros, tanto como lo desconocido en el horizonte que propone la gran ciudad. En el patio de esculturas al aire libre, Batalla (Buenos Aires, 1967) instaló piezas abstractas con corazón de madera y revestimiento de caucho. El látex, retorcido y enlazado, sirve para descubrir nuevos sentidos.

Dokudokushii / Juan Batalla para Tokonoma

2010-06-14T07:11:00.000-07:00

DOKUDOKUSHII

Ululando despertará Praga, con el aliento entrecortado porque el día arrasa, en ascuas, pero sin desconcierto. No llegaré con ellos.
Es impensable que exista reflexión, u otro sentimiento que el mero alivio, o investigación policial respecto a mi muerte. Y aunque mi espectro pudiera denunciar los hechos ya estoy tan aturdido que no sería de ayuda para los hipotéticos detectives. Sin cargos.
Probablemente mi familia se irá, no habrá monumentos de formol, el vecindario no encontrará dificultades para olvidar a los Samsa. Yuxtapuestas opacidad y voluntad criminal, un cuerpo de olvido es imprescindible. Antimateria que desarticule la emasculación de vitalidad que encarno.

Greta, mi hermana, me alimentó regularmente desde que asumí la forma. Ingerí
raudo lo que necesité para seguir adelante, hasta que al sentir un pinchazo horrífico durante mi deposición, la examiné y vi brillar un cristal. Los excrementos de algo como yo son insondables, lúgubre materia. Pero esperé a que tras rato de tomar contacto con la atmósfera se hubiesen solidificado por completo para desgranarlos y encontrar la carga de cristal molido.
Ya no comí casi. A veces mastiqué cosas que aprendí a digerir y formaron parte de percibir mi nueva instalación en la realidad. Sé que ahora tengo algo de polilla, ya que me alimentó la lana; realicé un trazado especular acorde a estos apetitos. Clasificaciones de bestiario.
Pero como ya no probaba la comida, tramaron. Greta mostró una cabeza fresca e inquieta para aproximar la solución al escándalo de mi existencia. Salía mucho, creo que supe más sobre esas salidas, pero empiezo a no poder coordinar los acoples entre mis neuronas más que para identificar la unívoca erosión que me arrastra.
Hoy llegó y reconocí una modificación en el tono de las voces que hablaban de mí. Quisiera decir que los matices respondían a la congoja o a la duda, pero no es así. Sin entender qué se decía, mis oídos bestiales percibieron otras modulaciones.
Greta golpeó la puerta. Ya se había acostumbrado a no hacerlo, pero sería una forma de oponer distancia. Cuando entró, la lámpara reflejó sobre una superficie acerada de algo que acunaba entre los brazos. Lo balanceó murmurando. Entonces me dirigió la mirada tierna, completamente divorciada de la potencia del artefacto que sacudía con creciente energía. Un cazador no puede mirar así a la presa, y ella atisbó a corregir el yerro, dotando a la operación de afán aséptico, de impersonalidad que nos cobijó mientras el mecano propelía su contenido. Será la nube dispersa, la vi descomponerse en miles de gotas, mi mirada ahora fragmenta todo, cuadricula cada pliegue de lo visible y lo inyecta de tintes, blanco y negro que creo que no es ausencia de los colores humanos sino su variación más estrepitosa. El gas me humectó un incendio. Mientras trabaja tejido adentro, imagino el vapor de los volcanes. Siempre quise asomarme a la boca de uno de ellos, tributar a su poder. Y ahora me cobija, lacerante, un estallido que sucede en mi organismo, ya no cuerpo, miserable. Como si Greta, Greta u otro Samsa, me hubiera acorralado con un aerosol que emana la nube, y todos creyeran que me corro para dejarlos libres, sin horror, pero existiese un crimen que excede al de omisión: fui rociado con ardores neurálgicos. Y ya la expansión del mal dentro de mí, que ocupa el espacio que antes fue lisura, y corrompe acá lejos. El sorbo de aire, ingiero hilo plateado, oxígeno mercurial a los pulmones que se abovedan con esfuerzo, las paredes carne porosa que trasunta la ponzoña adentro. Tensa laringe, espasmo y filigrana de los órganos adheridos unos contra otros, en cadena, dándose puazos como los puercoespines en la noche desabrigada que imaginó Nietzche. La maravilla del acorde acoplando cada centímetro de mi vacilación al proceso caústico. Y resplandores opiáceos como último desafuero de mi cerebro helado.

El adelanto más significativo en el desarrollo de los aerosoles llegó en los años 20 y 30, cuando el noruego Erik Andreas Rotheim registró diversidad de patentes de mecanismos que son lo más parecido a los aerosoles con los que estamos familiarizados hoy en día. Pero hasta la Segunda Guerra Mundial los aerosoles no vivieron con éxito la producción en masa. En 1942, en el área del Pacífico, murieron más hombres por enfermedades causadas por insectos, que por la propia guerra. Este hecho inspiró a L.D. Goodhue y W.N. Sullivan, que trabajaban para el departamento de Agricultura de los Estados Unidos. Goodhue era un investigador químico que en 1935 tuvo la idea de pulverizar insecticidas utilizando hidrocarburos halógenos líquidos, aunque esto no se había ensayado nunca antes. En la Semana Santa de 1941, Goodhue y Sullivan fueron impulsados a encontrar una solución para el problema del área del Pacífico, de manera que decidieron probar la idea de Goodhue. El test fue un éxito y en 1942 se desarrollaron cilindros portátiles, que se conocieron como “bomba insecto”, para ser utilizadas por los soldados. Después de la guerra, estos insecticidas se hicieron populares entre el público, al venderse en tiendas de excedentes del ejército.
(Información extraída de la página web de la Asociación Española De Aerosoles).

Juan Batalla

Buenos Aires Herald / Alfredo Cernadas / Batalla´s bulges

2010-05-09T18:11:00.000-07:00

Batalla’s bulges

  In 1513 King Manuel of Portugal had a rhinoceros brought to his court in Lisbon from India, much to the amazement of all the Europeans who beheld it. One of them described the beast in detail to Albrecht Düerer, who drew the engraving that would become famous. That work inspired sculptor Juan Batalla to create the weird, lumpy things displayed at the Recoleta Cultural Centre. Actually, there is a relation between all three, beginning by the hunky artist’s physique, far more comparable to a rhino than a stork.  
Besides, Batalla’s works are noteworthy for their lumpiness and the powerful results he obtains working with a rather unusual, heavy, rather unwieldy raw material: rubber truck, car or bicycle tyres . With them Batalla, honouring his name, battles with the chunks of rubber and turns them into fantastic shapes as amazing as the rhino was to the 16th century Europeans. The results are quite amazing. He twists and turns them into abstract things or others as recognizable as a silver blue pillow or a monster not unlike the one in the thriller Alien. The general impression of these thick bas-reliefs is that of the sculpture covered walls of ancient Indian temples, or they can also give the impression of snakes, either stretched or mingling. A rather bizarre, unusual but stimulating show.
9 de mayo 2010

Ramona / Marcos Luczkow / El colono y el colonizado

2010-05-09T18:08:00.000-07:00

Errante contra las ideologías conservadoras que pretenden embalsamar y homogenizar el arte contemporáneo concurrí a mi curso semanal sobre algo así como ser un artista exitoso en el subdesarrollo.
No conforme con la tradición, con las fórmulas y categorías existentes, me he vuelto un piloto de pruebas y me di cuenta que para mantenerme a la altura de tal riesgo, también hay que cuestionar la firmeza de las cosas.
Ese mismo día observé que a pesar de la fuerte “caída” de algunos presupuestos institucionales (año del re-contra nombrado Bicentenario), muchos artistas siguen eligiendo al Centro Cultural Recoleta como un espacio irrefutable para exponer sus obras.
Juan Batalla instala ética en una de sus salas, a fuerza de ensamblajes de caucho (llantas de bicicleta) sobre madera, colocándose en el camino del grabado del rinoceronte acorazado de Alberto Durero, ese mismo que Umberto Eco muestra en su libro “La estructura ausente”, y ese mismo mamífero cuadrúpedo que ya se encuentra extinto.
A penas uno entra a la muestra, se encuentra frente a yuxtaposiciones y tejidos de caucho de presencia geométrica, torsiones, anudamientos, protuberancias y el uso de planos de color trabajados hasta el mínimo detalle como si fuesen los pliegues del uní-cuerno.
El desafió en esta era de artistas argentinos emuladores de occidente es encontrar originalidad en obras que hablen de algo o tengan algo que decir más allá de su belleza atrayentemente superficial. ¿O será que la belleza por sí sóla ya basta y yo no me he enterado?
De todas formas Juan logra coherencia poco vista antes y nos cuenta la procedencia de su obra, narrando que en estas o aquellas épocas del colono y el colonizado, el caucho fue una materia surgida en América para el juego de pelota y otros fines mágicos cerca del 1600 AC, muchos siglos después siguió su trayecto hacia la industria europea moderna.
¡Pero no teman, esta muestra no hace referencia a los cuernos de ningún animal! Se llama así por una de sus obras “El rinoceronte” (la que da título a la muestra), un tríptico blanco sintético y negro semi gastado, de grandes dimensiones, siendo su eslabón intermedio una maciza escultura con apoyo en el suelo.

Abril 2010

Osados ensamblajes / Laura Feinsilber / Ámbito Financiero

2010-05-09T06:09:00.000-07:00

Osados ensamblajes del creativo Batalla

por Laura Feinsilber

La actual muestra de Juan Batalla en el Centro Cultural Recoleta da cuenta de cómo las llantas de bicicleta pueden convertirse, gracias a la creatividad del artista, en una poderosa idea-fuerza.
Sería interesante saber si los que las diseñan se basan en la geometría rectilínea y discontinua, predominio de triángulos, hileras de dentículos cortados que caracterizan a ciertos objetos de la primera edad del hierro llamada Hallstat, por su ubicación en el Tirol austríaco.
Batalla (Buenos Aires, 1967), comenzó ya hace algún tiempo a utilizarlas en bajo relieves de carácter austero por su color negro y por su combinación acotada de fragmentos.
Actualmente se han vuelto joyantes por su cromatismo: plateado, azul, blanco, rojo, en combinación en algunos casos con el negro y un verdadero “tour de force” por la manipulación a la que las somete.
El tríptico “El Rinoceronte”, ensamblaje de caucho sobre madera, de gran tamaño y que da nombre a la muestra, es un ejemplo de la capacidad compositiva y osada utilización del material. Según Batalla, “el rinoceronte, utopía del siglo XXI, resume conceptos de tensión y fuerza por esa lejanía y espíritu de otra dimensión”, este último, recurrente en su obra.
Del díptico de la pared pasa a la obra escultórica de bulto que yace tanto amenazadora como indefensa.
Se destaca también “Guardiero”, suponemos, guardián de la muestra, obra compleja y dramática por su forma envolvente y que también exhibe salientes, dibujos vegetales, Geométricas repeticiones, incisiones, características de este elemento que Batalla encuentra en su geografía bonaerense y al que ha resignificado y por supuesto dignificado.

30 de abril 2010

Arte al día - El rinoceronte

2010-05-09T06:07:00.000-07:00

Juan Batalla / Rinoceronte en Recoleta

Cubierto por gruesas escamas, el rinoceronte impone su armadura y se muestra invulnerable; es rápido y astuto.
En esta nueva serie de ensamblajes de caucho sobre madera -una técnica en la que trabaja desde 2004- Juan Batalla pone en evidencia su propia esencia. Se trata de esculturas de pared con secciones de tejido de caucho marcadamente geométricas, con protuberancias y un llamativo uso de planos de color.
Bajo estos volúmenes doblegados y formas tensionadas, que provienen de viejas llantas de bicicletas; bajo esta piel tallada por historias anónimas, el tiempo y la memoria, aparece la exquisita sensibilidad del artista. Una obra que, como señala Máximo Jacoby, curador de la muestra, en el prólogo del catálogo "es un elogio a la fuerza que ahora se
transforma de modo alquímico y manifiesta la poética de sus infinitos potenciales grados de tensión".
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Cierra el 3 de mayo
Centro Cultural Recoleta (Sala 12), Junín 1930

"Animal que respira" - Enrique Solinas

2010-05-09T06:03:00.000-07:00

(Enrique Solinas es un reconocido escritor argentino que escribió este texto a raíz de "El rinoceronte")

Si consideramos la figura del rinoceronte como una utopía del siglo XXI, Juan Batalla ha logrado materializar –en un espacio propicio para la reflexión e interpretación– esta idea concebida y construida por diferentes culturas y miradas, a través del tiempo.
Con gran destreza técnica que es necesario destacar; utilizando caucho reciclado y ensamblado que nos provee de texturas y profundiza la idea original; en constante equilibrio entre la forma y el color, donde las obras individuales van construyendo el cuerpo del animal antiguo y renovado. Así se expresa la exposición que Juan Batalla nos ofrece, creando una obra de arte que no sólo produce placer estético ante su encuentro, sino que trasciende la forma, revelando su dimensión espiritual.
Como si fuera el cuerpo de Dionisos – su cuerpo desmembrado, y cada parte arrojada hacia los extremos del universo– hoy espera que la mirada de los que contemplen esta obra reúna sus partes para que vuelva a resurgir.
La exposición se inauguró el 7 de Abril y finaliza el 2 de mayo de 2010, en el Centro Cultural Recoleta. Una excelente muestra de arte actual que es necesario ver.
Hay algo, en este rinoceronte, que intentamos atrapar, y cuando parece que lo logramos, se nos escapa para luego trascender.

Analecta Literaria

2010-05-09T05:58:00.000-07:00

NOTA PUBLICADA EN ANALECTA LITERARIA:
En Naturaleza Diversa, la sección de arte de Analecta Literaria, publicamos un texto del artista plástico argentino Juan Batalla (n.1967), autodidacta que ha encontrado en el caucho y los neumáticos de bicicletas usados un inusual medio de expresión artística que convierte a su obra en una de las más originales del arte contemporáneo.

Sobre “El rinoceronte”

“El rinoceronte” es la fase presente de un continuo artístico que vengo desarrollando a través de los ensamblajes de caucho y madera, así como también mediante otros lenguajes visuales, ediciones de libros y curadurías de exposiciones. Siento que acaso haya coagulado algo de la expresión de mi búsqueda en esta tanda de ensamblajes que conforman la muestra en el Centro Cultural Recoleta.
Utilizo en mi quehacer neumáticos de bicicletas usados. El caucho en punto de manipulación personal: surgido en América cerca del 1600 AC dentro de una civilización que lo usó en el contexto de su mitología, pasado tras 1775 por el universo occidental de la industria, lo instalo en mi poética de rodaje y desplazamiento. Fue para mí un suceso estético el descubrimiento de este medio con un complejo alfabeto de signos y texturas, allá por 2004. Comencé por producir con ellos obra geométrica, casi constructiva. El círculo y las conexiones totémicas me alejaron de tales coordenadas, hilvanando naturalmente el trabajo con mi exploración de culturas afroatlánticas, importante vector de mi mirada. Mi tránsito del concepto a la pura abstracción es natural, siempre supe que allá en la esencia de lo temático arranca la abstracción más pura, y que todo tránsito por despojadas líneas deriva en un núcleo de ideas.
Siguiendo la evolución de los ensamblajes de caucho, tras una aparición del color en las obras que mostré en ArteBA 07 y algunos años de creación de esculturas contundentes, llegó la invitación a exhibir en esta sala. Tras algunas cavilaciones, surgió esta nueva serie con dicho espacio de exhibición en mente.
La fuerza y sus posibilidades retóricas son los ejes sobre los que orbita “El rinoceronte”. Confluyó allí mi gusto por el grabado de Alberto Durero, quien en 1515 realizó el dibujo de un rinoceronte sin nunca antes haber visto uno personalmente. Delineado siguiendo bosquejos, relatos e intuiciones, el rinoceronte de Durero es bello pero genialmente inexacto anatómicamente. Algo que sobrecompensa con texturas exquisitas en las que se demora. Así que hay en mi rinoceronte una mirada a esa circunstancia: aquí también me detengo en las texturas omnipresentes y afronto riesgos en mi relato, ya que la abstracción también incluye uno, aunque el relato no hable de entes con instalación en la realidad visible, como el de Durero, sino de un ruido metafísico que me acompaña como fondo siempre.
Finalmente la serie se caracteriza por su volumetría, hay bultos nudosos que penden de las paredes o descansan sobre el suelo; y muchos planos de color
oponen levedad a las formas. Siento que el logro de cierta rítmica entre las obras es un resultado positivo de esta muestra. Se produce desde la concepción de cada una en relación a las otras, en un circuito obligado que las mueve al diálogo entre sí, y luego a través del montaje y una puesta de luces diferente a la que habitualmente presenta esa sala. Apuntando hacia un misterio diáfano.

Juan Batalla, abril 2010

Bestiario, por Máximo Jacoby

2010-04-13T14:54:00.000-07:00

Bestiario - por Máximo Jacoby

“En el primero de mayo del año 1513, el poderoso Rey de Portugal, Manuel de Lisboa, trajo semejante animal vivo desde la India, llamado rinoceronte. Esta es una representación fiel. Tiene el color de una tortuga moteada, y está casi completamente cubierto de gruesas escamas. Es del tamaño de un elefante, pero tiene las patas más cortas y es casi invulnerable. […] El rinoceronte está tan bien acorazado que el elefante no puede herirle. Se dice que el rinoceronte es rápido, impetuoso y astuto.”
Estas palabras rubrican el grabado del artista Alberto Durero en su Rinoceronte de 1515. La descripción, digna de El idioma analítico de John Wilkins de Borges, desnuda nuestro sistema de clasificación, tan arbitrario y absurdo como cualquier otro. El bestiario aquí creado por Juan Batalla es un casting zoológico de formas que pueden referenciar animales u organismos, músculos y tendones, o la más pura reutilización de desechos. El artista se encamina en la construcción de un programa de figuras imaginarias, libres de normas naturalistas o científicas y deja que sea, finalmente, el vuelo desprejuiciado del espectador quien defina los significantes de las obras.
Durero nunca había visto un rinoceronte antes de realizar su grabado y éste funcionaría por años como versión oficial de cierto naturalismo. ¿Es entonces fiel la representación de Durero? El rinoceronte responde con honestidad frontal a nuestra pregunta acerca de la fidelidad. El antiguo grabado o el sinfín de texturas de viejas gomas de bicicletas –con su historia impregnada-, son fieles representantes de la piel, los pliegues y el espíritu del animal como nuestra imaginación pueda concebirlos. Esta serie de “ensamblajes de caucho sobre madera” creada por el particular mundo de Juan Batalla y conformada por volúmenes, formas estiradas, torsiones y diagonales, es un elogio a la fuerza. Condensada en retazos y fragmentos, ahora se transforma de modo alquímico y manifiesta la poética de sus infinitos potenciales grados de tensión.

(Texto para el catálogo de "El rinoceronte")

Dueños de la encrucijada, revista ArtPulse

2009-11-02T16:07:00.000-08:00

Owners of the Crossroad - Aesthetics of Exú and Pomba Gira in Rio de la Plata

By Maria Carolina Baulo

From August 6 - 30, 2009 the visual arts exhibition “Owners of the Crossroad -Aesthetics of Exú and Pomba Gira in the Rio de la Plata” ran at the Rojas Cultural Centre of Buenos Aires, showing the aesthetics of these African cults. Juan Batalla, Argentine, visual artist, co-director of the Arte Brujo Editorial and specialist in African cults, is the curator of the exhibition, focusing on the combination of disciplines such as anthropology, sociology, religion and art. “Owners of the Crossroad” highlights the interaction of literature –first presented as a book of images and texts by authors from Argentina, Brazil and Uruguay- and an art exhibition which started in Uruguay at the Blanes Museum of Montevideo in April 2009, followed by the Rojas Cultural Centre in August and finally ending in Sao Paolo, Brazil in the near future.

These sorts of images are always related to marginality and they assume a pagan perspective covering the main subjects condemned by the Christian church: these cults free people from all their fears and vindicate the joy of life without expecting any compensation in another life for the sacrifices made on Earth. The gods worshiped are popular divinities, accessible for the faithful, close to people’s feelings and needs; this might be one of the reasons why the influence of these cults is expanding so fast. The African cults of Exú and Pomba Gira are liberating cults; however, the followers believe each invocation to the gods has consequences.

Exú, the man, and Pomba Gira, the woman are both main spiritual entities in African cults, two sides of the same coin. No attempt to disqualify them could stop the cults from getting stronger in the suburbs of the most important cities of Argentina and Uruguay. These are spirits related to transgression and, because of the phenomenon of syncretism, the gods took the place of devils when the cult arrived in America with the African slaves. And the cult transformed in such way, that it generated a parallel cult: the Kimbanda. From Africa, it traveled to Cuba, Haiti, Bahia (Brazil) and from there to the rest of the Americas and further expanded to Brazil; finally from Porto Alegre to Buenos Aires and Montevideo. Once in Uruguay and Argentina, because of those cultural influences and contamination, the cult gained a new meaning and several artistic expressions became related to the rituals: performances, dance, music, food, among others.

The main importance of this exhibition at the Rojas Cultural Centre, represented by artists from Argentina and Uruguay, lay in the role played by Exú: one of the most important divinities of the African-Latin pantheon, a multifaced and contradictory god, identified as a spirit and as an orixá or divinity at the same time. The idea was to clearly express the enormous complexity and richness found in arts derived from a contemporary theology, which gets stronger every day. The exhibition was based on different perspectives aimed at showing the beauty within the ritual art. Installations and videos were the protagonists and many of the participating artists expressed using this media: Dany Barreto, Argentine, visual artist and also co-director of the Arte Brujo Editorial, recreated an Umbanda temple, and centered the attention on a typical symbol of Exú: the dog. The photographs by the Argentine photographer Guillermo Srodek Hart introduced us into the Kimbanda altars in Montevideo and Buenos Aires; his large-format images allowed the spectator to capture the magnitude of those interiors. The Argentine Leon Ferrari presented Exú´s icons as demons, acting as the Christian saints’ opponents. The exhibition included other artists’ works: Guillermo Zabaleta, Diego Perrotta, Gustavo Tabares, Melina Scumburdis, Marcelo Bordese, Nora Correas, Ángela López Ruiz, Nico Sara, Anabel Vanoni and Margaret Whyte.

The presence of a culture which fought strongly to open its path in Rio de la Plata can no longer be ignored. It is a must for Occidental culture to recognize diversity and its importance in rituality, and also in the field of art. This itinerant exhibition could be a first step in approaching the mystery of the unknown.

María Carolina Baulo: Art writer, Master’s Degree in History of Art, with studies in Cinematography, Photography and Theater. macabaulo@hotmail.com

Hart Magazine (Bélgica): Dueños en inglés y español

2009-10-04T11:40:00.000-07:00

HART MAGAZINE, October 2009
ART INTERNATIONAL

AESTHETICS OF EXÚ AND POMBA GIRA IN THE RIO DE LA PLATA: OWNERS OF THE CROSSROAD
by María Carolina Baulo
Earlier this year the visual arts exhibition ‘Owners of the Crossroad, aesthetics of Exú and Pomba Gira in the Rio de la Plata' opened in Montevideo, Uruguay before moving to Buenos Aires and in 2010 to Sao Paolo. It deals with the aesthetics of Exú and Pomba Gira, African cults which arrived to America with the African slaves and gained popularity in Latin-America and showed the response of contemporary artists to these popular cults.
The role images played since the beginning of times is related not only to the concept we use to refer to as art, but also to the ritual, the devotional and the religious. In fact, what we call the contemporary art, also questions the parameters which determine what could or couldn't be included in the category of art. But to question a category, paradigm, concept or validation criteria, first it should be recognized as a cultural structure developed in a certain moment in a certain social group. Of course, usually the criteria and the categories of the dominant groups prevail - not necessarily in a pacific way - over the rest of the sensitive expressions, including the production of images.
The will to express thoughts and feelings is inherent to the essence of men. Images can operate as a wonderful tool to create a solid ideology. In the Middle Ages images were the bible for the illiterate. The educated would take advantage of it to reach the masses and introduce them to the holy church's doctrine. But any ‘artistic' expression which dared to question the fundamentals of the catholic religion would be eclipsed by the power of the church. A church that didn't just concentrate on legitimizing the Christian message but also on silencing, repressing, hiding and disqualifying any alternative to that ‘official' version of reality. Nevertheless, clandestine resistance to subjugation and to the imposition of ways of thinking always existed. But the burden of centuries of discredit and the usage of labels such as dark, evil and sinister (just remember the porticos of the Romanic or Gothic churches where all the ‘good' was at the right of Jesus and the ‘sinister' was at the left), would make the assimilation of those other narratives difficult. It is then necessary to keep an open mind and be prepared to question how our validation criteria where created and by whom. My personal experience with the Exú and Pomba Gira cults is a perfect example of this internal battle.
RITUAL
Last spring the visual arts exhibition ‘Owners of the Crossroad, aesthetics of Exú and Pomba Gira in the Rio de la Plata' ran at the Blanes Museum in Montevideo, Uruguay. It showed the aesthetics of these African cults which arrived to America with the African slaves. Juan Batalla is the promoter of the investigation of this phenomenon. He works in an interdisciplinary way as a perfect combination of anthropological, sociological, religious and artistic studies, among others. He is inspired by the Warburg's Institute method based on the idea of the multidisciplinary as the foundation for the understanding of social groups. In this project we find the interaction of literature - ‘Owners of the Crossroad' was first presented as a book of images and texts by authors from Argentina, Brazil and Uruguay representing diverse disciplines. An art exhibition which started in Uruguay, followed by the Rojas Cultural Centre in August in Buenos Aires and finally ending in Sao Paolo, Brazil. The visual arts exhibition is identical to the collection of images showed in the book but with the inclusion of installations and site specific works specially created to be exhibited for the first time.
It isn't easy to approach these kinds of issues. Imagery of these characteristics is systematically related to the ideas of marginality and the occult. At this point, my personal impression reflected an internal fight as I was trying to assimilate and recognize in these works an expressive medium which is aesthetically as valuable and rich as those used by the occidental culture. These are images related to rituals and religion and they assume a pagan perspective. They recover things which monotheist religions condemn like polytheism and paganism. They free the faithful of all fears of living in this world, of becoming the protagonists of their lives. The African cults of Exú and Pomba Gira are liberating cults; nevertheless the followers assume a compromise. They consider each invocation or request to the gods has consequences. The presence of good and evil always manifest themselves in equal proportions.
As already mentioned Exú (male) and Pomba Gira (female) are spiritual entities of African cults. It is curious to find out, that despite all attempts to disqualify and silence them, nothing could stop these cults from getting stronger and growing in the suburbs of the most important cities of Argentina and Uruguay. These are spirits related to irony, sex and transgression. Exú is usually identified and represented with keys, dogs and demons. Pomba Gira relates to beauty, sensuality, perfumes and jewels, among others. Exú's cult arrived to America with the African slaves and was transformed in such a way that it generated a parallel cult: the Kimbanda. And where every other religion - except the Jewish and especially the catholic faith - found an image for each saint and god, by a syncretic phenomenon Exú and Pomba Gira assume the place of the devils. African divinities adopted Christian saints as alter-egos and subverted the relation: the African followers of the Umbanda managed to hide their gods under the appearance of Christian saints, like pre-Columbus civilizations did when they were forced to accept the imposition of imagery brought from Europe to the American continent. Pomba Gira and Exú are irreverent spirits; Pomba Gira is the spirit of a prostitute, a woman who knows the world and the power of the night, capable of seducing and dominating men, interested in lust, money and all kinds of pleasure. Exú is a marginal and bandit spirit that could seem trustable but he's tricky and astute as a fox. But they are far from the satanic demons that we were taught in catholic schools, on the contrary, they seek men's fulfillment here and now, in this life.
The main importance of this exhibition at the Blanes Museum, expressed and represented by Uruguayan and Argentine artists, lies in the role played by Exú: a divinity that highlights the pantheon of African-Latin gods, spreading out his many faces and contradictory personality. Simultaneously he is identified as a spirit and also as ‘orixá' or divinity. The subtle purpose would be to express in a clear and conclusive way, the enormous complexity and richness found in arts that derivate from a contemporary theology which gets stronger and even harder to ignore as we speak.
The cult made a long journey and was nurtured along the way by different cultural influences which, once in Uruguay and Argentina, gained a new meaning: from Africa to Cuba, Haiti, Bahia (Brazil) and from there to the rest of America and all over Brazil; finally from Porto Alegre to Buenos Aires and Montevideo. The 20th century is the context where this fantastic cultural and ideological contamination took place, carrying within the African cults an enormous amount of artistic expressions: the rituals embrace dance, music, exotic foods, performances and theatrical customs. These are popular gods, close to the people and accessible. To study these cults brings us closer to what the big masses think: their ideas, necessities, nostalgia's, sufferings and desires.
ART
Juan Batalla, Argentine, visual artist, co-director of the Arte Brujo Editorial, curator of the exhibition and student of the African cults, is in charge of outlining the perspective of the exhibition. The photographs by the Argentine photographer Guillermo Srodek Hart are the witnesses, a window that allows us to participate in the majestic presence of the Kimbanda altars in Montevideo and Buenos Aires. These aren't 35mm or digital photographs; the idea was to use large format cameras which allow penetrating and capturing, in all its magnitude, the installations built by the cult followers. Presented as diptychs and even triptychs, they reconstruct the space where the altars are placed and at the same time disassociate them from their religious environment while becoming new works of art. Other contemporary artists from Uruguay and Argentina committed to this proposal, each one with their own formal and aesthetic point of view. Some of them related to the ritual and religious side and others lived the experience as a cultural event. The Argentine visual artist Dany Barreto, also co-director of the Arte Brujo Editorial, put together an installation of small flags, recreating an Umbanda temple, and centered the attention to a characteristic symbol representative of Exú: a dog. ‘The Murciélaga' (translation would be ‘The bat' but female) - name of the black dog, loyal companion of the artist and protagonist of many of his works - appears as an Exú in one of the multiple roles of this divinity. The paradigmatic Argentine artist Leon Ferrari, nowadays creating, once more, a big debate around his art works which the MOMA of New York recently acquired, showed a controversial piece where Exú's icons were compared to demons, acting as the counterpart of Christian saints. Guillermo Zabaleta, Uruguayan, performed an installation with flags burnt with powder, creating ritual signs all over the room; a video completed his work. Melina Scumburdis, also from Argentina, made also an installation using another symbolic element which represents Exú: keys.
Diverse contemporary artistic visions came together in discovering and showing the richness and beauty of this culture, a beauty - literally - hiding from the public eye. We can no longer ignore the presence of a culture whose kingdom is in the peripheries. As curator Batalla said, "the penetration of the African cults is part of a collective construction; there's no Pope, no authority who determines where things should lead to. Religion fluctuates, moves and recreates permanently through a very rich mythology, mostly unexplored".
I would like to finish my text quoting Pai Milton Acosta - an important priest of the Umbanda cult in the region of the Rio de la Plata - when he had to talk about ‘Owners of the Crossroad'. It's a description I find similar to the assimilation process I had to go through while approaching these themes. After an initial rejection caused by the unknown, I'm glad to discover a strong feeling of desire for knowledge, understanding and assuming ‘the other' and its thoughts as another perspective as valid as any other, has prevailed in me. This means recognizing the diversity and empowering it with the entity it deserves, not only in the field of rituals but also where those expressions combine with art and religion. So, quoting Milton Acosta, "... Exú and Pombo Gira were shown at the Blanes Museum in such a way that suggests that the artists were gifted with a non prejudiced point of view. It resulted in an outrageous work of art, rich and subversive. Perhaps an open bridge for a society that is full of fears when it comes to face the unknown, and doesn't dare to make choices".
Maria Carolina BAULO
is an Argentine art writer and worked as art critic on the exhibition. She has a Master's Degree in History of Art, with studies in Cinematography, Photography and Theatre.
‘Owners of the Crossroad' was shown in the Museo Municipal de Bellas Artes Juan Manuel Blanes - Montevideo - Uruguay, April 28th - June 5th 2009, www.montevideo.gub.uy/museoblanes.
And In the Centro Cultural Ricardo Rojas- Buenos Aires - Argentina, August 6th - 30th, www.rojas.uba.ar. It will be shown again in 2010 in Sao Paolo, Brazil.

The role images played since the beginning of times is related not only to the concept we use to refer to as art, but also to the ritual, the devotional and the religious. In fact, what we call the contemporary art, also questions the parameters which determine what could or couldn’t be included in the category of art. But to question a category, paradigm, concept or validation criteria, first it should be recognized as a cultural structure developed in a certain moment in a certain social group. Of course, usually the criteria and the categories of the dominant groups prevail – not necessarily in a pacific way – over the rest of the sensitive expressions, including the production of images.

The will to express thoughts and feelings is inherent to the essence of men. Images would operate as a wonderful tool to create a solid ideology. In the Middle Ages images were the bible for the illiterate. The educated would take advantage of it to reach the masses and introduce them to the holy church’s doctrine. But any ‘artistic’ expression which dared to question the fundaments of the catholic religion, would be eclipsed by the power of the church. A church that wasn’t just concentrated in legitimizing the Christian message but also to silence, repress, hide and disqualify any alternative to that ‘official’ version of reality. Nevertheless, clandestinity, resistance to subjugation and the imposition of ways of thinking always existed. But the burden of centuries of discredit and the usage of labels such as dark, evil and sinister (just remember the porticos of the Romanic or Gothic churches where all the ‘good’ was at the right of Jesus and the ‘sinister’ was at the left), would make the assimilation of those other narratives difficult. It is then necessary to keep an open mind and be prepared to question how our validation criteria where created and by whom. My personal experience with the Exú and Pomba Gira cults is a perfect example of this internal battle.

From April 28th until June 8th, 2009 the visual arts exhibition ‘Owners of the Crossroad, aesthetics of Exú and Pomba Gira in the Rio de la Plata’ ran at the Blanes Museum in Montevideo, Uruguay showing the aesthetics of these African cults which arrived to America with the African slaves. Juan Batalla is the promoter of the investigation of this phenomenon. He works in an interdisciplinary way as a perfect combination of anthropological, sociological, religious and artistic studies, among others. He is inspired by the Warburg´s Institute method based on the idea of the multidisciplinary as the fundament for the understanding of social groups. Here we find the interaction of literature - ‘Owners of the Crossroad’ was first presented as a book of images and texts by authors from Argentina, Brazil and Uruguay representing diverse disciplines -, and an art exhibition which started in Uruguay, followed by the Rojas Cultural Centre in August in Buenos Aires and finally ending in Sao Paolo, Brazil. The visual arts exhibition is identical to the collection of images showed in the book but with the inclusion of installations and site specific works specially created to be exhibited for the first time.

It isn’t easy to approach these kinds of issues. Imagery of these characteristics is systematically related with the ideas of marginality and the occult. At this point, my personal impression reflected an internal fight when trying to assimilate and recognize in these works an expressive medium as aesthetically valuable and rich as those used by the occidental culture. These are images related to rituality and religion and which assume a pagan perspective. They recover the main things which monotheist religions condemn like polytheism and paganism. They free the faithful of all fears of living in this world, of becoming the protagonists of their lives. Joy and delight are allowed, they encourage men to let the course of life flow without expecting any compensation in another life for the sacrifices made in this one. The faithful doesn’t trade his soul for miracles, instead he should offer a gift showing his respect and gratitude, and there’s not just one omnipresent and all mighty god but several popular divinities, close to the people, which perform actions in specifically well determined areas. This might be one of the reasons to explain why the influence of these cults is expanding so fast. The African cults of Exú and Pomba Gira are liberating cults; nevertheless the followers assume a compromise. They consider each invocation or request to the gods has consequences. The presence of good and evil always manifests in equal proportions.

As already mentioned Exú (male) and Pomba Gira (female) are spiritual entities of African cults. It is curious to find out, that despite all attempts to disqualify and silence them, nothing could stop the cults from getting stronger and growing in the suburbs of the most important cities of Argentina and Uruguay. These are spirits related to irony, sex and transgression. Exú is usually identified and represented with keys, dogs and demons. Pomba Gira relates with beauty, sensuality, perfumes and jewels, among others. Exú´s cult arrived to America with the African slaves and transformed in such a way that it generated a parallel cult: the Kimbanda. And where every other religion - except the Jewish - and especially the catholic faith – found an image for each saint and god, the syncretic phenomenon made Exú and Pomba Gira assume the place of the devils. African divinities adopted Christian saints as alter-egos and subverted the relation: the African followers of the Umbanda managed to hide their gods under the appearance of Christian saints, like pre-Columbus civilizations did when they were forced to accept the imposition of imagery brought from Europe to the American continent. Pomba Gira and Exú are irreverent spirits; Pomba Gira is the spirit of a prostitute, a woman who knows the world and the power of the night, capable of seducing and dominating men, interested in lust, money and all kinds of pleasure. Exú is a marginal and bandit spirit that could seem trustable but he’s tricky and astute as a fox. But they are far from the satanic demons that we were taught in catholic schools, on the contrary, they seek men’s fulfilment here and now, in this life.

The main importance of this exhibition at the Blanes Museum, expressed and represented by Uruguayan and Argentine artists, lies in the role played by Exú: a divinity that highlights the pantheon of African-Latin gods, spreading out his many faces and contradictory personality. Simultaneously he is identified as a spirit and also as ‘orixá’ or divinity. The subtle purpose would be to express in a clear and conclusive way, the enormous complexity and richness found in arts that derivate from a contemporary theology which gets stronger and even harder to ignore as we speak.

The cult made a long journey and was nurtured along the way by different cultural influences which, once in Uruguay and Argentina, gained a new meaning: from Africa to Cuba, Haiti, Bahia (Brazil) and from there to the rest of America and all over Brazil; finally from Porto Alegre to Buenos Aires and Montevideo. The 20th century is the context where this fantastic cultural and ideological contamination took place, carrying within the African cults an enormous amount of artistic expressions: rituals embrace dance, music, exotic foods, performances and theatrical customs. And talking about popular gods, close to the people and accessible, to study these cults bring us closer to what the big masses think: their ideas, necessities, nostalgia's, sufferings and desires. Far form any ethic or moral code imposed by the occidental tradition. These are divinities that appear close to human sensibility because of the personal experiences they had to overcome. They seem to understand the passion of their followers so they become trustable by those who invocate them.

Juan Batalla, Argentine, visual artist, co-director of the Arte Brujo Editorial, curator of the exhibition and student of the African cults, is in charge of outlining the perspective of the exhibition. The photographs by the argentine photographer Guillermo Srodek Hart are the witnesses, a window that allows us to participate in the majestic presence of the Kimbanda altars in Montevideo and Buenos Aires. These aren’t 35mm or digital photographs; the idea was to use large format cameras which allow penetrating and capturing, in all its magnitude, these installations built by the cult followers. Presented as diptychs and even triptychs, they reconstruct the space where the altars are placed and at the same time disassociate them from their religious environment while becoming new works of art. Other contemporary artists from Uruguay and Argentina committed to this proposal, each one with their own formal and aesthetic point of view. Some of them related to the ritual and religious side and others lived the experience as a cultural event. The Argentinean visual artist Dany Barreto also co-director of the Arte Brujo Editorial, put together an installation of small flags, recreating an Umbanda temple, and centred the attention to a characteristic symbol representative of Exú: a dog. ‘The Murciélaga’ (translation would be ‘The bat’ but female) – name of the black dog, loyal companion of the artist and protagonist of many of his works – appears as an Exú in one of the multiple roles of this divinity. The paradigmatic Argentinean artist Leon Ferrari, nowadays creating, once more, a big debate around his art works which the MOMA of New York recently acquired, showed a controversial piece where Exú´s icons were compared to demons, acting as the counterpart of Christian saints. Guillermo Zabaleta, Uruguayan, performed an installation with flags burnt with powder, creating ritual signs all over the room; a video completed his work. Melina Scumburdis, also from Argentina, made also an installation using another symbolic element which represents Exú: keys. Marcelo Bordese, Nora Correas, Ángela López Ruiz, Diego Perrotta, Nico Sara, Gustavo Tabares, Anabel Vanoni y Margaret Whyte, talented and well known artists from these two countries also participated of the exhibition.

Diverse contemporary artistic visions came together in discovering and showing the richness and beauty of this culture, a beauty – literally – hiding from the public eye. We can no longer ignore the presence of a culture whose kingdom is in the peripheries. As curator Batalla said, “the penetration of the African cults is part of a collective construction; there’s no Pope, no authority who determines where things should lead to. Religion fluctuates, moves and recreates permanently through a very rich mythology, mostly unexplored".

I would like to finish my text quoting Pai Milton Acosta - an important priest of the Umbanda cult in the region of the Rio de la Plata - when he had to talk about ‘Owners of the Crossroad’. It’s a description I find similar to the assimilation process I had to go through while approaching these themes. After an initial rejection caused by the unknown, I’m glad to discover a strong feeling of desire for knowledge, understanding and assuming ‘the other’ and its thoughts as another perspective as valid as any other, has prevailed in me. This means recognizing the diversity and empowering it with the entity it deserves, not only in the field of rituality but also where those expressions combine with art and religion. So, quoting Milton Acosta, “… Exú and Pomba Gira were shown at the Blanes Museum in such a way that suggests that the artists were gifted with a non prejudiced point of view. It resulted in an outrageous work of art, rich and subversive. Perhaps an open bridge for a society that is full of fears when it comes to face the unknown, and doesn’t dare to make choices”
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TUESDAY, SEPTEMBER 15, 2009

Dueños de la Encrucijada
Dueños de la Encrucijada, estéticas de Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata
Por María Carolina Baulo
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El rol que han desempeñado las imágenes a lo largo de la historia de la humanidad se relaciona, no solo con concepto de arte que conocemos actualmente, sino con lo ritual, lo devocional, lo religioso. A decir verdad, el arte que damos en llamar contemporáneo, también cuestiona los parámetros que definen aquello que puede o no ser incluido en la categoría artística; pero para cuestionar una categoría, un paradigma, un concepto o un criterio de validación, primero hay que reconocerlo como tal siendo portador de una formación cultural propia de un grupo social en un momento determinado. Y son, invariablemente, los criterios y las categorías de los grupos dominantes los que se imponen - no necesariamente de forma pacífica - sobre el resto de las expresiones sensibles dentro de las cuales se ubica la producción de imaginería. La voluntad de expresar lo que se piensa y se siente es una necesidad que se presenta inherente al hombre; la representación ha servido como vehículo de materialización de miles de puntos de vista culturales claramente distintos, conviviendo en las mismas épocas y dando fe de la existencia de creencias tan antagónicas como complementarias. Si hacemos un corte sincrónico y tomamos, por ejemplo, la hegemonía ejercida sobre la producción de imágenes en la Edad Media, notamos la supremacía de la imaginería religiosa relativa a los relatos bíblicos y los santos evangelios. Aun sin un concepto de artista como se desarrollará a posteriori con el Renacimiento, los poseedores anónimos del techné eran los encargados de traducir en obras, un mensaje cuyo eje se centraba en el discurso letrado de los exegetas de la Biblia. En este contexto, cualquier expresión “artística” que cuestionara los fundamentos de una religión que buscaba afianzar sus raíces en un nuevo mundo que la había visto salir triunfante tras convertir al gran emperador romano Constantino, sería opacada por el poder que empieza a cobrar la iglesia desde entonces. Poder que no solamente se concentro en legitimar ese mensaje cristiano que se suponía vinculado al amor por el prójimo, la compasión, la redención, el perdón, la austeridad sino que utilizó todo medio a su alcance para silenciar, reprimir, ocultar y descalificar toda alternativa a esa lectura “oficial” de la realidad que se buscaba dar. Mensaje que aterrorizó a sus súbditos infundiéndoles culpa, vergüenza y la constante idea del pecado ligado a las pasiones carnales y extensivo al pensamiento sacrílego. La imaginería sería una maravillosa herramienta para construir una ideología sólida; las imágenes serían La Biblia de los iletrados y los letrados aprovecharían al máximo su llegada a las masas para “educarlas” en la doctrina de la santa iglesia. No hace falta aclarar que el mensaje cristiano, en su esencia, se encuentra muy lejos de estos usos y abusos, interpretaciones y sobreinterpretaciones que llevaron a distorsionar un compromiso de ecumenicidad y convertirlo en un campo de lucha tan sangriento, sino más, que la propia arena donde una vez los propios cristianos perecieron. Hubo quienes lucharon por sostener una mirada comprometida, San Francisco sin ir más lejos, pero los resultados dejan a la vista que no fue el camino de las mayorías. Sin embargo, desde la clandestinidad, siempre existió la resistencia al sometimiento y a la imposición de las formas de pensar. Así es como se han logrado conservar y trasmitir otras formas de pensamiento igualmente válidas y legítimas. Sucede que los años pesan y aquello que durante siglos se ha rotulado como oscuro, maligno, siniestro (vasta recordar los portales de las iglesias Románicas o Góticas donde todo lo “bueno” se encuentra a la diestra de Cristo y lo “siniestro” a su izquierda), portador de un relato contestatario, será entonces conflictivamente digerido por la gente, siendo necesaria una mente abierta que se permita cuestionarse cómo nuestros propios criterios de validación y de verdad han sido construidos y por quienes. Mi experiencia personal sería un claro ejemplo de esta batalla interna.
Desde el 28 de abril al 8 de Junio de 2009, en el Museo Blanes de Montevideo, Uruguay se desarrolla “Dueños de la Encrucijada, estéticas de Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata”, una exhibición de artes visuales que nos acerca a las estéticas del culto africanista. Juan Batalla es el promotor de esta investigación del fenómeno, tomando como punto de partida lo interdisciplinario, una perfecta combinación de estudios antropológicos, sociológicos, religiosos y artísticos, entre otros. Tal el modelo de la Escuela de Warburg que planteaba lo multidisciplinario como base para el entendimiento de los fenómenos que suceden y afectan a los grupos sociales, aquí se pone en juego lo literario, siendo plasmado en un libro de imágenes y textos de autores provenientes de distintos campos del saber tanto de Argentina, Brasil como de Uruguay y por otro lado una muestra de arte que se inaugura en el Museo Blanes para luego ser llevada a Buenos Aires al Centro Cultural Rojas y más tarde terminar en San Pablo, Brasil. La exhibición de artes visuales se presenta como una síntesis, un muestrario de aquellas imágenes que aparecen reproducidas en el libro, a las cuales se les suman instalaciones y recreaciones que encuentran en esta ocasión su primera oportunidad de lucirse.
Estructurar un acercamiento a estos temas no resulta sencillo. Estamos frente a un tipo de imaginería que, sistemáticamente, ha sido relegada al campo de lo oculto, lo oscuro y lo marginal. Es entonces cuando mi experiencia personal se muestra como evidencia de una operación de lucha interna por incorporar y reconocer en este tipo de trabajos una vía expresiva tan rica y estéticamente valiosa como aquellas que la cultura occidental ha posicionado triunfantes. Imágenes que remiten al rito y la religión, tal como las cristianas, pero desde una perspectiva pagana. Recuperan aquello primordial que las religiones monoteístas han condenado tanto como lo hicieran con el politeísmo o el paganismo: liberan al fiel del terror a vivir en el aquí y ahora, de ser protagonistas de su historia, de gozar y dejar fluir sin esperar una premiación en otra vida por sus privaciones en esta. Tampoco se le pide al fiel su alma a cambio de milagros sino una simple ofrenda que demuestre su respeto y agradecimiento y no se lo mide con un dios omnipresente y todopoderoso sino con divinidades populares, cercanas, cuyo campo de acción estaría claramente determinado. Y quizás estas serían algunas de las cualidades que explican su creciente influencia. El culto africanista de Exú y Pomba Gira es un culto liberador, sin embargo el fiel asume un compromiso y según los devotos, cada pedido e invocación que se hace a las divinidades, tiene sus consecuencias; el bien y el mal están siempre presentes en partes iguales.
Ya se adelantó que Exú (macho) y Pomba Gira (hembra) son entidades espirituales celebradas en los cultos africanos. Curiosamente, a pesar del incansable operativo que buscó y busca descalificarlo y silenciarlo, el culto sigue creciendo en los suburbios de las ciudades más importantes de Argentina y Uruguay. Espíritus vinculados a lo irónico, el sexo, lo trasgresor; a Exú se lo puede ver representado e identificado con llaves, el perro, los demonios, y Pomba Gira está vinculada con la belleza, la sensualidad, las telas sedosas, los perfumes, las joyas, entre otros. El culto a Exú llega a América con los esclavos africanos y sufre tal alteración en su personificación, que logra generar un culto paralelo: la kimbanda. Y si en cada religión, exceptuando la judía pero especialmente en la católica, cada santo y cada dios ha encontrado una imagen representativa de su figura, el fenómeno del sincretismo hizo que Exú y Pomba Gira tomaran el lugar de los diablos; las entidades africanas adoptaron santos cristiano como alter-egos e invirtieron la relación establecida en el gusto católico por las imágenes: los africanistas ocultaron sus deidades bajo la apariencia de deidades cristianas, tal como lo hicieran las civilizaciones precolombinas ante la imposición de las imágenes de culto traídas de Europa al continente Americano. Es cierto que las Pomba Giras y los Exús, son espíritus irreverentes; Pomba Gira es el espíritu de una prostituta, una mujer de mundo y de la noche, capaz de seducir y dominar a los hombres, amante del lujo, del dinero y de toda suerte de placeres. A su vez, los Exús son espíritus de bandidos y marginales que pueden mostrarse confiables pero siempre guardan una cuota de picardía y la astucia propia del zorro. Pero lejos estamos de los demonios satánicos que nos enseñaron son los destructores del hombre, sino todo lo contrario: el énfasis se pone en la realización del hombre pero en esta vida. La clave de esta exhibición en el Museo Blanes, donde lo que se presenta fundamentalmente es el arte de uruguayos y argentinos, yace en el papel que desempeña Exú, destacado dentro del panteón de deidades afro latinas, desplegando su núcleo multifacético y contradictorio, en su identificación como espíritu pero también como orixá o deidad. La idea central que subyace sería exponer de forma clara y contundente, la enorme complejidad y la riqueza que comprometen las artes derivadas de una teología contemporánea que cada vez cuesta más ignorar
El camino que ha recorrido el culto es extenso y en su viaje fue nutriéndose de distintas influencias culturales que lograron resignificarse en Uruguay y Argentina: partiendo de África hacia Cuba, Haití, Bahía (Brasil) y desde allí al resto de América y posterior expansión por el Brasil; finalmente desde Porto Alegre hacia Buenos Aires y Montevideo. El siglo XX es el marco donde se desarrolla este fantástico movimiento y contaminación cultural que encierra, dentro del culto africanista, una enorme cantidad de vías expresivas de lo artístico: los rituales se componen de danzas, música, comidas exóticas y vestimentas histriónicas. Y si hablamos de dioses populares, cercanos a la gente, accesibles, el estudio de sus cultos nos acerca a los pensamientos, ideas, necesidades, nostalgias, sufrimientos y deseos de grandes grupos de la población, muy alejadas de los códigos ético morales impuestos por la tradición cristiana occidental. Son entidades que se suelen reconocer parecidas a los seres humanos, los avatares de sus vidas los hace conocedores de las relaciones y pasiones de sus devotos y eso los acredita con el poder para acudir en ayuda de quienes depositan en ellos su confianza para aplacar sus angustias.
Juan Batalla, argentino, artista visual, co-director de la Editorial Arte Brujo y curador de la muestra y estudioso de los cultos africanistas, es el encargado de plantear la perspectiva que se elige tomar para armar el relato: las fotografías de altares del fotógrafo argentino Guillermo Srodek Hart se convierten en los ojos testigos, una ventana que nos hace presenciar, en toda su plenitud, la imponencia de los altares de kimbanda en Montevideo y Buenos Aires. No son fotografías 35mm ni de cámaras digitales sino que se busca sacar el máximo provecho que brinda el uso de la cámara formato grande, permitiendo penetrar en las instalaciones construidas por los religiosos y presentar las imágenes en forma de dípticos y hasta trípticos que reconstruyen un espacio en tamaño casi real al tiempo que lo sustraen de su ámbito madre, el religioso, para presentarlo como una obra de arte. También otros artistas contemporáneos, tanto del Uruguay como de Argentina, se comprometen con el abordaje de estos temas desde sus distintos puntos de vista, elecciones estéticas y formales; están aquellos que se vinculan con el aspecto ritual y religioso y quienes lo viven y trasmiten como evidencia de un hecho cultural. El artista visual Dany Barreto, argentino, co-director de la Editorial Arte Brujo, presenta una instalación de banderines recreando un templo umbanda y centra la atención en un símbolo característico de Exú: el perro. Pero lo curioso en este caso, es que “La Murciélaga” – nombre de la perra negra, fiel compañera del artista y protagonista de muchas de sus obras – se presenta como un Exú, desplegando así una de las tantas caras que puede asumir el dios. La obra del paradigmático artista argentino León Ferrari, hoy día causando una vez más, grandes debates alrededor de sus obras recientemente adquiridas por el MOMA de New York, presenta un polémico trabajo donde utiliza los íconos de Exús como demonios, para confrontarlos con los santos cristianos. Guillermo Zabaleta, uruguayo, realiza una instalación de banderas quemadas con pólvora para formar signos rituales y la acompaña con un video. Melina Scumburdis, también argentina, presenta una instalación de llaves refiriendo así a otro de los característicos símbolos de Exú. También participan artistas como Marcelo Bordese, Nora Correas, Ángela López Ruiz, Diego Perrotta, Nico Sara, Gustavo Tabares, Anabel Vanoni y Margaret Whyte. Artistas contemporáneos, comprometidos con la idea de descubrir y mostrar la riqueza y la belleza, ciertamente diferente pero belleza al fin, que se esconde – literalmente – a la vista del público alejado del arte ritual. Y como ya se ha dejado inferir anteriormente, esconder no es destruir y muy a pesar del poder de la ignorancia y el desconocimiento, estamos en presencia de una cultura que se retroalimenta y crece a cada momento desde las periferias. Para Batalla, “la penetración del culto africanista tiene que ver con una construcción colectiva, no hay un Papa, ninguna autoridad que dictamine hacia donde siguen las cosas. La religión va fluctuando, se va moviendo y creando de manera permanente, a través de una mitología poco recorrida y muy rica".
Quisiera cerrar mi texto citando la acertadísima frase del Pai Milton Acosta, cuando le tocó referirse a “Dueños de la Encrucijada”, la cual encuentro afín al trabajo que personalmente tuve que hacer para acercarme al abordaje de este texto. Habiendo partido del rechazo inicial que me provocara lo desconocido, me gratifica descubrir que tras haber pasado por distintas etapas he llegado a la instancia donde el deseo por conocer, comprender y asumir al otro y sus pensamientos como una posibilidad tan válida como cualquier otro discurso, ha prevalecido. Ello implica nada más ni nada menos que reconocer las diferencias y darles la entidad que les pertenecen y que supieron ganarse tanto dentro del plano ritual como en el campo de las expresiones que combinan lo artístico con lo religioso. Citando entonces a Milton Acosta, “… Eshu y Pombo Gira se han instalado en el Museo Blanes por medio de aquello que sugieren a aquellos artistas que dotados de visión desprejuiciada, han podido encontrarles en una obra desenfadada, riquísima y subversiva. Tal vez, un puente abierto para una sociedad plagada de temores ante lo desconocido y que no osa hacer sus elecciones”.

La Prensa, Dueños de la encrucijada CCRojas

2009-08-30T16:25:00.000-07:00

Cultura
YENTE Y LIDY PRATI EN EL MALBA. PRESENCIA DE AFRICA EN EL CENTRO CULTURAL ROJAS
Raíces pioneras, rastros arcaicos
Por Albino Dieguez Videla
30.08.2009 |

 Una exposición que pone en valor la producción de dos pioneras de la abstracción en la Argentina: Yente y Lidy Prati, artistas singulares que introdujeron variantes personales al debate sobre la no figuración en nuestro país, abrió sus puertas en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba)
La muestra presenta una selección de más de 170 obras pertenecientes a colecciones públicas y privadas, y plantea los inicios de la abstracción en la Argentina, con piezas de Emilio Pettoruti, Xul Solar y Juan Del Prete.  Además, dedica dos grandes núcleos a la producción abstracta de Yente (Eugenia Crenovich, 1905-1990) y Prati (Lidia Elena Prati, 1921-2008), con un conjunto de pinturas y obras sobre papel realizadas entre fines de los años 30 y los años 60.
Los trabajos abstractos más antiguos de Yente datan de 1937 y por lo tanto es la primera artista mujer que desarrolló esta tendencia en la Argentina.
Esta muestra -hasta el 5 de octubre en Figueroa Alcorta 3415- presenta unas 70 piezas de la producción abstracta geométrica y libre de Yente (compañera de vida y de lucha artística de Juan Del Prete), entre pinturas, objetos, relieves, obras sobre papel y tapices, producidos entre 1937 y 1960.  En Figueroa Alcorta 3415.
ESTETICAS DE EXU
Instalaciones, videos, pinturas, fotografías, esculturas, objetos rituales y de diseño dan forma "Dueños de la encrucijada", la muestra que desarrolla las estéticas de las divinidades Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata y que hasta fines de agosto puede verse en el porteño centro cultural Rojas.
Focalizada en el culto a Exú y Pomba Gira -espíritus masculino y femenino de los cultos africanistas del sur de Brasil, Argentina y Uruguay donde hay una marcada identidad común- esta exhibición pone de relieve las particularidades compartidas por Montevideo y Buenos Aires.
La exposición -montada en el Espacio de Artes Visuales del Rojas- se encuentra en el límite entre el arte y la antropología, acentuado inteligentemente por el curador Juan Batalla.
Hay algo más: esto tiene su correlato en la realidad material o geográfica. Muchas veces se invoca u ofrenda a Exú en el cruce de dos calles, "la encrucijada", resume este estudioso del arte africano y afro-latinoamericano.  Centralizar la atención en estas dos divinidades "es como si hiciéramos un arbitrario recorte del panteón de dioses griegos y nos acotásemos a observar el culto a Dionisio, independizado del resto de los dioses", asegura el curador.
Estos artistas que se presentan aquí son de origen ecléctico: algunos son practicantes de estos cultos y realizan obras como correlato de su vida religiosa, y otros fueron influenciados por estéticas umbandistas.  Están los que sin proponérselo manifiestan en su obra ideas o símbolos que sirven a la lectura ritual o antropológica y también los religiosos que se dedican a una carrera artística y hacen arte ritual.
Dany Barreto, Marcelo Bordese, Nora Correas, Angela López Ruiz, Diego Perrotta, Nico Sara, Guillermo Srodek Hart, Melina Scumburdis, Gustavo Tabares, Anabel Vanoni, Margaret Whyte y Guillermo Zabaleta son los expositores de esta muestra.
Es en esta diversidad que Batalla proyecta una idea de mezcla, variación y creatividad implícitas en las estéticas de Exú y Pomba Gira.
El curador incluyó en esta muestra una obra de León Ferrari, parte de una serie de explícita crítica al cristianismo que provocó gran polémica hace unos años cuando se exhibió en el centro cultural Recoleta.
Para esto Ferrari usó estatuas de Exú compradas en santerías a modo de representaciones del diablo y evidenció así el fenómeno del sincretismo, en este caso: muchas de las entidades a las que se rinde culto en el africanismo tienen un correlato en el panteón cristiano.
¿Cuál es el de Exú? El demonio: sus estatuas tienen forma de demonios y por eso cuando quise antologizar a quiénes trataron la iconografía de Exú en el Río de la Plata, Ferrari resultó ineludible a partir de la presentación que años atrás hizo en el centro cultural de España.
El afroumbandismo ya no refiere a lo afro en un sentido racial o genético sino que señala la pregnancia de una cultura incorporada al tronco de la cultura rioplatense que prodiga generosos frutos.  En el centro cultural Rojas, Corrientes 2038.

The Argentimes - Dueños de la encrucijada

2009-08-22T10:39:00.000-07:00

THE ARGENTIMES

The African Gods of the Río de la Plata

by: Kate Stanworth | 10 August 2009
printed in: Edition 56 | section: Art
Pomba Gira da Praia -Photo courtesy Arte Brujo

The melancholic tango melodies and pounding candombe rhythms heard along the Río de la Plata emerged from an historical encounter of cultures: of European immigrants and African slaves. But while many would see the African influence in the region as something from the past, an exhibition at Centro Cultural Ricardo Rojas reveals that a new voodoo-like religion is freshly adapting its Afro derived mythology to the European-style cities of Buenos Aires and Montevideo.

With its mysterious, often sexualised imagery and animated ceremonies, the Umbanda religion arrived in cellars and homes of poorer barrios in the region from Brazil in the 1960s. An offshoot of Brazilian Candomblé, it also shares roots with Voodoo in Haiti and Santaría in Cuba, religions created by African slaves who synthesised different forms of worship from their homelands on arriving in the Americas.

“Umbanda is a religion that is very much in movement,” says show curator Juan Batalla. “It’s still growing and there is a lot of creativity.” Along with fellow artist Dany Barreto, he brought together this exhibition of deities, religious inspired installation art and compelling photos of shrines, called ‘Dueños de la Encrucijada’ (‘Owners of the Crossroads’), which they also made into a book.

Exú and Pomba Gira

The project focuses on the imagery of Kimbanda, the specific type of Umbanda practised here in the Río de la Plata region that revolves around two gods, male ‘Exús’ and female ‘Pomba Giras’. These have many forms, appearing in the exhibition as caped figures that look like Mexican wrestlers, gipsy women, a red snake-headed man and a goddess based on Botticelli’s Venus. They are commonly said to be spirits of people who have had very colourful lives, tells Batalla. “Exús are often thieves, and the Pomba Giras are usually courtesans or prostitutes.”

These spirits are invoked in rituals by initiated followers, who offer them gifts of perfume, alcohol and cigars. “The ceremonies appeal to the senses,” describes Batalla. “There is drumming and singing throughout. People dance and those that are initiated fall into a trance. When the spirits are received by mediums they usually tell something of their story.”

Angela Lopez Ruiz’s video installation shows her partner receiving the spirit of an Exú, with his face contorted and hands making strange grasping gestures, while photos by Guillermo Srodek-Hart capture women in trances spinning in a whirl of opulent red skirts and scarves. Testimonies in the book give an insight into the powerful first experience of receiving a spirit, explaining how the presences are later invited to be compadres or friends, who they consult regarding problems.
Photo by Guillermo Srodek-Hart
Shrine of Pomba Gira

The devil?

Umbanda’s embrace of physical pleasure, including plentiful consumption of alcohol and cigarettes during ceremonies, and sexualised imagery like naked Pomba Giras and Exús with large phalluses, appears to clash with Catholic sensibilities. However there is something more obviously startling to the imagination of the region’s dominant faith: the appearance of many Exú figures as red bearded creatures with tails, hooves and tridents, identical to their devil.

Batalla explains that, rather than pointing to devil worship, the imagery comes as a result of the incorporation of Catholic imagery into the mythology, a process known as syncretism. “The gods of Africa took the shells of Christian saints. Some correspond with the Virgin Mary, and Exú corresponded with the devil,” he continues. “In Africa the figure of Exú was originally a phallic symbol with horns. When the Christian missionaries found this they identified it as the devil.”

In the book, anthropologist Alejandro Frigerio explains that the spirits’ association to the Catholic devil also has much to do with their corporality, sensuousness and closeness to the material world. He tells how the Kimbanda followers are divided among those who accept these identifications at face value and the majority who reject them or think of them as purely an ‘inherited folkloric reality’.

Some Afro-Brazilian cults are carrying out a process of ‘re-africanisation’, returning to the original imagery and leaving behind the figures that are currently used for the spirits of Kimbanda. “A decisive argument behind this motion is the necessity to separate from the devilish imagery derived from the syncretism with the Catholic faith,” says Batalla.

Visual Offerings

Ironwork for Exú - Photo courtesy Arte Brujo

Photos in the book cover the wide range of interpretations, from the Africanist shrines, with simplified, abstract objects decorated with cowrie shells, to the distinctly Argentine and Uruguayan ones in Srodek-Hart’s extensive series, which even include folklore figures of the region such as Gauchito Gil and San la Muerte.

Common to all the shrines is a meticulous attention to detail. “They must be carefully arranged to the extent that the very success of the whole affair may depend on both the intention and the visual production,” says Batalla. But in each temple, people are guided by what they feel more than a set of hard and fast rules. “There is no body of diffusion saying what is correct or incorrect in their religious vision,” he says. “The religion is not vertical. There is no leader. There are just initiated people that initiate others.”

While the unregulated, creative element of the religion inspired Batalla to study the subject, he also considers that it has attracted criticism. “If I want to start my own space and convince people that I’m going to initiate them, no one’s going to stop me,” he says. “There are those that are not so serious. But on the other hand there are many that practice with much care for those that follow them.” Indeed, despite the controversy, there are more temples all the time in the region, and they are working in a way that is increasingly visible and accepted.

The exhibition brings to the art gallery an intriguing glimpse into a coded world. “The idea of the show is that round the corner from your house there might be something like this that you don’t know about, and perhaps you are badly informed,” considers Batalla. To him, the religion’s unique imagery provides an entry point through which someone who has never experienced Umbanda might begin to relate to it: “More than anything I want to show the beauty,” he says. “There are lots of these altars that are very beautiful, and they have a force.”

The ‘Dueños de la Encrucijada’ exhibition runs from 6th to 30th August, Monday to Saturday from 10am to 8pm, and Sundays from 4pm to 8pm at Centro Cultural Ricardo Rojas, Corrientes 2038, 4954 5521/4954 5523, www.rojas.uba.ar. Free entry. For more information about the book of the same name, look at coleccionartebrujo.blogspot.com

2009-08-22T08:29:00.000-07:00

PÁGINA 12 - Lunes 17 de agosto de 2009

LA ARTESANIA COMO EJEMPLO DE CULTURA
La artesanía como ejemplo de cultura
Interesado en la ritualidad del culto africanista de la kimbanda, Juan Batalla juntó obras de varios artistas argentinos y uruguayos en una exhibición que mira más allá de los cánones habituales del arte y que complementa un libro de Arte Brujo.

Hablar de lo instituido no es referirse necesariamente a las instituciones que muchos discursos implícitamente señalan como únicas, las tradicionales, que son entre las que se tejen las relaciones de poder, mas tampoco a las secundadas por la Modernidad. Lo latente es, en realidad, el reconocimiento de los individuos sobre un conjunto de prácticas que tiene más o menos ciertas características propias. En una galería de arte, por ejemplo, se esperan hallar obras de arte, sean pinturas, esculturas, fotografías o –desde Marcel Duchamp– mingitorios. Pero nadie se pondría a contemplar con verdadero ojo crítico un Gauchito Gil en una santería de San Telmo. Entra aquí la irresuelta discusión del tope que tienen las llamadas artesanías: una estatuilla, rodeada de tantas otras, si no iguales, parecidas, no es considerada una producción artística ad hoc. ¿Pero qué sucedería si a alguien se le ocurriese hacer una exposición en la que ese Gauchito estuviera a la par de una escultura? Combinando esa inquietud y su interés por la ritualidad del culto africanista de la kimbanda, Juan Batalla juntó obras de varios artistas argentinos y uruguayos en Dueños de la encrucijada, estéticas de Exú y Pompa Gira en el Río de la Plata, que se exhibirá hasta el 30 de agosto en el Centro Cultural Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038) de lunes a sábados de 8 a 20, con entrada libre y gratuita.

En rigor, la muestra es el corolario del libro epónimo publicado el año pasado por la editorial Arte Brujo, que Batalla y el artista plástico Dany Barreto dirigen hace seis. “La intención no es ironizar sobre los cultos africanistas ni ninguna religión popular. La idea es mostrar arte donde otros no la ven. Muchos de los mismos religiosos que fabrican los objetos que están en la muestra no ven el arte que producen sino que lo viven como ritualidad. Entonces, Dueños de la encrucijada pone a esos objetos en situación de arte, en un libro y en la muestra”, explica el curador durante la charla con Página/12, acompañado por Barreto y el fotógrafo Guillermo Srodek Hart, que en la muestra participa con instantáneas de algunos altares de templos kimbanda de Villa Devoto, San Martín y Montevideo. El resto de los artistas que prestaron sus obras a la causa son Marcelo Bordese, Nora Correas, León Ferrari, Angela López Ruiz, Diego Perrotta (cuya muestra personal se exhibe en el Centro Cultural Recoleta), Nico Sara, Melina Scumburdis, Gustavo Tabares, Anabel Vanoni, Margaret Whyte y Guillermo Zabaleta, cada cual bajo la impronta de su estilo, escuela y cercanía a la temática: puestas sus producciones a dialogar, les dan a los pasillos del Rojas un halo entre barroco y kitsch. “Por un lado existen artistas contemporáneos de la Argentina y Uruguay que están dentro de los cultos. Por el otro hay personas que, por algún motivo, se contagiaron de la iconografía y la incorporaron a su trabajo. Y hay unos terceros, que son los que, sin buscarlo específicamente, utilizan la simbología”, puntualiza Batalla, no sin contemplar, claro, las obras de los sacerdotes de algunos de los edificios sagrados que visitaron para escribir el libro: los “fierros”, que un vistazo fugaz confunde con candelabros pero son, en realidad, figuras representativas de los espíritus, y las estatuillas de yeso regulares.

–¿Cómo idearon el paquete literario-plástico que devino en Dueños de la encrucijada?

Juan Batalla: –Tiene que ver con mis intereses personales. Siempre estuve ligado al cruce del arte y la ritualidad, es mi terreno específico. Y en cuanto a la kimbanda y al culto de Exú, es un campo de estudio al que le dediqué años. Cuando observé que había un aspecto de la religiosidad afro que en Uruguay y la Argentina se daba con ciertas características locales, compartidas también con el sur de Brasil, me gustó destacarlo. Queríamos mostrar a los religiosos como artistas que hacen instalaciones, de algún modo.

–¿Qué son Exú y Pompa Gira en el culto de la kimbanda?

Dany Barreto: –Exú y Pompa Gira son dos espíritus de la kimbanda, que proviene del culto africano de la umbanda, pero es más bien una creación del sur de América. Aquí tiene una estética muy particular: los que asisten a los templos se visten de gitanos, cantan en portuñol y con tambores canciones africanas, y entran en trance con Exú y Pompa Gira, que intermedian entre los dioses y los humanos. Por eso se les hacen ceremonias, pedidos y ofrendas.

J. B.: –Se les rinde culto. Están ligados a la transgresión y habitan en los cruces de caminos, en los lugares de conflicto, en los momentos de quiebre. Como son espíritus de personas que vivieron en otros tiempos, se los representa como prostitutas o cafishios, personajes “malos” dentro de una picaresca local.

–Uno de los estigmas que ronda a este culto es la clausura. ¿Cómo se vincularon con los templos y lograron la confianza para observar los rituales y participar de ellos sin restricciones?

D. B.: –Trabajamos siempre en temas vinculados con lo religioso, aparte de hacer otras cosas. Y, por suerte, tenemos muchos amigos antropólogos que nos recomendaron y nos abrieron las puertas de los templos. Ibamos y decíamos: “Venimos de parte de...”, y ya era totalmente distinto. Nos permitieron sacar fotos y nos mostraron mucho más de lo que hubiéramos logrado yendo solos. Claro que si no te conocen se hace muy difícil.

J. B.: –Además les dimos nuestra palabra de que la intención no era ironizar sobre los cultos africanistas, ni sobre ninguna religión popular. La idea es mostrar arte donde otros no la ven.

D. B.: –Hay varios pai (sacerdotes) que sí se dan cuenta de que la ceremonia es totalmente artística, pero hay otros que no la conciben de esa forma. Nosotros lo rescatamos como arte.

Y aquí “rescatar” no es en tanto “robar” ni “pedir prestado”. En su mayoría son obras que remiten a la simbología kimbanda, pero que fueron realizadas por artistas plásticos antes de que el proyecto existiese. Además de las fotos de los altares, algunas de las piezas que componen la muestra son S/T, acrílico sobre tela realizado por Nico Sara, que muestra una mano haciendo cuernitos con los dedos índice y meñique, como hacen los religiosos de la kimbanda durante el trance de los bailes; Quién la tiene más larga, un enorme y llamativo monumento fálico de cera y acero inoxidable realizado por Nora Correas y que es “el eje de la exposición”, cuenta Batalla; una Pompa Gira de yeso policromado, de las que se pueden encontrar en las santerías, que es curiosamente una réplica de la Venus, de Sandro Botticelli, salvo que pintada de rojo, pues “encontraron reflejadas en esa pintura todas las cualidades de la diosa. Es algo así como un ‘sincretismo pop’”, reflexiona Srodek Hart. Infierno es una jaula con santos y diablos realizada por León Ferrari para su serie Ideas para infiernos; y una escultura creada por Dany Barreto, que tomó como modelo a su mascota: “La perra aparece como sagrada, primero porque es La Murciélaga, mi perra (risas)... En realidad, porque siempre me llamó la atención que en culturas antiguas, como la egipcia o la china, adoraran a los animales”.

–¿Cómo son los rituales de los kimbanda? ¿En qué se nota que se trata de un culto que proviene de Africa?

D. B.: –Se nota más en Uruguay, donde hay más negros. Acá no lo veo como algo africano. Es gente de barrio la que participa y no te das cuenta de que es un rito africano. Es como si fueras a la iglesia católica, salvo que con una estética distinta. Yo estudiaba teatro y empecé a ver las ceremonias como obras, porque tienen música, escenografía, vestuario y es un ritual perfecto. Después me enganché un poco más y empecé a hacer consultas: si de repente tenía un problema, hablaba con el pai que quisiera, con naturalidad y respeto. Hay mucha gente que es de otra religión, pero la compatibiliza con ésta.

J. B.: –Existe la magia y eso es una diferencia con otras religiones. Para los kimbanda, el deseo está bien visto, está expresando algo de tu interior y está bien que se manifieste. Y recurren a la magia para que ese deseo suceda en la Tierra.

–Ellos lo llamarán magia, pero desde otros sectores insisten en que es brujería...

J. B.: –Eso le da un halo de oscuridad. También persiste el prejuicio cultural y racial con respecto a la negritud y los estereotipos de inferioridad.

D. B.: –Usan muchas ofrendas de comida, ropa y velas, que nosotros vemos súper artísticas: son como instalaciones en la esquina. Lo que pasa es que la gente se cruza con un plato con pochoclos y una vela roja y ya piensa que es magia negra, aunque en realidad no sea más que una ofrenda por un pedido de trabajo o salud. Lo que sucede es que no están acostumbrados a verlo dentro de esos márgenes.

Informe: Facundo Gari.

Telam - Dueños de la encrucijada C.C.Rojas

2009-08-22T07:20:00.000-07:00

2009-08-14 00:00:00
Nota correspondiente a la publicación del día Viernes de 14 de Agosto de 2009

CULTURA

Una muestra sobre Exú y la Pomba Gira en el Río de la Plata

Se trata de "Dueños de la encrucijada", que reúne instalaciones, videos, pinturas, fotografías, esculturas y objetos rituales, entre otros. Se podrá visitar hasta fines de agosto en el porteño Centro Cultural Ricardo Rojas.

Dolores Pruneda Paz

Instalaciones, videos, pinturas, fotografías, esculturas, objetos rituales y de diseño dan forma "Dueños de la encrucijada", la muestra que desarrolla las estéticas de las divinidades Exú y Pomba Gira en el río de La Plata y que hasta fines de agosto puede verse en el porteño Centro Cultural Ricardo Rojas.

"Dueños de la encrucijada" exhibe el arte propio de la ritualidad que generalmente suele estar por fuera de los espacios de arte o, dicho de otra manera, el contexto ritual y filosófico que subyace detrás de las formas artísticas.

Focalizada en el culto a Exú y Pomba Gira -espíritus masculino y femenino de los cultos africanistas del sur de Brasil, Argentina y Uruguay donde hay una marcada identidad común- esta exhibición pone de relieve las particularidades compartidas por Montevideo y Buenos Aires.

La exposición -montada en el Espacio de Artes Visuales del edificio de Corrintes 2038- se encuentra en el límite entre el arte y la antropología, donde el curador Juan Batalla ubica "la veta que permite generar una nueva mirada sobre la ritualidad y lo artístico".

"Exú y Pomba Gira son los dioses que gobiernan los cruces de fuerzas, situaciones y conflictos, y es a ellos a quienes recurren los seguidores de esos cultos africanistas en las encrucijadas de la vida", explica a Télam Batalla.

Hay algo más: esto tiene su correlato en la realidad material o geográfica. Muchas veces se invoca u ofrenda a Exú en el cruce de dos calles, "la encrucijada", resume este estudioso del arte africano y afro-latinoamericano.

Centralizar la atención en estas dos divinidades "es como si hiciéramos un arbitrario recorte del panteón de dioses griegos y nos acotásemos a observar el culto a Dionisio, independizado del resto de los dioses", asegura el curador.

Los artistas que se presentan aquí son de origen ecléctico: algunos son practicantes de estos cultos y realizan obra como correlato de sus vida religiosa; y otros fueron influenciados por estéticas umbandistas.

Están los que sin proponérselo manifiestan en su obra ideas o símbolos que sirven a la lectura ritual o antropológica y también los religiosos que se dedican a una carrera artística y hacen arte ritual. Dany Barreto, Marcelo Bordese, Nora Correas, Angela López Ruiz, Diego Perrotta, Nico Sara, Guillermo Srodek Hart, Melina Scumburdis, Gustavo Tabares, Anabel Vanoni, Margaret Whyte y Guillermo Zabaleta son los expositores de esta muestra.

Es en esta diversidad que Batalla proyecta una idea de mezcla, variación y creatividad implícitas en las estéticas de Exú y Pomba Gira.

El curador incluyó en esta muestra una obra de León Ferrari, parte de una serie de explícita crítica al cristianismo que provocó gran polémica hace unos años cuando se exhibió en el porteño Centro Cultural Recoleta. "En varias de estas obras León enfrenta a los personajes del imaginario cristiano -la Virgen, Jesús y los santos- a demonios que los sojuzgan e invierten la condena al infierno que pesaría sobre los pecadores: ahí los condenados son los santos", reseña Batalla.

Para esto Ferrari usó estatuas de Exú compradas en santerías a modo de representaciones del diablo y evidenció así el fenómeno del sincretismo, en este caso: muchas de las entidades a las que se rinde culto en el africanismo tienen un correlato en el panteón cristiano.

¿Cuál es el de Exú? El demonio: "he ahí que sus estatuas tengan forma de demonios y por eso cuando quise antologizar a quiénes trataron la iconografía de Exú en el Río de la Plata, Ferrari resultó ineludible", señala Batalla.

El afroumbandismo ya no refiere a lo afro en un sentido racial o genético -indica el curador- "sino que muestra la pregnancia de una cultura incorporada al tronco de la cultura rioplatense que prodiga generosos frutos".

"Africa puede estar en cualquier barrio marginal, y no me refiero al uso peyorativo que le pueden dar a esta idea en el sentido de la pobreza, hablo de los aspectos enriquecedores que esta cultura tiene para aportar a la sociedad rioplatense contemporánea", concluye.

Ramona - Dueños de la encrucijada

2009-08-22T07:00:00.000-07:00

RAMONAWEB
¡Cosa `e Mandinga!

Autor de la reseña Mercedes Janon

Dueños de la encrucijada
CC Rojas
Artista(s) León Ferrari | Daniel Barreto | Nico Sara | Nora Correas | Melina Scumburdis | Diego Perrotta | Anabel Vanoni | Marcelo Bordese | Gustavo Tabares | Angela López Ruíz | Srodek Hart | Margaret Whyte | Guillermo Zabaleta

Inauguración 06-08-2009 19:00
Cierre 30-08-2009 19:00
El Rojas está más rojo que nunca. Los dueños de la encrucijada. Estéticas de Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata, curada por Juan Batalla, estará hasta el 31 en el C. C. R. R. Rojas.
En una muestra inquietante, el arte rastrea su remoto origen, su raíz mágica, cuando era pura evocación.
Desde el rito plasmado en videoarte o el registro de una performance (López Ruiz, Vanoni y Zabaleta), pasando por lo totémico en Quién la tiene más larga de Correas, hasta la idolatría en Exú la murciélaga de Barreto o el fetichismo en Llaves de Scumburdis, los ancestrales mecanismos se actualizan en las prácticas del arte contemporáneo.
Rodeado por tantos blasfemos que excomulgar, las asociaciones cristianas van a dejar tranquilo a León Ferrari, presente con un modesto Infierno plagado de santos.
Dicen que el verdadero poder del mal radica en que nos olvidemos de que existe. Por suerte, en los días que corren, está el arte para echar un poco de luz sobre el lado oscuro de la humanidad.
Recomendación: portar amuleto protector. Una foto de Pugliese basta.
Por las dudas, ir murmurando entre dientes vade retro.

Diario Crítica - Dueños de la encrucijada C.C. Rojas

2009-08-22T06:00:00.000-07:00

CRÍTICA de la argentina

Culturas / Edición Impresa
MUESTRA DUEÑOS DE LA ENCRUCIJADA
Las artes del culto africanista
12.08.2009

Artistas argentinos y uruguayos exhiben en el Centro Cultural Rojas una muestra dedicada al culto africanista Exú y Pomba Gira, que “en medio del desconocimiento, florece a la vuelta de la casa de cada uno”. Lo dice la invitación a Dueños de la encrucijada, que incluye fotografías, pinturas, objetos, videos y performances de Dany Barreto, Marcelo Bordese, Nora Correas, León Ferrari, Ángela López Ruiz, Diego Perrotta, Nico Sara, Melina Scumburdis, Gustavo Tabares, Anabel Vanoni, Margaret Whyte y Guillermo Zabaleta.

“Exú y Pomba Gira –escribió Juan Batalla, el curador– son entidades espirituales celebradas en cultos de raíz africana, un aspecto de la cultura regional largamente invisibilizado que entre la incomprensión y el descrédito sigue creciendo a espaldas de todos”.

Para Batalla, “existe en este punto una identidad en común muy marcada entre Buenos Aires y Montevideo, abonada por constantes intercambios, viajes e influencias entre sí de religiosos, que mayormente reconocen como fuente histórica a Porto Alegre y otras ciudades de Brasil”.

La muestra también se propone resaltar “el papel de algunos religiosos africanistas como performers”. En Corrientes 2038, de lunes a viernes, de 8 a 20, hasta el 30 de este mes, gratis.

El Replicante - artículo publicado en revista cultural mexicana

2009-08-22T05:59:00.000-07:00

EL REPLICANTE - México - julio de 2009
publicó en su nuevo número 19, un artículo que escribió Juan Batalla acerca del Lenguaje visual de altares populares argentinos, con fotos mias. La revista está muy buena, y tiene ediciones en papel y digital también.

Lenguaje visual de altares populares argentinos

Como mala hierba la religiosidad popular brota donde no es bienvenida, en el seno mismo de un país que produjo y exportó psicoanálisis como uno de sus commodities principales. Y provoca un lenguaje dirigido a que los sentidos codifiquen una serie de datos estéticos destinados, en primera instancia, a establecer comunicación con un ente espiritual, que puede ser cifrado o abierto, y en muchos casos conceptualiza una épica biográfica tanto como ideas abstractas.
Los altares embanderados de rojo implican voluntad de victoria, contundencia fragmentaria. Acaso herencia de tiempos del dictador Juan Manuel de Rosas (1836 - 1852), quien forzó a la población a acatar la "divisa punzó", una rústica cinta de tela roja que debía lucir toda la población a modo de escarapela. El país quedó por entonces dividido en dos facciones que disputaron el poder y lucían símbolos rojos y celestes respectivamente. Estos colores sobreviven en el culto a gauchos fallecidos en circunstancias especiales, y éstos son honrados siguiendo los colores partidarios a los que adscribieron en vida . Pero, curiosamente, los cultos a gauchos identificados con el celeste languidecen. Pierden fervor e incluso son reconvertidos al rojo. Hasta el popularísimo Gauchito Gil parece haber sido víctima de este cambio de divisa post-mortem, ya que las más potables biografías acerca de Gil sugieren su simpatía por los celestes.
Nuestro amigo Farris Thompson plantea en torno a la tradición del uso de enseñas rojas, y del rojo en general en lo que atañe a los cultos populares, una matriz conga; a esa etnia pertenecían la mayoría de los esclavos llegados a Argentina, que en un momento representaron el 30% de la población del país; el rojo transmitía ideas claves en su cultura. Aunque también hay que observar la tradición italiana, importantísima corriente inmigratoria en el país, quienes en zonas rurales pintan las puertas de sus hogares de rojo como recaudo contra el "mal de ojo".
En Empedrado, pueblo del litoral argentino, una baliza de automóvil de forma triangular protege con rojo brillo la puerta de una construcción precaria dedicada al Gauchito Gil. Advierte de peligro, explícitamente llama la atención acerca de la potencia de la entidad allí conjurada, evocando estéticas de talismanes dotados de espejos que rechazan a los intrusos y advierten, severos, al modo de los utilizados en el vudú haitiano. Es el reflejo del espíritu, destello que activa una épica diferencial. Los espejos retrovisores de automóviles particulares, taxis y ómnibus suelen también alojar altares con rosarios y cintas: roja contra la envidia, o blanca, roja y verde para simbolizar a San Jorge, patrono de los transportes.
Otro personaje del siglo XIX, la Difunta Correa, que debió fugar a través del desierto con su hijo a cuestas, exhibe características visuales peculiares. Sus adoratorios se hallan a la vera de muchas rutas. En ellos se desarrolla y resuelve en tiempo mítico el drama que constituye la tripa de su historia. Además de las ofrendas de botellas de agua, elementos para bebés y patentes y neumáticos de automóviles, podemos encontrar a veces objetos únicos como una servilleta de papel impresa expresamente para servir en un cumpleaños infantil que hallamos en un altar de Tucumán que exhibía a Mickey y a Minnie (niños) viajando en auto (un medio de transporte) bajo palmeras (presencia de agua y sombra).
El culto a San La Muerte, tradición de raíz jesuítico - guaraní, vertebra en figuras de adoración estéticas que van desde lo figurativo tradicional, que consiste en tallas de esqueletos, hasta variantes sumariamente abstractas que pueden ser apenas una astilla del cajón de un muerto. Dentro de la vertiente figurativa se distingue entre esqueletos de madera o hueso con factura cercana a la imaginería tradicional de la zona y otros contaminados por imágenes propias del heavy metal y películas de terror. Los abstractos apenas semejan figuras reconocibles, y comunican la presencia de un misterio acaso más íntimo e insondable.
Los altares populares generan una transmisión visual que no siempre es domada por el comercio seriado destinado a satisfacer los íconos más obvios. E instalan valores e historias marginadas que producen un tramado distintivo del que se nutren las artes visuales, como lo hiciera Antonio Berni ( 1905 - 1981) con su precursora instalación dedicada a la Difunta Correa en 1971, y hoy lo hacen numerosos artistas contemporáneos argentinos.

Juan Batalla

Diario Crítica - Dueños / Museo Blanes

2009-08-22T01:10:00.000-07:00

CRÍTICA de la argentina - 8/5/09

Extraños seres del otro lado del río

por Maximo Jacoby

Es general, el frenético ritmo de lo cotidiano marca el tiempo: las ocupaciones y conflictos sumados a los pequeños lugares restantes para el ocio favorecen la naturalización de ciertos fenómenos sociales y el ocultamiento de otros mediante la indiferencia. Reconocemos los rituales dominicales de la misa cristiana, el sabbath judío, los recorridos puerta a puerta de los evangelistas, pero desconocemos la coexistencia de ritos y creencias diferentes a sólo 15 minutos de nuestro hogar, donde por ejemplo se les rinde culto a las entidades espirituales como Exú y Pomba Gira, macho y mujer respectivamente. Estas deidades arribaron al Río de la Plata con los esclavos africanos y por medio del sincretismo se los identificó con la figura católica del diablo. Se pueden encontrar figuras en las santerías de Once, junto a Cristos, Gauchitos Gil y otros, y movilizan un caudal de gente que comparte un círculo de creencia particular y alternativo, mucho más complejo que el estereotipo de Perdita Durango. Hace varios años, Juan Batalla y Dany Barreto decidieron adentrarse en este fenómeno, que evidencia un sistema personal de apropiación de imágenes fusionado en un lenguaje estético propio. Así nació Dueños de la encrucijada, un proyecto interdisciplinario, que comenzó con el libro editado por la colección Arte Brujo en 2008 y ahora presenta una muestra sobre las dos orillas del río junto a artistas de ambas orillas. Primero en Montevideo y luego en Buenos Aires, se presentan obras en diferentes soportes que el curador Batalla identificó como visiones y reflexiones sobre estos cultos y su desarrollo.

Fotografías de Guillermo Srodek Hart de altares de diferentes templos muestran variantes en las elecciones estéticas de la liturgia específica y no una representación escenográfica. Esculturas junto a figuras anónimas de las deidades ubican la muestra entre el arte contemporáneo y el religioso o etnográfico, que nutre el proyecto de belleza, densidad de contenidos y dinamismo. Sugerentes instalaciones como la de Barreto son su Exú, la murciélaga o Ángela López Ruiz, un círculo ritual de pétalos y azúcar sobre el suelo, se intercalan con una estatuilla de Pomba Gira caracterizada como una venus de Botticelli completamente roja. Un puente abierto para una sociedad plagada de temores ante lo desconocido y que no osa hacer sus elecciones. Completan la muestra Guillermo Zabaleta, Anabel Vanoni, Melina Scumburdis, Gustavo Tabares, Nico Sara, Marcelo Bordese, León Ferrari, Diego Perrota y Margaret Whyte.

La Diaria (Montevideo) - Dueños / Blanes

2009-08-22T01:09:00.000-07:00

LA DIARIA - Montevideo 20-5-09
cultura -artes visuales

La tremenda fascinación del sincretismo

Lo que Rudolf Otto sistematizó en un cardinal libro de 1936, Lo sagrado, ya lo había intuido Michel de Montaigne en sus Ensayos casi 400 años antes: “los hombres creen en lo que menos entienden”. Para Otto una religión alcanza el pleno éxito cuando está basada en un misterio inaudito que aguijonea despabiladamente el lado irracional del individuo. Pero ese misterio tiene que ser “bipolar”, o sea un mysterium a la vez tremendum (aterrador) y fascinans (fascinante): de hecho, la hodierna (actual) lejanía -física y cultural- que nos separa de las religiones africanas magnifica aun más su enigma favoreciendo una recepción al mismo tiempo miedosa y (aparentemente) irresistible.
Sobre la introyección de los elementos y “personajes” espirituales de África en los países americanos fueron escritas bibliotecas en todos los rubros, desde la antropología a la literatura, en algunos casos hasta llegar al mainstream (como el
acervo de voodoo hollywoodiano de la New Orleans pre Katrina), y es obvio que el arte también se alimente de ella. La muestra
Dueños de la encrucijada, hasta mañana todavía en el Blanes, es un viaje a través de obras visuales inspiradas en las encarnaciones/reelaboraciones rioplatenses de rituales africanos, concentrados en los dos dioses que más “hechizaron”
a argentinos y uruguayos, sobre todo, como explica Alejandro Frigerio en el catálogo, a aquellos en condiciones sociales
difíciles: Exú (una especie de diablo) y Pomba Gira (básicamente su contraparte femenina).
El esqueleto de la exposición son las fotos, de diferentes altares encontrados en Montevideo y Buenos Aires, sacadas por Guillermo Srodek Hart. En ellos, más allá de las figuras en yeso o madera de las divinidades mencionadas (algunas también presentes en el museo) se puede encontrar literalmente de todo. El sincretismo es total: cualquier ofrenda es admitida y la entrada en juego de productos de consumo con marcas y específicas características industriales (principalmente licores
y cigarrillos) nos catapulta en un culto definitivamente instalado en época tardocapitalista. Al lado de imágenes clásicas de
la religión cristiana, de botellas y copas vacías y llenas, se amontonan velas, alhajas, flores, frutas, muñecas, sombreros, abanicos, calaveras. Visualmente, representando universos de objetos usualmente ajenos entre sí, las fotos resultan
de lo más llamativo de la exhibición y enmarcan bien a las demás obras de artistas de ambas orillas llamados a meditar sobre el tema. En ésas prevalece -casi forzosamente dado el trato demoníaco del asunto (aunque, nos explica Frigerio, de un demoníaco “bueno”)- el rojo. Rojos son los tres paneles sencillos con símbolos colgados del techo de Guillermo Zabaleta, rojos los cuernos de la eficaz imagen-señal de Nico Sara y roja la carpa que repara a una especie de cordero negro en la escultura para-kitsch de Dany Barreto, solución que no puede sorprender, porque las fuentes iconográficas de estos cultos se basan en una acumulación de estímulos visuales (por ejemplo la Pomba Gira recalcada sobre la Venus de Botticelli o la presencia de cuerpos de mujeres en poses pin-up) extrapolados de otros contextos y re-significados, que Hermann Broch o Clement
Greenberg hubieran sin duda definido como kitsch. Los videos de Anabel Vanoni y Ángela López Ruiz proponen lecturas de los rituales kimbanda (los más frecuentes del Río de la Plata) entre teatro y trance, mientras que la confección en clave soft (tela rellena) de las llaves alegóricas de todas formas y tamaños por mano de Melina Scumburdis convence por lo anti-convencional del material empleado. Convencen también los genitales zoomorfos del cuadro de Marcelo Bordese, que capturan finamente la fuerte carga sexual de esta religión.
El resultado final, y con mayor razón si es acompañado con el libro/catálogo, resulta extremadamente estimulante, tanto a
nivel sociológico como artístico. Un poco extraña la falta total de reescrituras críticas o por los menos satíricas del culto (quizá
con las tímidas excepciones de la gran puerta decorada con cuernos, esqueletitos y diablo de Gustavo Tabares y la esquematización de la divinidad en estilo graffiti de Diego Perrotta): mientras que a nivel internacional los artistas suelen cuestionar las religiones (si bien casi exclusivamente las “oficiales”), a veces hiriendo a los creyentes pero también abriéndoles los ojos, acá nadie intenta ese camino. El mismo León Ferrari, quizá el artista a nivel mundial que en su larga carrera más ha fustigado el catolicismo, se limita aquí, en una sorprendente obra, a enjaular una mesnada de vírgenes, Jesús y santos, dejando afuera -vigilantes- a cuatro cuidadosos Exú. ■

Riccardo Boglione

De egbetibaayin.blogspot.com - Dueños / Blanes

2009-08-22T01:08:00.000-07:00

Publicado por el Baba Milton Acosta en su blog en mayo de 2009.

"Eshu en el Museo Blanes"
Ayer fue inaugurada la muestra “dueños de la Encrucijada” en Montevideo, más precisamente en la hermosa casona que administra Gabriel Peluffo Linari para el Estado pero con escasa atención y medios del Estado. Es decir: al Estado le interesa que haya un flujo cultural pero no tanto como para dotar a los gestores de cultura de medios para hacerlo. Uruguay conserva sus rasgos más típicos de poco pan y mucho circo.

Pero decía que Eshu -ese niño terrible que a veces es confundido con el demonio tan exquisitamente descrito por las iglesias cristianas, pero que nada tiene que ver con ese personaje pues no pretende la aniquilación del hombre sino su realización- sentó sus reales en ese lugar tan magnífico con parque incluido que tenemos los montevideanos a escasos minutos del centro.

El responsable de esta muestra es Juan Batalla. Artista plástico, editor, fundador de Arte Brujo con Dany Barreto, gran amigo y connaisseur impactado por esta divinidad africana transmutada en espíritu de malandraje y marginalia en estas tierras americanas. Un espíritu irreverente a veces, cuya misión es obligar a tomar decisiones, partido o rutas hacia la felicidad que no vacila en travestirse –por algo es uno pero miles- en la concreción de su tarea. Así, eshu y pombogira –su ser femenino, su mitad indispensable para la vida humana- plantean disyuntivas capaces de hacer tambalear al más fuerte y para ello se sirven de una estética determinada en el ámbito del Río de la Plata que el curador ha captado tan bien tanto en el libro “Dueños de la Encrucijada” como en esta muestra que ha quedado abierta. Lejos del abigarrado muestrario del libro donde las imágenes se superponen y redondean los textos, la muestra ha elegido algunas obras de entre tantas e inclusive algunas que no aparecen en el libro que motiva la exposición.

Impacta ya antes de entrar propiamente a la sala mayor la instalación minimalista de nuestra compatriota Ángela López Ruiz: un círculo de pétalos de rosa que cubre una capa de azúcar como homenaje a pombogira, el eshu mujer. Es que indudablemente en esa simple figura espacial plana detenida en la tierra subyace el misterio de ese femenino insondable que invita a sumergirse a través de ella hacia un plano debajo de lo visible donde espera la transgresora, riendo a carcajadas de la pacatería judeocristiana.

En el acceso a la sala principal nos recibe una de las espléndidas fotografías de Guillermo Srodek Hart que inmortaliza un altar –un espléndido altar, por cierto, al que tuve el privilegio de rendir homenaje en Floresta, Buenos Aires, y que pertenece a la familia de eshu del bàbá Alfredo de Ògún- sustrayéndolo del ámbito natural, el religioso, para convertirlo en un objeto de arte donde cada detalle acerca al espectador no enterado a la virtualidad de la magia afro brasileña.

Entre todas las preciosidades de esta muestra singular quisiera destacar la instalación de Dany Barreto, que me impactó simplemente. Quizá yo la hubiese puesto enfrentada a la puerta de acceso a esa sala larga y angosta: ubicada allí obligaría –como eshu- a tomar la crucial decisión de rodearla para poder entrar a ver el resto, ya sea por la derecha o por la izquierda, pero propondría inevitablemente la necesidad de elección. Rodeada de banderillas rojas de papel cortado –tan comunes en los techos de los terreiros brasileños, el adorno simple y económico de los artistas “pobres” que han creado la “riqueza” de nuestras variantes religiosas, se encuentra “la Murciélaga” negra nigérrima echada sobre un blanco lecho de pipocas… Barreto ha captado a la perfección la tricromía del culto particular de eshu, la kimbanda, y la ha aplicado magistralmente a su obra en exposición. Recurrente en su obra, la Murciélaga es una perra del artista que, como eshu, siendo una se multiplica a través de sus creaciones siendo diferente cada vez aunque en esencia sea la misma. Cancerbero monocéfala, custodia la entrada a ese mundo que impacta a través del color, la forma y la invasión del espacio, y por cierto dentro de la más absoluta tradición iniciática en la que el perro es uno de los más conocidos animales psicopompos.

En síntesis, por un lapso que durará hasta la primera quincena de junio, eshu y pombogira se han instalado en el Museo Blanes por medio de aquello que sugieren a aquellos artistas que dotados de visión desprejuiciada, han podido encontrarles en una obra desenfadada, riquísima y subversiva. Tal vez, un puente abierto para una sociedad plagada de temores ante lo desconocido y que no osa hacer sus elecciones.

Texto de Gabriel Peluffo - Dueños en el Blanes

2009-08-22T01:05:00.001-07:00

Texto de Gabriel Peluffo

Este texto salió publicado en el catálogo de la muestra en Montevideo. Gabriel es el director del museo y un reconocido teórico de arte contemporáneo.

"Uno de los propósitos que ha estado presente en los guiones de exposiciones realizadas en el Museo Blanes ha sido la exploración de las relaciones entre arte y antropología, no solamente como una manera de poner en acto, dentro del museo, una de las aproximaciones disciplinarias más notorias en el mundo académico, sino, sobre todo, como una manera de cuestionar las frágiles fronteras actuales del arte en relación con las estrategias de la crítica cultural, de las prácticas religiosas, de la imaginería popular, de las construcciones de identidad grupal, para las cuales la dimensión estética se torna una cuestión predominantemente instrumental.
En esta línea de política museal recibimos con particular interés la exposición “Dueños de la Encrucijada, estéticas de Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata”, en la cual han trabajado estudiosos del tema, religiosos y artistas plásticos argentinos y uruguayos.
El hecho de que la exposición sea resultado de una tarea colectiva, tiene la virtud de poner en cuestión el concepto de guión curatorial personalizado y de enfatizar la idea de una superposición de estéticas diversas, todas ellas formando parte de la inmaculada sustancia religiosa del material expuesto. Como señala Juan Batalla refiriéndose al propio ritual de ofrenda a Exú, “el éxito de la operación que se lleva a cabo depende tanto de la intención como de su propio desarrollo visual”, es decir, depende tanto del sentido de la ofrenda como de su propia presentación formal ante la divinidad. Este hecho supone una identificación entre la dimensión estrictamente estética y la estrictamente religiosa, al punto que sus respectivas especificidades quedan desdibujadas frente al común denominador instrumental: lograr el éxito de la ofrenda.
Desde el punto de vista museográfico, este problema genera un interesante desafío, ya que los materiales expuestos se ajustan a un doble cometido: por un lado exponerse ante Exú y Pomba Gira como parte de un ritual religioso y no museográfico, pero por otro lado, ser leídos como objetos estéticos en el marco de un museo de arte. Esta es la tensión conceptual más significativa que subyace en “Dueños de la Encrucijada”. Tensión que remite, por otra parte, a la situación del visitante al museo como un “observador participante”, según la celebrada frase de Levy Strauss para referirse al modus operandis del antropólogo. En efecto, el observador no comprometido religiosamente con los objetos de culto que observa, mantiene una distancia crítica con respecto a ellos muy diferente a la del visitante comprometido, o al menos “enterado”. Esto hace que la muestra convoque un juego de miradas complejo en el cual el aura del objeto es asumido como un atributo tanto estético-formal como religioso-moral. Esta “manifestación irrepetible de una lejanía, por cercana que ella pueda estar” (W. Benjamín) será ahora percibida desde situaciones culturales y sociales diferentes. La apuesta simultánea a la diversidad y a la colectividad de la mirada es asunto propio de una museología más preocupada por las construcciones identitarias que por las consagraciones de la historia del arte."

Gabriel Peluffo Linari
Director Museo Blanes

Wynwood - Discontinuos / C.C. Recoleta

2009-08-22T01:05:00.000-07:00

WYNWOOD THE ART MAGAZINEDiscontinuos-CCR-Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina, February 12 - March 8, 2009
By Maria Carolina Baulo

Discontinuity appears in every moment of our lives. Our daily activities, even when following certain mechanical rituals, hold an intimate relation to the discontinuous: we always develop tasks that could last for a few minutes and then become discontinued within the course of our day.

Something quite similar happens with art. An artwork could be part of a conscious - or not - search for the artist’s goal; it could become part of a series or it could be relegated to ostracism. A piece could be dismissed because there’s no empathy with the other works; it could be a rehearsal, a simple sketch of the way to achieve a desirable final result. Nevertheless, those pentimenti hold the essence of that artistic search; they represent what the artist tried to capture and understand, and they are witnesses to this vital activity. They also highlight what lies beneath, the hidden, the unseen; discontinuity materializes in those pieces as evidence of those things the artist “did not want to do.”

“Discontinuous” gathered a group of talented artists with solid careers, who decided to show their discontinuous works: the black sheep of their productions, works that guided the artists, quiet interpellants placed in the lonely, dark spots of their ateliers. Maggie De Koenisgberg, Dany Barreto, Juan Batalla, Carlos Bissolino, Marcelo Bordese, Pablo da Monte, Dulio Pierri, Eduardo Stupia presented pieces that, for some intimate reasons, remained forgotten and dislocated from their original series, but never from the artist’s memory. Organized by the curator Mindy Lahitte, the exhibition presented mixed techniques, drawings on paper, photographs, acrylics, oils on canvas and sculptures. Artists with different perspectives, visions and approaches shared the experience of having a vast production that included several discontinuous works. They aren’t second-hand works; they show the true imprint of emotions, pieces silenced and rejected (but not literally). At “Discontinuous,” they had the chance to be in the spotlight, to shine as traces of a fragmentary reality, all of them bound by the solidarity of being part of the “excluded.” It was amazing to discover how those applications could represent fantastic flashes of creativity, which even the artists themselves couldn’t recognize then. Artworks have a life of their own far beyond artists’ intentions; that is why, like swans, the pieces at “Discontinuous” allowed their own creators to rediscover them and finally find out they aren’t and never were, ugly ducklings.
Dany Barreto. Serie: Paraguayan Dream, 2008. Photography. Direct take. 23.6”x31.5”. Courtesy of the artist.

Maria Carolina Baulo: Art writer based in Argentina. She is specialized in Art History, with studies in Cinematography, Photography and Theatre. macabaulo@hotmail.com

Txt Mindy Lahitte - Discontinuos / CCRecoleta

2009-08-22T01:04:00.004-07:00

dijo Cézanne: “busco realizar esa pequeña sensación”

- no me representa
- soy totalmente discontinuo para trabajar
- tengo series completas abandonadas
- a veces encontrás razones técnicas que te perturban para mostrarlos.
- no hay términos medios para esas obras, me da como un vértigo: o son una mierda o son una genialidad…
- necesitas edad y años de producción para detectar el discontinuo
- hay algunas obras que no las mostré por temor a la incomprensión
- hubo un tiempo en que desconocía mis pinturas, ahora si me parecen buenas.
- Lucas Cranach. Durero. Hans Bandung…estos tipos son mis amigos
- me parece muy conflictiva esa obra, por eso no la quiero mostrar
- son cinco obras, sólo cuatro me gustan
- la impracticidad del cuerpo se transformó en obra impráctica
- siempre trabajé con el método serie de principio a fin
- perdí el interés en esa serie, es la única vez que me pasó
- están en el terreno de lo privado, y de lo virtual… están en la compu
- yo las tengo colgadas en el taller
- siento culpa por escribir, deserto de mi destino de pintor.

exhumación. improvisación. inconstancia. aborto. reticencia. vergüenza

discontinuos es un concepto que tiene que ver con el tiempo, es un concepto efímero, pero que llevado al arte tiene una proyección real, pesada y concreta…
éstos que ven aquí, son trabajos que ocupan un lugar en el taller y en la memoria de sus autores.
a partir del reencuentro con esas obras, tras el ejercicio de “desempolvarlas”, sucedió que los primeros pensamientos al abordar “el discontinuo”, poco tenían que ver con lo que sentían ahora que volvían a mirarlas bajo la lupa de la distancia.
el tiempo habilita otras expresiones y la trayectoria da seguridad sobre las personas y las obras.
cada cual se apropió del concepto, de una forma distinta
había labor constante, y no inconstancia, había experimentación y no improvisación.
el defecto de ayer es la virtud del hoy

en un cuento de Borges leo: -“Me detuve, como es natural, en la frase: Dejo a los varios porvenires (no a todos) mi jardín de senderos que se bifurcan. Casi en el acto comprendí; el jardín de los senderos que se bifurcan era la novela caótica; la frase varios porvenires (no a todos) me sugirió la imagen de la bifurcación en el tiempo, no en el espacio. La relectura general de la obra confirmó esa teoría. En todas las ficciones, cada vez que un hombre se enfrenta con diversas alternativas, opta por una y elimina las otras; en la del casi inextricable Ts'ui Pên, opta -simultáneamente- por todas…”-

lo discontinuo no es meramente una discusión sobre la cuestión de estilo
aquí no hay diferenciación entre obra y ensayo
el ejercicio y el proceso son la obra
tienen libertad, revisión y variación
tienen diferencia, con todo lo que implica hoy la valoración de la diferencia
pero también tienen silencio

lo nuevo y lo único, no importan…
lo que importa es que sea realmente personal
lo novedoso no es necesariamente revolucionario, si no es personal…

estas obras son un decir genuino, espontáneo y necesario
en muchos casos tienen un sentido reparador… sanador
el problema no es cambiar o no cambiar, sino detectar cuando el cambio es contestación de una demanda interna o externa.
¿qué es lo que apasiona?
¿qué es lo que uno quiere?
eso se busca en lo cotidiano
los bemoles del momento inspirativo son muchos
son conversaciones con lo interno, con las ganas
es la intención de andar livianos
es trabajar sin garantías

Txt Eduardo Stupía - Discontinuos / CCRecoleta

2009-08-22T01:04:00.003-07:00

La ecuación continuidad/discontinuidad aplicada al arte no parece implicar una contradicción y sí un movimiento pendular entre dos términos, donde ninguno de ellos debería tener necesariamente una connotación negativa. A la vez, quizás no tanto para los artistas como para quienes ponderan sus productos según la eficacia, la previsibilidad y la perdurabilidad, la demanda positivista de continuidad opera como reaseguro ante la amenaza latente de la temida discontinuidad, entendida como un peligro de fractura, pérdida de rumbo o silencio definitivo en el transcurrir de la experiencia artística.
A ésta suele vérsela asociada a mitos como el de la “coherencia”, a la más comprensible voluntad de sustentación de un planteo o un discurso, e incluso al dogma que propugna la constancia en su acepción de perseverancia y también como la vocación de acumular responsablemente densidad y sentido en cada pieza, lo cual hablaría de una identidad suficientemente permanente, de un estilo, de una marca.
Por otro lado, no deja de ser llamativo que la continuidad, para ser plenamente justificada no sólo como una suerte de empecinamiento virtuoso, pueda encontrar nuevos bríos gracias a la aparición de lo diverso, del elemento disruptivo, de lo discontinuo como factor productivo, como herramienta para fortalecer y airear justamente la persistencia vital, intrínseca antes que evidente, de un corpus de obra.
Entonces, los artistas aquí convocados deciden resistirse al espejismo estadístico de lo continuo/discontinuo, proponiendo un ensayo de reflexión melancólica sobre la continuidad precisamente a partir de presuntas discontinuidades, que pueden ser vistas como una cesura, un hiato, un viraje abrupto en la dirección, o bien como meandros de una corriente que siempre es la misma, pero que adquiere mayor altura en la medida en que exhibe variaciones, alteraciones, en cuanto a las características históricas o estilísticas de cada uno.
Algún virus le ha inyectado Duilio Pierri a las pinturas que presenta aquí para que se nos antojen más extrañas; algo nos empuja a desacostumbrarnos a verlas en relación a la pretendida continuidad con su obra. Así como en los cortes y tajos en la homogeneidad corpórea de las estructuras de Juan Batalla asoma la ruptura interrogativa que él impone a sus abstracciones físicas. Podemos coincidir con Maggie de Koenigsberg cuando explica su adhesión a la discontinuidad como sinónimo de búsqueda y experimentación en cada uno de sus cuadros, antes que como un quiebre en la regularidad de su trabajo. Y reconocer el truco de prestidigitador en la explícita certeza de Pablo De Monte cuando afirma que sus retratos de mujeres de enrarecida familiaridad son el único modo de establecer una conexión no con estas sino con otras imágenes de discontinua pregnancia. Dany Barreto apuesta a la imprecisión óptica para abordar la discontinuidad como metáfora, manipulando su apego a motivos que fugan en un campo visual también en última instancia evasivo. Carlos Bissolino reinstala en primer plano su antiguo fervor por una especie de surrealismo fauve, entre el pop y la geometría, para discontinuarse de su producción más reciente; quizás como estrategia para resignificarla. Marcelo Bordese revela y a la vez distorsiona una de las posibles fuentes de inspiración de su habitualmente mórbida iconografía discontinuando la lógica de esas perfectas ilustraciones anatómicas con la imposición de su trazo.
En todo caso, cabría suponer que toda obra se recluye en una saludable discontinuidad íntima, bajo la forma de interrupciones, caídas en la energía puesta en marcha al elaborarla, intermitencias y altibajos propios del acto creativo, de su naturaleza, donde aquello que se entiende como suma no siempre es tal sino una resta productiva, una ausencia elocuente que transfigura los rasgos presentes. En este aspecto, la discontinuidad sería la falta de un engranaje en un continuum estructural donde ese déficit se vuelca a favor.

Eduardo Stupía, enero 2009

Txt Elio Kapszuck - Discontinuos CCR

2009-08-22T01:04:00.002-07:00

Hoy solo hoy.
En la cultura del consumo porteño, la palabra “discontinuos” me remite directamente a la avenida Córdoba, donde a partir del 4000 al 4900, nos encontraremos con negocios de venta de ropa denominados Outlets. Se tratan de establecimientos comerciales especializados en la venta de productos de marcas famosas, correspondientes a temporadas anteriores, discontinuos o de segunda selección. Son la posibilidad de adquirir una prenda a un precio inferior del habitual, ya que se tratan de artículos de la moda de años anteriores o líneas que dejaron de fabricarse o aquellos que tienen una pequeña imperfección que las hace defectuosos.
Estas tiendas se popularizaron con mucha fuerza a partir de la crisis de 2001, y se convirtieron en sinónimos de oportunidad.
A no tantas cuadras de ahí, en Junín 1930, los “Discontinuos” adquieren otra dimensión totalmente opuesta. Pero los opuestos se atraen y más de una vez hasta pueden confundirse. En el arte también hay ventas al por mayor, liquidaciones, modas, precios rebajados, verdaderas gangas como en los Outlets, pero donde más se diferencian son en los discontinuos, mientras que aquellas prendas que dejan de hacerse disminuyen su valor, o eso modelos que no se terminaron de fabricar industrialmente y lo único que se hicieron fueron “muestras” tienen precios mínimos, en el arte puede significar un verdadero descubrimiento, valioso en todos los sentidos y sin lugar a dudas representan una gran oportunidad.

No siempre podemos sumergirnos en el mundo creativo del artista y en sus permanentes búsquedas, dudas, incertidumbres y hallazgos. La idea es ver aquello que habitualmente uno no ve, en algunos casos son búsquedas, bocetos que decantaron en otro tipo de obras, en otros tiene el carácter de germen del cual surgió determinado camino. Algunas están relacionadas a momentos y estados puntuales que hicieron que su continuidad no sea relevante o mejor dicho que cumplió su cometido. En otros casos podrían ser definidas como obras rebeldes, que no se ajustan estrictamente a la producción de ese artista, que atraviesan senderos paralelos, y también están aquellas producciones que su sola presencia hacen imposible para el artista continuarlas.
En tanto obras en construcción permanente (porque permanecen en el taller) son portadoras del secreto de su manufactura y mantienen la temperatura de lo sanguíneo y visceral. Piedra fundamental de lo que después fue o nunca será, pero siempre un hecho fundamental en la travesia del lenguaje propio. Asistimos a la cocina de la creación, backstage de la producción artística y, entre bambalinas, presenciamos un alumbramiento
Estamos frente a la arqueología del taller, el descubrimiento de obras que no fueron compartidas ni interpeladas, son pura materia, la creatividad bruta que se presenta con una belleza abrumadora de aquello que se ha dejado de lado y que hoy, se construye como un verdadero acontecimiento. Porque observar aquí el proceso es tan significativo como ver el resultado, y eso son en esencia estas obras, es el art in progress, estaciones intermedias, encrucijadas, obras que nos permiten acercarnos más a la producción reciente de estos artistas, Pero cuidado, al mostrarlas se produce lo más importante de esta idea, dejan de ser todo lo dicho por lo que no eran, y en el momento de observarlas dejan de ser el proceso y se convierten en ese resultado, poseedoras de una esencia no diluida ni retocada. Porque se trata de obras constitutivas de la cabeza y el alma del artista, y que se nos presentan en ésta única vez, por lo que se transforman en una verdadera oferta para los sentidos.
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Arte al día - Discontinuos, CC Recoleta

2009-08-22T01:04:00.001-07:00

DISCONTINUOS
Una original propuesta en el Centro Cultural Recoleta
Esta muestra permite ver obras de reconocidos artistas como Maggie de Koenigsberg, Dany Barreto, Juan Batalla, Carlos Bissolino, Marcelo Bordese, Pablo de Monte, Duilio Pierri y Eduardo Stupia que por alguna razón no fueron expuestas al público antes
“No me representa”, “Me parece muy conflictiva”, “Son cinco obras y sólo cuatro me gustan”, “Están en el terreno de lo privado”. Éstas son sólo algunas de las razones por las que un grupo de artistas hoy reunidos en una muestra en la sala 6 del Centro Cultural Recoleta mantuvieron ocultas ciertas obras que hoy se exhiben en conjunto, rescatadas de una suerte de exilio propiciado por sus propios progenitores, las curadurías tradicionales, la crítica o el mercado.
“La idea de este proyecto surge durante inauguraciones, en el momento del reencuentro entre colegas amigos
En varias ocasiones se retomó la misma conversación hasta que se decidió formalizar una reunión para analizar específicamente como operaba el concepto de “discontinuidad” alrededor de los trabajos de cada uno”, comenta la curadora Mindy Lahitte.
A partir de ese proceso, los artistas Maggie de Koenigsberg, Dany Barreto, Juan Batalla, Carlos Bissolino, Marcelo Bordese, Pablo de Monte, Duilio Pierri y Eduardo Stupia, “dotados de una trayectoria de taller y con una determinada edad artística”, tras realizar una tarea de “arqueología privada” se reencontraron con ciertos ejemplares de su producción artística que por algún motivo habían quedado arrumbados en sus lugares de trabajo.
Se trata de trabajos que “ocupan un lugar en el taller y en la memoria de sus autores”, explica la curadora, “y a partir del reencuentro con esas obras, tras el ejercicio de desempolvarlas, sucedió que los primeros pensamientos al abordar el discontinuo, poco tenía que ver con lo que sentían ahora que volvían a mirarlas bajo la lupa de la distancia”.
Más allá de las reflexiones que provocaron en los artistas, y recobradas del aislamiento, las obras expuestas, con el aliciente de que fueron “discontinuadas”, provocan un doble juego en el espectador: por un lado, el acto espontáneo de interpretar la obra que se mira por primera vez, y por otro, el de descubrir por qué razón fue dejada de lado, adentrándose en la biografía de cada trabajo o serie en exposición.
En este contexto, la peculiar y curiosa pieza titulada Sonidos de Carlos Bissolino, se aparta completamente de las visiones de paisajes imaginarios recientes que el espectador puede asociar con el artista. “Mi producción aún bajo la forma de realizar series genera discontinuos: obras que se alejan del cuerpo de obras y permanecen en su autonomía”, explica el artista en el catálogo de la muestra. Y agrega que “otras veces algunas de estas obras discontinuadas fueron cabeza de serie de proyectos que se extendieron en el tiempo. El discontinuo es un precursor, es mi vanguardia personal”.
Para Maggie de Koenisgsberg, el concepto de discontinuidad se relaciona con la idea de búsqueda y experimentación. Sus obras “son como puentes entre distintas épocas, trabajos que fueron desarrollando ideas, imágenes, formas y pinceladas”. En esta línea, su trabajo Entre orugas y franjas invita a descubrir y adivinar ciertas formas antecesoras de las criaturas que luego habitan sus obras.
Así como en algunos artistas el concepto de discontinuidad aparece ligado a una determinada obra, en el caso de otros, resulta aplicable a toda una serie o un conjunto trabajos.
En el caso de Marcelo Bordese, la serie María de Magdala, elaborada a partir de un antiguo tratado de ginecología, en su momento podía ser fuerte o conflictiva para exhibir, pero hoy resultan una exploración del artista, una especie de metamorfosis en la que el cuerpo es expuesto como materia en imágenes que el visitante puede emparentar sin horrorizarse con el imaginario de directores como Cronenberg o Greenaway.
Vinculados a la experiencia personal con su propio cuerpo, los trabajos de Juan Batalla evocan “la pesadez”. “Frágiles a la vez, se tornaron discontinuos porque al irse desarrollando se revelaron casi como un estorbo en mi taller”, comenta el artista. Sin embargo “en estos trabajos emergen símbolos que son parte de una metafísica propia y que hasta aquí debo rastrear para reconocer su surgimiento”, concluye Batalla.
Profundamente conectadas a su situación personal, las obras que presenta Pablo de Monte son reconocibles por su técnica y lenguaje, como parte de su producción artística. Sin embargo, los tres retratos de grandes dimensiones que evocan a tres enigmáticas figuras femeninas nunca fueron mostrados al público. ¿Son aquellas mujeres con las cuales no se completó el recorrido?, se pregunta el artista. “Las motivaciones de esas interrupciones son difíciles de determinar, no se pueden expresar con palabras. De esta imposibilidad surge la necesidad de concentrarlas en una imagen que me acerque en forma intuitiva al porqué de aquello que no pudo continuar”, explica el artista.
Para Dany Barreto, su participación en esta muestra consiste en exhibir un trabajo que hace con mucha frecuencia: “tomo fotos para libros, para documentación, para inspiración de otras obras, para mostrarlas en Internet, pero pocas veces para una sala de exposición. Mi discontinuidad es la forma intermitente de mostrar este trabajo en comparación con lo que exhibo como mi producción artística.
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Mas info
Hasta el 8 de marzo
Centro Cultural Recoleta – Sala 6
Junín 1930 – Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Lunes a viernes de 14 a 21 hs.
Sábados, domingos y feriados, de 10 a 21

Ñ Clarín - Dueños, presentación del libro

2009-08-22T01:04:00.000-07:00

Ñ REVISTA - Clarin
11.04.2008 | ARTE
Por: Guido Carelli Lynch

El arte contemporáneo y la antropología posan sus ojos en las creencias afrobrasileñas
17:20 | El último martes en el Centro C. Rojas tuvo lugar la primera fase de Dueños de la encrucijada, un proyecto integral dedicado al análisis artístico y antropológico de los ritos religiosos afrobrasileños, que cada vez ganan más adeptos en las dos orillas del Río de la Plata. Incluye un libro, dos presentaciones y una muestra en Montevideo y Buenos Aires.
"El proyecto sirve para desasnar un poco a la gente y romper la hipocresía, porque los que van a consultar a los templos son católicos. Vienen artistas camuflados, que van con pañuelos y dejan los autos lejos a cinco cuadras. Yo he recibido a presidentes y ministros, muy adeptos a las ciencias ocultas. No, este Presidente, no, López Rega, tampoco, pero él sí participó en un templo de Porto Alegre". El que habla y se define como "una entidad de bien público" es Jesús Alberto Tata, más conocido como el Pai Alberto Miguel de Oxalá, líder espiritual del templo Kimbanda de Caseros.

Su camisa turquesa brilla más que algunos de sus anillos dorados, pero no disimula el orgullo que le provoca que su altar a Pompa Gira ilustre la tapa de Dueños de la Encrucijada. Estéticas de Exú y Pompa Gira en el Río de la Plata.

Los responsables del proyecto, Juan Batalla y Dany Barreto son fotógrafos y artistas contemporáneos que, a través de la colección Arte Brujo, posaron sus ojos sobre un fenómeno invisibilizado, pero imposible de negar: el culto a dos deidades ancestrales que llegaron a América con los esclavos africanos y que desde mediados de la década del 60 fueron reintroducidas en el Río de la Plata vía Brasil.

El proyecto que buscaba retratar la vinculación entre arte contemporáneo y ritual creció cuando Batalla le presentó su idea a Máximo Jacoby, director de Artes Visuales del Centro C. Rojas. El funcionario y curador aceptó coproducir Dueños de la Encrucijada, junto al Museo Juan M. Blanes de Montevideo, si se le permitía sumar a otros profesionales al emprendimiento.

Así, entre otros, se sumó el equipo de investigación liderado por el etnógrafo y antropólogo Alejandro Frigerio, un especialista en la materia. "La Kimbanda me encanta, porque es una celebración de la vida maravillosa. El libro da cuenta de eso y de cómo la experiencia religiosa y artística están relacionadas. El arte religioso es para los sectores medios y medios bajos la forma de acceder al arte. Uno va a cualquier templo y se sorprende haciendo apreciaciones estéticas, juzgando si el altar está bien decorado, si es lindo...La apreciación estética es muy importante, porque todo está hecho para agradar a los dioses. En la Kimbanda lo bueno, lo bello y lo correcto están entrelazados", explicó Frigerio durante la presentación del libro.

Además, se sumaron el fotógrafo argentino radicado en Boston Guillermo Srodek Hart, la profesora en letras de la UBA Amalia Sato, el sociólogo brasileño Reginaldo Prandi y los sacerdotes africanistas uruguayos Milton Acosta y Susana Andrade.

"Dueños de la encrucijada es una forma de empezar a tomar las creencias afroamericanas como parte del patrimonio cultural de la humanidad. Es muy fácil tomar esa actitud con las hindúes, la tibetana, pero por alguna razón las africanas son siempre dejadas de lado", subraya Frigerio.

Exú y Pompa Gira

La Kimbanda, desprendimiento o "la izquierda" de la Umbanda, rinde particular culto a dos deidades ancestrales pero corruptas y antes peligrosas como Exú y su homóloga femenina Pompa Gira. Sin embargo, el sincretismo con la religión católica, el culto a los santos y –en menor medida- a los rituales de los indígenas brasileños terminó por convertir y "domesticar" a ambos espíritus.

"Exú es nuevo para el Río de la Plata. Tiene más contacto con el hombre en el plano terrenal. Es el elegbé, que en yoruba quiere decir el amigo, el compañero, el que siempre te acompaña", explica Guillermo Zabaleta, artista visual uruguayo y fiel activco de la Kimbanda, que participó del proyecto y viajó especialmente a Buenos Aires para realizar su performance "Elegbé" dentro de la primera fase de Dueños.

Pompa Gira, es su análoga femenina, un espíritu que en vida fue prostituta, o debió afrontar un derrotero muy lejano a la vida sancta de las mujeres cristianas. Exú y Pompa Gira entienden lo difícil que es la vida terrenal y están dispuestos a interceder por los fieles, siempre y cuando, claro haya un regalo para ellos.

El sonido del tambor es una llamada a los espíritus ancestrales mucho más festiva que las invocaciones de otras creencias. "Más que una ceremonia católica parece un espectáculo. Una vez un Pai nos dijo que tenía que dar un muy buen espectáculo para sus devotos. Era muy teatral, pero era consciente de que el vestuario, la luz y el teatro tenían que coordinarse", recuerda el fotógrafo Barreto.

Ángela López Ruiz es otra artista contemporánea uruguaya que participó de esta presentación verdaderamente multimedia con su videoperformance. Esta Mai de santo, que además es miembro activo de la prestigiosa Fundación de Arte Contemporáneo (FAC) de Uruguay, busca comunicar "la enseñanza" que experimenta en cada trance, razón por la que diferencia su estética y la finalidad de sus obras con las del arte sacro de los cristianos.

Tanto es el material reunido, los artistas y los profesionales que confluyeron en Dueños de la Encrucijada, que todavía resta una presentación en la Fundación Centro de Estudios Brasileiros (FUNCEB) y una muestra de fotografías en el Centro Cultural Recoleta, en octubre, y una similar, un mes después, en el Museo Juan M . Blanes, en Montevideo.

Para Jacoby, la idea de Barreto y Batalla es un testimonio de los caminos sinuosos, pero más comprometidos y sociales que empieza a desandar las artes visuales en la actualidad. "El arte contemporáneo en el siglo XX sólo reflexionó sobre su propia ontología, ensanchó sus límites, pero mirando siempre su ombligo. Este proyecto encontró la manera de reflexionar sobre cuestiones sociales, sobre movidas que están sucediendo ahora, acá, a 20 kilómetros y ayudan al medio del arte y al público específico y ajeno de estas religiones a comprenderlas mejor", termina. Pero Dueños de la encrucijada recién acaba de dar su primer paso.

http://www.clarin.com/notas/2008/04/11/01648932.html

Declaración de interés legislativo - Dueños de la encrucijada

2009-08-22T01:02:00.001-07:00

H.Cámara de Diputados de la Nación
PROYECTO DE DECLARACIÓN

Texto facilitado por los firmantes del proyecto. Debe tenerse en cuenta que solamente podrá ser tenido por auténtico el texto publicado en el respectivo Trámite Parlamentario, editado por la Imprenta del Congreso de la Nación.

Nº de Expediente
2040-D-2008
Trámite Parlamentario
039 (07/05/2008)
Sumario
DECLARAR DE INTERES EL LIBRO DE ARTE "DUEÑOS DE LA ENCRUCIJADA. ESTETICAS DE EXU Y POMBA GIRA EN EL RIO DE LA PLATA", EDITADO POR EDITORIAL ARTE BRUJO EN EL AÑO 2008.
Firmantes
GALANTINI, EDUARDO LEONEL.
Giro a Comisiones
CULTURA.
La Cámara de Diputados de la Nación

DECLARA:

De Interés el libro de arte "Dueños de la Encrucijada. Estéticas de Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata", editado por Editorial Arte Brujo en la Ciudad de Buenos Aires en el año 2008, con el apoyo del Centro Cultural Rojas, el Museo Municipal Juan Manuel Blanes de Montevideo y la Asociación de Amigos del Museo Blanes y la Fundación Arte Brujo

FUNDAMENTOS
Señor presidente:

La influencia de la cultura africana en nuestro país ha sido insuficientemente considerada, a pesar de la importancia de la población negra en lugares como Buenos Aires y Corrientes, de su impacto en los préstamos lingüísticos de nuestro argot popular, de la marcada trascendencia que ha tenido en los géneros musicales masivos, y de la supervivencia y expansión que la sacralidad que reconoce estas raíces ha logrado hasta nuestros días. Los esclavos negros en Argentina marcaron una etapa de construcción del imaginario americano, defendieron esta tierra con su sangre y generaron riqueza económica. Poco reconocimiento ha recibido la memoria de estos pueblos, que atravesó los océanos en las peores condiciones imaginables e intentó rehacerse con nuevas formas comunitarias, comunicacionales, culturales en el nuevo continente, en la América del Sur, en la Argentina.

Y pocos son los trabajos de investigación y registro sobre el importante legado de la cultura negra, a pesar de los innumerables rasgos y hechos sociales, folclóricos y artísticos de procedencia africana que sobreviven es nuestra región. "Dueños de la Encrucijada" es un libro que propone una compensación a este olvido sistemático. Indagando en "la zona de confluencia entre artes y estéticas contemporáneas y tradiciones religiosas populares", la propuesta se posiciona en el afronegrismo, como resultado de la simbiosis de matrices culturales diferentes -africanas-, generadora de un lenguaje en nuevos escenarios. Estos escenarios son los terreiros de religiosidad de la umbanda y kimbanda, las santerías, las ofrendas en los cruces de calle y avenidas de las ciudades de Montevideo y Buenos Aires. Y el lenguaje es el artístico.

El libro focaliza en las estéticas del culto a Exú y Pomba Gira, integrantes del panteón religioso africano, encargados de los problemas mundanos de los devotos. Exú es presencia de un trasgresor, masculino, iniciador y dinamizador de todo ciclo, y Pomba Gira, la polaridad femenina. Comprende una serie fotográfica de Guillermo Srodek Hart, con imágenes de altares, estantes de santerías y ceremonias africanistas en estas ciudades, fotografías de Dany Barreto y Alejandro Frigerio , y obras de los plásticos rioplatenses Ángela López Ruiz, Guillermo Zabaleta, Gustavo Tabares, Margaret Whyte, Anabel Vanoni, Diego Perrotta, León Ferrari, Melina Scumburdis, Marcelo Bordese, Nora Correas y Nico Sara. Como particularidad se incluye en este registro visual, un conjunto de fotografías de performance que ofrecen como logro al cuerpo, vehículo de la experiencia religiosa tanto como de la experiencia artística

Como todo libro de arte, hace lugar a los mediadores, por lo que resulta valioso el aporte de investigadores y religiosos que interpretan para los neófitos la semántica de las imágenes y su vínculo con estas entidades, con el objeto de recreación del arte sacro. Se pueden encontrar ensayos del antropólogo Alejandro Frigerio, de la filóloga Amalia Sato y del sociólogo brasilero Reginaldo Prandi, como el testimonio de los religiosos africanistas uruguayos Milton Acosta y Susana Andrade. El texto principal es del artista plástico Juan Batalla, que organiza un cúmulo importante de información sobre el lenguaje visual del afronegrismo y la vitalidad y el sentido de las devociones populares en el complejo cultural del Río de la Plata. Este texto es angular por la cantidad, la calidad y el sentido de la información ofrecida.

En su doble carácter de ensayo visual y textual, "Dueños de la encrucijada" es un libro que legitima la herencia cultural de la negritud en estas tierras, y que propone un camino hacia la diversidad cultural avalado por las practicas religiosas de la gente y los artistas que se hacen eco de las mismas. Por las razones expuestas, solicito a mis pares que acompañen la aprobación de este proyecto.

Radar, Página 12, presentación del libro

2009-08-22T01:02:00.000-07:00

RADAR - PAGINA12
domingo 6 de abril de 2008

RITOS > POMBAGIRA Y EXU EN EL RIO DE LA PLATA
Rojo y negro
Pombagira y Exú son entidades espirituales que integran el complejo panteón africanista, por lo general malentendidas, desconocidas y consideradas con prejuicio por quienes no son sus fieles. Su culto aparece en muchas encarnaciones: por eso quizá los directores de la colección Arte Brujo decidieron recortar la puesta en escena del fenómeno al Río de la Plata. Así el libro Dueños de la encrucijada recopila imágenes y textos que indagan sobre este rito. Aquí, el sociólogo Reginaldo Prandi explica este culto, su inquietante ritual y sus significados sociales.

Por Reginaldo Prandi
Las pombagiras son espíritus de mujeres, y cada una de ellas tiene su biografía mítica, que puede estar más o menos divulgada entre sus devotos y clientes, en general historias muy fragmentadas. En la configuración mítica de Pombagira nunca faltan sexo, dolor, desventura, infidelidad, transgresión social, crimen.

¿Pero quién es Pombagira?

Antes que nada, Pombagira es un exú, o mejor, un exú mujer, como ella misma gusta de ser llamada. En la concepción umbandista, Exú es un espíritu del mal, un ángel caído, expulsado del cielo, finalmente un demonio y que habita en el infierno y en las encrucijadas. Pero afirmar únicamente eso es simplificar demasiado las cosas.

Hay mucha confusión en torno a las palabras Exú y Pombagira. El propio término “Exú” puede referirse a entidades y divinidades con status religioso diferenciado. Al menos cuatro puntos merecen ser aclarados:

1) El exú de la umbanda es diferente al orixá Exú cultuado en el candomblé, en el batuque y en otras religiones afrobrasileñas tradicionales. En la umbanda se trata del espíritu de un muerto; en el candomblé y en el batuque, un espíritu divinizado, un orixá. Los orixás son divinidades identificadas con elementos de la naturaleza (el mar, el agua de los ríos, el trueno, el arco iris, el fuego, las tempestades, las hojas, etc.) y aspectos de la vida social (justicia, riqueza, amor, vida conyugal, etc.).

2) En el candomblé nagô (yoruba), Exú es el nombre del orixá mensajero entre el mundo de los hombres y el de los orixás. En el candomblé jeje (fon) es llamado Legba o Elegbara. En el batuque es más conocido por el nombre de Bará. En los candomblés congo y angola (bantúes), uno de los nombres de Exú, el orixá mensajero, es Bombogirá (Bambojira), del cual Pombagira es ciertamente una corrupción. Con el tiempo, ese nombre terminó por restringirse a designar la cualidad femenina de exú (típicamente bantú).

3) En América los orixás fueron sincretizados con Jesús, Nuestra Señora y diversos santos católicos. Varias características de Exú propiciaron su sincretismo con el diablo católico: su representación material de forma fálica, su ligación con la sexualidad, la condición de trickster, su supuesta falta de moral.

4) Más adelante, con el surgimiento de la umbanda, Exú pasó a designar a decenas de espíritus de seres humanos que en vida tuvieron una biografía socialmente marginal. La umbanda fortaleció la identificación de los exús con el diablo, mas la propia idea acerca del diablo sufrió cambios importantes en el imaginario umbandista. Los exús pueden ser masculinos o femeninos, y la palabra Pombagira se aplica precisamente en el caso del espíritu de una mujer.

En suma, el candomblé, el batuque y el xangô son religiones de orixás y Exú es su orixá mensajero, pudiendo adoptar otros nombres. La umbanda es religión de caboclos, pretos velhos y otros espíritus, reunidos en falanges comandadas por los orixás, que cuenta también con falanges de exús y pombagiras que no se mezclan con aquellos, y que no son orixás. De todos modos, hoy en día no es difícil encontrar en muchos lugares sacerdotes jefes de terreiros que combinan elementos del candomblé y el batuque con otros de umbanda, haciendo una selección de tal o cual aspecto según siente que mejor lo representa, formándose así una enormidad de variantes religiosas.

Desde el punto de vista moral, las religiones tradicionales afroamericanas no distinguen entre el bien y el mal, en el sentido judeocristiano. Su sistema de moralidad se basa en la relación estricta entre el hombre y el orixá. Esa relación es de carácter propiciatorio y sacrificial. La relación de los hombres entre sí, en el sentido de la formación de una comunidad, en la que el bien del individuo está subordinado al bien colectivo, tiene importancia secundaria. El bien y el mal son caras de la misma moneda.

Por otro lado, la umbanda, que retuvo una fuerte herencia cristiana -kardecista, preservó la noción del bien y del mal como campos antagónicos, pero trató de mantenerlos separados en compatimientos estancos. Así, la umbanda se divide en una línea de “derecha”, dirigida al manejo de las fuerzas del bien y que “trabaja” con entidades “evolucionadas” (caboclos, preto velhos, etc.), y una línea de “izquierda”, también llamada quimbanda, que puede trabajar con fuerzas del “mal”, y cuyas entidades, espiritualmente “atrasadas” (exús y pombagiras) están asociadas al infierno católico. De todos modos, esta división puede ser meramente formal, funcionando como una orientación clasificatoria estrictamente ritual y de poca importancia ética.

Las pombagiras y sus compañeros exús, que forman la quimbanda, o la “izquierda” de la umbanda, son espíritus maleducados, impúdicos, agresivos. Dicen palabrotas y dan carcajadas estrepitosas. Pombagira es el espíritu de una mujer que en vida habría sido una prostituta, mujer de bajos principios morales, capaz de dominar a los hombres mediante sus proezas sexuales, amante del lujo, del dinero y de toda suerte de placeres. Las pombagiras usan trajes escandalosos de color rojo y negro, y una rosa roja en su largo cabello moreno, y exhiben formas de prostituta, ora del burdel más miserable ora de elegantes salones de meretricio, juego y perdición. Puede exhibirse también como una gran dama, fina y esmerada, pero siempre una dama de la noche, una cortesana pecadora. A su vez, los exús son espíritus de bandidos, marginales y otros tipos sociales indeseables. Algunos gustan de presentarse con las manos en garras y los pies transformados en cascos de animales satánicos. Visten una larga capa negra con su interior forrado de rojo, y llevan en la mano un tridente de fierro.

Aunque puedan mostrarse elegantes y amigables, esas entidades nunca son enteramente confiables y siempre acaban por revelarse interesadas. Exús y pombagiras enfatizan su naturaleza diabólica (al menos verbalmente) y ponen empeño en demostrar animosidad y desprecio por quien procura obtener auxilio y protección de parte de ellos. Quien se acostumbra, sabe que se trata de un juego teatral.

Sobre todo entre la población urbana pobre, es común apelar a Pombagira para la solución de problemas relacionados a fracasos y deseos de la vida amorosa y la sexualidad, además de otros innúmeros que aparejan situaciones aflictivas.

Estudiar los cultos de Pombagira nos permite entender algo de las aspiraciones y frustraciones de grandes grupos de la población que están muy distantes de un código de ética y moralidad basado en valores de la tradición occidental cristiana. Pues para Pombagira cualquier deseo puede ser atendido: no hay límites para la fantasía humana. Y lo mismo vale para los exús.

En la división del trabajo entre las entidades de quimbanda, Pombagira se ocupa especialmente de los casos de amor, protege a las mujeres que la procuran, y es capaz de propiciar cualquier tipo de unión amorosa o erótica, hétero u homosexual. Se debe obsequiar a Pombagira con cosas que ella usa en el terreiro cuando es incorporada: tejidos sedosos para sus ropas de colores rojo y negro, perfumes, joyas y bijouterie, champagne y otras bebidas, cigarrillos y boquillas, rosas rojas, además de comidas y animales sacrificiales que acostumbramos ver en los despachos dejados en las encrucijadas, playas y otros espacios, dependiendo del trabajo que se haga, siempre a la luz de velas rojas y negras. Para ser amigo o devoto de Pombagira es preciso tener una causa por la cual ella pueda trabajar, pues es el terreno del hechizo aquel en que se fortalece y gana prestigio. Aunque Pombagira no vive sólo de hechizos, ella no viene únicamente a “trabajar”. En sus fiestas, Pombagira viene a divertirse, danzar y ser apreciada y homenajeada, conforme al patrón del culto a los orixás. Un toque de Pombagira siempre tiene un tono de fiesta y diversión, a pesar del clima generalmente sombrío y de las expresiones de trance, ni siempre de buen gusto, que procuran reproducir estereotipos del bajo mundo.

La idea más generalizada acerca de Pombagira es la de que se trata de una entidad muy parecida a los seres humanos. Como mujer, habría tenido una vida pasada que refleja una de las más difíciles condiciones humanas, la prostitución. Habría sido víctima de su destino, como lo somos todos. Nadie creería que sus malos pasos en la vida hayan sido dados por placer, por desvergüenza, por propia voluntad. Al contrario, el coraje de aceptar su condición de prostituta, de bandida y de encarar la vida de frente fue su mayor virtud. Virtud de grandes cualidades, como aquella de las santas. Pecadora y santa, difícil es saber cómo separar una cualidad de otra. Pues fue justamente la triste condición de su vida terrena la que le permitió el conocimiento y el dominio de una de las más difíciles áreas de la vida de las personas comunes, que es la vida sexual y el relacionamiento humano fuera de los patrones de comportamiento aceptados y recomendados socialmente. Así, se cree que Pombagira está dotada de una experiencia de vida real y muy rica que la mayoría de los mortales jamás conoció, y por eso sus consejos y socorros vienen de alguien que es capaz, antes que nada, de comprender los deseos, fantasías, angustias y desesperos ajenos.

En cuanto las religiones cristianas son consideradas represoras y formadoras de sentimientos de culpa y pecado, la afrobrasileras son con frecuencia vistas como religiones liberadoras de la personalidad –no se cree en el pecado ni en la premiación o punición después de la muerte–. Todo ocurre aquí, en esta vida. La vida es buena y debe ser llevada con placer y alegría. No forma parte de su ideario el encubrimiento y aniquilación de las pasiones humanas de toda naturaleza, por más recónditas e innombrables que sean ellas. Es la lucha de los hombres y mujeres que procuran la ayuda de exús y pombagiras para la realización de sus deseos más íntimos. Pombagira representa sin duda una importante valoración de la intimidad de cada uno, pues para Pombagira no existe deseo ilegítimo, ni aspiración inalcanzable, ni fantasía reprobable.

Permalink:
http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-4545-2008-04-09.html

Quilombo! - Dueños, presentación del libro

2009-08-22T01:01:00.000-07:00

QUILOMBO! cultura
abril 2008 - número34 - buenos aires

Artes visuales
Dueños de la Encrucijada

Este libro, recientemente editado, es un proyecto integral dedicado al análisis artístico, antropológico y poético sobre un fenómeno religioso africanista en el Río de la Plata: el culto a Exú y Pomba Gira. Se presentara el 8 y 17 de abril en el Centro cultural Rojas y en la Fundación de Estudios Brasileros respectivamente. Para octubre esta prevista una muestra de artes visuales siguiendo un desarrollo conceptual sobre la estéticas de este culto africanista.

Dueños de la encrucijada es una edición de 148 páginas a cargo de Editorial Arte Brujo. Contiene ensayos de Alejandro Frigerio, Milton Acosta, Juan Batalla, Reginaldo Prandi, Amalia Sato y de Susana Andrade. También fotografías de Guillermo Srodek Hart e imágenes de obras de artistas contemporáneos de Uruguay y Argentina (Anabel Vanoni, Ángela López Ruiz, Guillermo Zabaleta, León Ferrari, Diego Perrotta, Nora Correas, Melina Scumburdis, Marcelo Bordese, Nico Sara, Gustavo Tabares, Margaret Whyte).

La edición contiene diversas aproximaciones visuales y literarias que indagan en la riqueza de una realidad cultural incomprendida y provocadora. Y que, en medio del desconocimiento, florece a la vuelta de la casa de cada uno; en los suburbios y en el centro de las ciudades.

Se propone evidenciar similitudes y continuidades culturales entre Buenos Aires y Montevideo a través de la puesta en escena de un fenómeno poco reconocido. Los cultos africanistas florecen a ambas orillas del Río de la Plata. En verdad, existe en este campo de la cultura una identidad en común muy marcada entre Argentina y Uruguay, abonada por constantes intercambios, viajes e influencias entre sí de religiosos.

Exú y Pomba Gira son Entidades espirituales que integran el complejo panteón religioso africanista. En esta edición, se traza un deliberado recorte para observar la riqueza y personalidad que emana de su culto. El de Exú es un registro transgresor, que da inicio y dinamiza todo ciclo; es la masculinidad misma. En tanto que Pomba Gira es Exú en su polaridad femenina.

Exú, uno de los Orixás o dioses llegado a América con los esclavos negros, fue alterando su identidad hasta que, merced a cierta hipertrofia o crecimiento desmedido de una parte del organismo ritual, terminó por generar un culto aparte llamado Kimbanda. Esta es la celebración espiritista de Exú y Pomba Gira, un rito que se expande día a día y constituye un fenómeno distintivo que abarca particularmente al sur de Brasil, Argentina y Uruguay. Fenómeno en movimiento, la Kimbanda es un work in progress, la fundación de una teología contemporánea.

Y si los demás dioses encontraron su identificación en figuras católicas como santos, vírgenes y hasta Jesús, dentro de un fenómeno conocido como sincretismo el papel que les tocó a Exú y a Pomba Gira no fue otro que el de diablos. Un detalle más que forma parte del mito y agrega a las estéticas de una cosmovisión en la que el bien y el mal son caras de la misma moneda.

Dos de sus autores, Dany Barreto y Juan Batalla, sostienen que “Nos interesa aquella veta del arte contemporáneo sobre la que se asienta el trabajo de algunos artistas que guardan relación con ritualidades ancestrales. Como también aquel producido a través del rito para arribar a resultados artísticos. Ambos caminos confluyen en arte complejo. La multisensorialidad de una ceremonia religiosa o un altar anticipa las búsquedas de personas que echan mano a lenguajes artísticos diversos para plasmar el espíritu de sus experiencias o bagajes rituales; un camino que lleva la experimentación más allá de la mirada irónica o folclórica que es frecuente encontrar en referencia a estos asuntos. Dueños de la encrucijada resalta el papel de algunos religiosos africanistas como performers e instalacionistas capaces de generar una maquinaria artística totalizadora. Y de artistas que contrapuntísticamente toman relación con esta temática, para así conformar una perspectiva integradora y distintiva.“

Integran el trabajo de Dueños de la Encrucijada: Alejandro Frigerio (antropólogo), Milton Acosta (sacerdote africanista y autor de libros teológicos), Juan Batalla (artista visual y co-director de la Colección Arte Brujo), Amalia Sato (profesora en letras, investigadora en la sección de Asia y África UBA) , Susana Andrade (sacerdotisa africanista, militante social por los derechos de las minorías, directora de Atabaque, periódico afroumbandista), Reginaldo Prandi (especializado en Sociología de la religión y estudios afrobrasileros).

Guillermo Srodek Hart, Dany Barreto y Alejandro Frigerio completan el panorama fotográfico de la edición. Algunos de los artistas contemporáneos son de Uruguay (Ángela López Ruiz, Guillermo Zabaleta, Gustavo Tabares y Margaret Whyte) y otros de Argentina (Anabel Vanoni, Diego Perrotta, León Ferrari, Melina Scumburdis, Marcelo Bordese, Nora Correas, Nico Sara).

La exhibición se trata de una muestra de artes visuales que sigue un desarrollo conceptual acerca de las estéticas del culto africanista a Exú y Pomba Gira en el Río de la Plata. Está formada por un corpus central de trabajos fotográficos de Guillermo Srodek Hart. Presenta también obras coincidentes con la temática realizadas por artistas visuales de Uruguay y Argentina. Ellos son Ángela López Ruiz, Guillermo Zabaleta, Gustavo Tabares y Margaret Whyte por Uruguay y Anabel Vanoni, Diego Perrotta, Melina Scumburdis, Marcelo Bordese, Nico Sara y Nora Correas de Argentina. Por último, también exhibe algunos objetos rituales y una instalación que reproduce la estética de un característico altar a Exú. La curaduría general pertenece a Juan Batalla, y la producción está a cargo de Arte Brujo y del Centro Cultural Rojas UBA.

Presentación del libro y muestra de artes visuales
La presentación del libro se llevara a cabo el martes 8 de abril, a las 19 hs, en el Centro Cultural Rojas, Av. Corrientes 2038, con entrada gratuita. El jueves 17 de abril a las 19 hs, en la Fundación Centro de Estudios Brasileiros, Esmeralda 965, también con entrada gratuita. En tanto que, la inauguración de la muestra será el martes 7 de octubre, en el Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, entrada gratuita.

La Nación, presentación del libro

2009-08-22T00:02:00.000-07:00

Vida cultural
Brasil vibrará en Buenos Aires
Por Susana Reinoso
Noticias de Cultura: anterior | siguiente Jueves 20 de marzo de 2008 | Publicado en edición impresa

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Que Rubem Fonseca llegue a Buenos Aires para la próxima Feria Internacional del Libro, por inaugurarse el 24 de abril, constituye una excelente noticia. Hombre sencillo de pocas palabras, "alérgico" a la prensa y cuya literatura es admirada más allá de las fronteras de su lengua portuguesa, Fonseca es uno de los protagonistas de un programa más amplio que la embajada de Brasil en Buenos Aires y la Fundación Centro de Estudios Brasileños (Funceb) desarrollarán este año. En mayo próximo, uno de los ejes de la participación brasileña en la feria será la comparación entre dos próceres del olimpo literario iberoamericano: Borges y Machado de Assis. Machado es un renovador de la narrativa en lengua portuguesa y también uno de los grandes olvidados. Este año, con motivo de cumplirse el centenario de su muerte, se realizará, en la Casa de las Américas de Cuba, un congreso internacional como homenaje. La delegación brasileña se completará con editores y poetas, cuya obra está en ascenso en el mundo literario del vecino país.
* * *
Pero el plato fuerte de Brasil en Buenos Aires comenzará un día después de la inauguración de la muestra de libros. Merced a un acuerdo entre la Funceb y la Universidad de San Andrés, este otoño marcará el debut de un posgrado en cultura brasileña por dictarse en ambas instituciones. La casa de estudios presenta la propuesta académica casi al ritmo brasileño: "Si la bossa nova pudo ser pensada como promesa de felicidad y el tropicalismo como descenso a los infiernos es porque esas músicas exhiben algo más que un estilo musical o una forma de cantar: ambas hablan de la manera en la que en Brasil distintas manifestaciones culturales tienden a condensar la textura de lo real y de lo imaginario". Según Florencia Garramuño, que, por la universidad, será una de las profesoras del posgrado, el objetivo del diplomado será comprender la urdimbre de las distintas expresiones artísticas y culturales que componen ese mosaico de fusiones que se conoce como "cultura brasileña". El diplomado recorre la cultura en la periferia urbana, las poblaciones del Amazonas, la literatura y la música, las fiestas populares, el cine, las artes visuales y la religión, con su notable cruce de rituales y estéticas artísticas, revela Camila do Valle, directora de la Funceb.
Un testimonio de ese cruce será presentado en el Centro Cultural Rojas el 8 de abril próximo. Dueños de la encrucijada (Arte Brujo) es el título del libro de los artistas Juan Batalla y Dany Barreto, donde el arte y la antropología entretejen una impactante simbología de raíz africana que goza de excelente salud como una subcultura rioplatense, en las orillas del mainstream . Una expresión artístico-religiosa de esa influencia africana es el culto kimbanda, llegado de Brasil y resignificado en el Uruguay, con la adoración de orixás, deidades propias del norte brasileño, inusuales en nuestra geografía. A contrario de lo que pueda suponerse, las calles porteñas acogen a más de 3000 templos del culto kimbanda. La investigación de Batalla y Barreto abre una vertiente fascinante sobre la estética religiosa de esos templos, algunos de los cuales eligen el arte figurativo y otros, el abstracto. "Frente al empobrecimiento de otras religiones -observan Barreto y Batalla-, surge un crecimiento de estos cultos de raíz afrobrasileña. En estos templos, ves arte todo el tiempo: las coreografías, las danzas, los altares, la música, la comida e, incluso, las palabras en portugués, guaraní y yorubá [lengua africana]."
Ese espectáculo artístico-religioso puede tener lugar exactamente ahora en cualquier barrio de Buenos Aires. Dicen los autores que cada día es menos excepcional encontrar un templo donde un promedio de 100 personas expresen, por ejemplo, su gratitud y adoración a Iemanjá, la bella orixá del mar.
sreinoso@lanacion.com.ar

Telam - Dueños de la encrucijada presentación de libro

2009-08-22T00:01:00.000-07:00

Nota correspondiente a la publicación del día Martes de 11 de Marzo de 2008

CULTURA I UN PROYECTO MULTIMEDIA

Cultos africanistas, a orillas del Río de la Plata

El libro de próxima aparición "Dueños de la encrucijada" y una muestra itinerante de artes visuales apuntan a analizar desde el arte, la antropología y la poesía el culto a exú y pomba gira, que tiene una fuerte penetración en Argentina y Uruguay.

Un libro de próxima aparición y una muestra itinerante de artes visuales apuntan a analizar desde el arte, la antropología y la poesía un fenómeno religioso africanista en el Río de la Plata -el culto a exú y pomba gira- que tiene una fuerte penetración en la cultura popular de Argentina y Uruguay.

"Dueños de la encrucijada" -editado por la editorial Arte brujo- se presentará el 8 de abril en el Centro Cultural Rojas y el 17 de ese mes en la Fundación Centro de Estudios Brasileiros.

Mientras que la exhibición de artes visuales se realizará en el Centro Cultural Recoleta (octubre) y en el Museo Blanes de Montevideo (noviembre) y luego viajara al interior, a distintos museos.

El proyecto multimedia propone mostrar similitudes y continuidades culturales entre Buenos Aires y Montevideo a través de la puesta en escena de un fenómeno poco reconocido: los cultos africanistas florecen a ambas orillas del Río de la Plata.

"Siempre estamos atentos a los fenómenos religiosos que tienen una derivación artística, creemos que hay un nexo entre el arte y la antropología que está poco recorrido, y cuando uno lo muestra dispara muchas cosas", dijo a Télam Juan Batalla codirector de la editorial Amor Brujo.

Este fenómeno que atrae la mirada contemporánea y se vincula a ritos ancestrales, afirmó el curador del libro, "tiene un gran crecimiento en los suburbios de Buenos Aires y de Montevideo de una manera muy silenciosa. Hay muchos templos en varios lugares de la capital y en distintas provincias".

Dentro del complejo panteón religioso africanista, se recortan dos entidades espirituales - Exu y Pomba Gira- que son centrales a este fenómeno: "El de Exú es un registro transgresor, que da inicio y dinamiza todo ciclo; es la masculinidad misma. En tanto que Pomba Gira es Exú en su polaridad femenina", nombró Batalla.

En el reparto de roles, explicó el especialista, "a Exú le tocó ser diablo, algo interesante de ver en el marco de lo que pasa ahora en la religión católica donde se pone en tela de juicio ese papel. El diablo -discuten los teólogos- pudo ser un actor secundario, pero necesario para que las cosas evolucionen como lo hicieron".

El culto a Exú fue alterando su identidad desde su llegada a América hasta terminar por generar un culto aparte llamado Kimbanda: "Es una teología en crecimiento y en formación", subrayó el autor de uno de los ensayos que integra el libro.

"Llega de Africa y se establece en Cuba, en el Norte de Brasil hasta Río de Janeiro y en Haití, todos puntos de irradiación hacia el resto de América. En el sur se forma una región cultural que tiene como eje a Puerto Alegre, Montevideo y Buenos Aires", mencionó.

A la Argentina, especificó Batalla, "la religión llega un poco filtrada desde Uruguay, ciudad donde se forman los religiosos. Y esto pasa en el siglo XX. Es un fenómeno bastante nuevo, también en Montevideo, aunque hay una mayor cantidad de afro-descendientes. "El culto africanista es tremendamente artístico -definió el especialista- si uno va a un ritual hay desde danzas, trajes, música y comida muy elaborada, hasta artistas contemporáneos inspirados en estas imágenes tan fuertes".

"En la muestra va a haber un contrapunto entre las imágenes reales de los rituales a través de fotografías de altares, templos y fiestas religiosas y las obras inspiradas en esta religiosidad", adelantó.

En el interior del país, apuntó el curador, "hay templos en todos lados especialmente en el Nordeste, en el centro (Cordoba y Santa Fe) es mas raro encontrar en el noroeste y en el sur pero también se encuentran. Sin embargo, la meca religiosa es Buenos Aires".

Para Batalla, la penetración del culto africanista "tiene que ver con una construcción colectiva, no hay un Papa, ninguna autoridad que dictamine hacia donde siguen las cosas. La religión va fluctuando, se va moviendo y creando de manera permanente, a través de una mitología poco recorrida y muy rica".

El grado de inserción se profundiza, dijo Batalla, "porque son dioses muy cercanos, tienen una idea de felicidad terrenal y una noción sobre el bien y el mal nada parecida a la católica. El bien y el mal son de cada uno y no categorías separadas".

El volumen contiene ensayos de Alejandro Frigerio, Milton Acosta, Juan Batalla, Reginaldo Prandi, Amalia Sato y de Susana Andrade. También fotografías de Guillermo Srodek Hart e imágenes de obras de artistas contemporáneos de Uruguay y Argentina (Anabel Vanoni, ængela López Ruiz, Guillermo Zabaleta, León Ferrari, Diego Perrotta, Nora Correas, Melina Scumburdis, Marcelo Bordese, Nico Sara, Gustavo Tabares, Margaret Whyte).

La presentación del libro estará a cargo de Máximo Jacoby, coordinador de Artes Visuales del Rojas; Batalla, Alejandro Frigerio (antropólogo especializado en el universo afrocultural), ængela López Ruiz (artista visual uruguaya) y Julieta Eskenazi (del grupo de danza Oduduwa).

Arte al día - Museo Larreta

2009-08-21T17:00:00.000-07:00

MUSEO DE ARTE ESPAÑOL ENRIQUE LARRETA
Esculturas en el jardín - Un clásico de primavera
por Laura Feinsilber
Un clásico primaveral es "Esculturas en el Jardí n" que desde hace 16 años "brotan" en el jardí n del Museo de Arte Español Enrique Larreta.
Mercedes di Paola de Picot, su directora, y Nelly Perazzo , Miembro de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes son las artí fices de este emprendimiento que buscó, desde su origen, estimular la creación de obras concebidas especialmente para este espacio.
El espacio en sí mismo constituye un desafí o al que se suma el de los 23 artistas convocados que así lo han comprendido. Ha sido y es una plataforma de afirmación de la creatividad de nuestros artistas escultores así como de lanzamiento para muchos de ellos que se involucran con el espacio en un marco que invita a la reflexión sobre la apertura que propone esta disciplina sin dejar de lado el placer de recorrer sus senderos y encontrarse con obras sorprendentes.
Sorprendentes también por los materiales que años atrás hubieran sido considerados impensados, por ejemplo, "La Alumbrada", ensamble de caucho y madera de Juan Batalla. "Mi trabajo es mi alimento", hierro desplegado y soldado, de Nadia Guthman se mimetiza con la naturaleza. Susana Dragotta hace alarde de su fantasí a en "Lo Brillante para Adentro", textiles viní licos, tela mosquitera.
Deben destacarse las obras de José Piuma "Voces que vienen del mar", Edgardo Madanes "Circulando" que como lo dijimos en ocasión de su presentación en el Salón Nacional, intensifica el contenido y sentido de sus impecables construcciones en mimbre y cuero.
Natalia Abot Glenz que ha desarrollado su aprendizaje en España, presenta una sólida obra de curvaturas ininterrumpidas.
Si bien el "botón" de Gabriela Heras remite a Claes Oldemburg, "Mirá lo que encontré", talla en telgopor y resina directa, poliéster, epoxi con color, revela su sentido del humor.
Susana Cabrera en "Lazos en el Tiempo", expresa su nostálgica relación con este espacio a través de una conjunción de hierro, cuerdas de piano, piezas de vidrio, nácar y plástico.
Como es habitual, Dora Isdatne presenta su profundo y refinado conocimiento del arte cerámico para instalar su "Arbol" en un rincón del jardí n.
Hay que encontrar "El Enano de Oro", gres, esmalte, lámina de oro, arcilla , entre los otros que no son los habituales de jardí n, excelente instalación- intervención de Graciela Olio. A Lorena Siguelboin no le alcanza el pasto natural del jardí n, intenta combinarlo con tela y cordón revestido con polieturano y esperar su "Reacción" hasta que crezca.
Hay una obra de Pablo Larreta instalada en el jardí n desde la primera exposición. El artista nos señalaba cómo el moho y el tiempo habí a cambiado parte de su coloración. En esta muestra también está presente con "Hilarri", en granito rojo dragón (San Luis) talla que una vez más demuestra su maestrí a.
Las fotografí as emplazadas a manera de semiarcos "El Otro Cielo" de Teresa Tronconi no necesitan de la talla directa sobre piedra con la que se enfrentan.
"S/T, madera ensamblada de Fabio Miniotti es un ejemplo de la sutileza con la que este escultor aborda la madera. Libertad, fantasí a, ingenio, son las palabras de Nelly Perazzo respecto a los artistas convocados que año tras año nos proponen compartir nuevas e inusuales experiencias.
Info: Cerró el 3 de diciembre

Ámbito financiero - Territorios sagrados, 2007

2009-08-21T06:00:00.000-07:00

AMBITO FINANCIERO - 14 de septiembre de 2007

Por: Laura Feinsilber

El arte en Salta, un territorio sagrado
La muestra conjunta de Juan Batalla, Dany Barreto y Mariano Cornejo se titula «Territorios sagrados». Sagrado es lo que cada uno de ellos ejecuta porque así es la actitud con la que se han volcado hacia el arte y que se expresa a través de individualidades bien marcadas. Sagrado siempre fue el territorio de Juan Batalla (Buenos Aires, 1967), desde sus efímeras acciones en la arena que remitían a deidades africanas, las relaciones entre la contemporaneidad y la religiosidad popular, el sincretismo religioso en Latinoamérica, fruto de sus investigaciones que también están plasmadas en libros de la Colección Arte Brujo, hasta sus actuales esculturas, relieves e instalaciones.

No importa descubrir que el material que utiliza recortes de neumáticos de bicicleta carezca en sí mismo de aura alguna, lo que importa es cómo Batalla ha logrado dotarlo de magia, empezando por el negro ominoso, la composición de los fragmentos que se entrecruzan en una suerte de trama compacta, o la elección de formas como el círculo, símbolo de la perfección o la eternidad. Entre las obras destacamos «El Bosque de los Ancestros», instalación de medidas variables, compuesta por aros que sostienen un determinado número de tiras, un conjunto espectral enfatizado por la adecuada iluminación.

Dany Barreto (Buenos Aires, 1966), investiga acerca de un arte que en la calificación de cierta crítica es considerado «arte bajo». Se trata de los altares populares, verdaderas instalaciones realizadas por los devotos a sus santos populares, un ejemplo de ello es el «Gauchito Gil», que se encuentra a la vera de los caminos y que entra dentro de la categoría del kitsch, de lo sentimental y hasta del mal gusto pero que ostenta el carácter de auténtico.

Barreto elabora esta situación, no sin ironía, también con ternura, apelando a la iconografía de este santo popular, exacerbando el rojo dominante a través de texturas brillosas y esmaltadas. Otras imágenes religiosas están rodeadas de velas u otros símbolos fetichistas con los que se los venera y los hace entrar en el campo de la estética.

Salta es territorio sagrado para el salteño Mariano Cornejo (1962), artista de vasta trayectoria que ha invitado a los artistas mencionados a compartir la nueva sala del MAC (Museo de Arte Contemporáneo) cuya directora, Otilia Carrique, desarrolla una intensa y selectiva difusión de artistas tanto salteños como provenientes de otras regiones de la Argentina.

Cornejo pinta «paisajes». En ellos no se encuentran árboles, montañas, caseríos pero sí la luz, la textura de la piedra, la aridez y el polvo, la visión de algunos verdes desde lo alto de la montaña, el eco de los cascos de los caballos para subir hasta la cima, el tiempo detenido, el silencio.

También exhibe sus muebles escultura absolutamente originales y destacamos la obra que da título a la muestra realizada en conjunto, 405x 100cm (2007) en la que a manera de altar los tres ofrendan sus capacidades artísticas.

En otras salas del MAC se exhiben las muestras de Silvana Merello cuya imagen es el complejo y sutil tratamiento del color, de Alfredo Muñoz y su visión del paisaje desértico en divisiones horizontales, a la manera de capas geológicas, y María Cristina Abraham que reunió a un grupo de hombres unidos por diferentes grados de marginalidad, quienes a través de la fotografía, la escritura de poemas, dibujos sobre cartón, las remeras con inscripciones o la artesanía provocan la reflexión sobre la función del arte.

Salta, además del turístico, vive un boom artístico con la inauguración de una feria de arte, la nueva galería Mamoré, la muestra de la Colección Goretti de Arte Precolombino y la instalación de «La Doncella» en el Museo Arqueológico de Alta Montaña (MAAM). Este espacio fue proyectado para albergar a los niños incas hallados en 1999 en la cima del volcán Llullaillaco a 6730 m. de altura junto a más de ciento cincuenta objetos que componen su ajuar. Hoy, este museo modelo dirigido por el Arquitecto Gabriel Miremont, muestra este cuerpo intacto de 500 años de existencia, cubierto por una túnica color tierra y sus pies calzados con una base de cuero y un tejido en la parte superior. «La Doncella» está sentada, dormida. Una presencia que estremece así como la historia ya que los « capacochas» eran seleccionados por la nobleza andina y ofrendados por sus mayores como mensajeros de los mortales a los dioses. Está ubicada en un recinto de cristal a 18° bajo cero sobre una base de criopreservación a 30° bajo cero y en la penumbra con fondo de instrumentos de viento y un relato en quechua.

Desde el sitio www.maam. org.ar se puede ingresar al Museo para hacer un recorrido digital por sus instalaciones y colecciones donde se presentan imágenes exclusivas de este hallazgo que aún despierta polémicas y controversias respecto a su traslado.
Laura Feinsilber

La Nación - El bosque de los ancestros, 2005

2009-08-21T05:50:00.000-07:00

Galería de arte
Llantas en la ciudad
Artista y editor, Juan Batalla explora las tradiciones afroamericanas del Día de Muertos
Noticias de Arte: anterior | siguiente Domingo 18 de setiembre de 2005 | Publicado en edición impresa

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En la ciudad italiana de Loreto, los Cruzados de la Edad Media construyeron una casa semejante a la que habitó la Sagrada Familia. Muchos fieles creyeron que la construcción llegó ahí volando milagrosamente por los aires y por eso la Virgen de Loreto es la protectora de los aviadores. La historia es bien conocida por Loreto Arenas que (¿por casualidad?) instaló su galería de arte justo frente al atrio de la iglesia del Socorro, en la esquina de Suipacha y Arenales. Allí se exhibe una instalación que recrea el mundo sagrado de otra cultura. Igbalé, el bosque de los ancestros, título que Juan Batalla les dio a sus obras nacidas a partir de la transformación de un material poco usual: llantas de bicicleta. El conjunto tiene un dominante de color negro opacado por la vejez y uso del caucho. ¿Qué hace Batalla con estas llantas? Las recorta en prolijos rectángulos que conforman totems, objetos circulares y objetos colgantes. ¿Qué idea subyace detrás de este material de desecho? Mayormente, el conjunto surge de una experiencia que tuvo el artista en Itaparica, Brasil. Especialista en culturas africanas, Batalla presenció una ceremonia de raíces negras llamada Egungún, algo muy semejante al Día de Difuntos del calendario cristiano. Es cuando el pueblo honra a sus ancestros muertos con variados ritos; también aparece el Egún, el espíritu del muerto que visita a sus deudos, como un ser danzante envuelto en tiras vegetales.
Sin dudas, la ceremonia impresionó más al artista que al estudioso; tanto es así que Batalla le dio formas plásticas a esta experiencia. El tótem surge de la adoración al árbol que a la vez evoca las ramificaciones de la genealogía; las llantas que giraron mil veces, mientras estuvieron "vivas" y ahora resucitan en un objeto artístico son metáforas de aquellos que vivieron, se movieron y transitaron esta tierra y vuelven en forma de Egún. Las celebraciones de muerte no es tema nuevo para Batalla, hace pocos meses coeditó junto a Daniel Barreto, San La Muerte, una voz extraña, un libro que cosechó elogios por la seriedad de los textos de Rodolfo Walsh, Gustavo Insaurralde, Horacio González y Aurelio Schinini, entre otros. El culto es propio de la región guaranítica y tiene adeptos entre que corren riesgos de muertes violentas. Además de los textos -traducidos al inglés- hay fotos de las minúsculas estatuillas y de los impresionantes tatuajes de San La Muerte en los cuerpos de los presos de la cárcel de Corrientes.
El libro es parte de la colección "Arte Brujo", un emprendimiento editorial que "tiene como fin transitar una zona en la que confluyen artes y estéticas contemporáneas y ciertas tradiciones telúricas, populares o marginales de fe, magia y brujería". El primer libro de la colección se llama Salvavidas (2003) y sus ensayos esgrimen la obra del dúo BA-BA (primeras letras de Batalla-Barreto, pero también "padre espiritual" en las religiones afroamericanas) como excusa para explicar el mundo de los orixas, deidades intermedias patronas de distintos aspectos de la naturaleza. Con negras almejas puestas sobre tablas o sobre las arenas de las costas uruguayas los BA-BA recrearon un mundo tan complejo como el santoral cristiano o los dioses olímpicos. El próximo paso editorial tendrá como tema otra devoción popular del litoral, el Gauchito Gil, un milagrero personaje de dudosa existencia real, que todos los 8 de enero convoca a más de 100.000 personas. Farris Thomson, profesor de la Universidad de Yale y ensayista de Arte Brujo, dice: "En esta ciudad (Buenos Aires) veo los mateos del zoológico con su filetado y la cinta roja contra la envidia; los taxis con la misma cinta o rosarios, o a veces guías de Ogun colgadas del espejo retrovisor, son como altares andantes. La ciudad del tango es la ciudad de las creencias". Nada más cierto.
(Loreto Arenas, Juncal 885, 1 piso)
Por Julio Sánchez
Para LA NACION

Página 12 - El bosque de los ancestros, 2005

2009-08-21T05:47:00.000-07:00

MARTES, 13 DE SEPTIEMBRE DE 2005
PLASTICA › JUAN BATALLA EN LA GALERIA LORETO ARENAS
De las batallas circulares
La construcción de obras que evocan rituales y simbologías a partir del reciclado de neumáticos usados.

Por Fabián Lebenglik
Los escudos, círculos, totems y piezas colgantes que Juan Batalla (1967) exhibe en la galería Loreto Arenas se imponen con una presencia teatral ante la mirada del visitante. Tal efecto no sólo está dado por la naturaleza de las obras, por sus relieves y patrones geométricos, sino también por el excelente diseño de montaje, realizado por Gustavo Vásquez Ocampo. En este sentido, la teatralidad se logra por la iluminación y la distribución de las piezas en el espacio (colgadas a distintas alturas, ya sea en la pared o suspendidas del techo), pero especialmente, destacando la condición misma de las obras de Batalla, que evocan ciertos rituales afrolatinoamericanos, ciertas difusas características arqueológicas, determinada corporeidad y volumen que aparecen como ambiguamente amenazantes y cargadas de simbolismos. El propio título de la muestra, Igbalé, el bosque de los ancestros, remite inevitablemente a tales campos de significación.
Cada una de estas piezas presenta sus rugosas superficies recubiertas de múltiples fragmentos yuxtapuestos en diseños de corte constructivo. Los relieves, a su vez, lucen como un alfabeto de formas cuyos motivos oscilan entre la repetición y la diferencia.
Entre la yuxtaposición, el entrelazamiento y la superposición, unos pocos segundos después de haber visto los fragmentos que recubren las piezas se advierte que son recortes de neumáticos de bicicletas usados.
Y las cubiertas de neumáticos colocan estas obras en diálogo con la obra de la artista mexicana Betsabeé Romero, de quien hace un par de meses se pudo ver en Buenos Aires una muestra en el Centro Recoleta.
Si bien la artista mexicana utilizaba los neumáticos de automóviles en otro sentido, es decir, ahondando en el mundo del automóvil, en la cultura mexicana y buscando agotar los sentidos derivados de ese mundo, el punto de convergencia de las materias primas de ambos artistas es notorio.
En el caso de Juan Batalla, los neumáticos de bicicleta son utilizados por fuera de los sentidos asociados con su función original. En ambos artistas se resalta la condición de matriz de las cubiertas de vehículos, capaces de dejar huellas reconocibles. La impronta del grabado y la referencia a la acción de estampar resultan patentes. Una de las obras de Batalla, presentada al modo de una instalación, deja su huella sobre una pequeña superficie de arena, que espeja el patrón geométrico y lo reproduce, en negativo.
El reciclado de los fragmentos de caucho que componen cada obra es también una apelación directa a la cultura latinoamericana, a la reutilización de objetos en desuso, generalmente adaptados a otra función, con nuevos sentidos. Por ejemplo, la manera de reciclar materiales de desecho que toman funciones estéticas o vuelven a circular bajo la consigna de alguna práctica ritual o religiosa. El reciclaje, de maneras múltiples, resulta en este punto un sistema de pensamiento y funcionamiento que se volvió constitutivo de la cultura y la economía latinoamericanas.
Parte de los diseños que lucen los fragmentos de caucho provienen, en muchos casos, de la importación indiscriminada de bienes que era regla durante los años noventa. En este punto, los relieves rescatados por el artista en bicicleterías del Gran Buenos Aires, revelan a veces curiosas improntas, cuyas formas remiten, por ejemplo, a la naturaleza.
Y del reciclado se pasa a la circularidad de las formas. Todas las piezas contienen o exhiben su circularidad y de allí –de la literalidad del rodado se pasa a su sentido segundo– a la circularidad en su acepción simbólica.
A la vez, las piezas circulares de pared también juegan a la heráldica, salvo que en este caso la genealogía no describe en términos cifrados ningún real linaje, ni conquistas, ni posesiones territoriales, ni una larga prosapia. Aquí, en cambio, las huellas se corresponden con el pedaleo de quienes recorren la ciudad en el más popular y elemental de los medios de transporte. El pedaleo y la tracción a sangre fueron gastando las superficies de los neumáticos hasta cargarlos de tiempo de uso, de transpiración, de ejercicio, de recorrido: de historia.
El artista apenas cepilla los fragmentos utilizados en sus obras. Sólo saca lo que sobra. Porque aquí no hay superficies brillantes ni pulidas, sólo hay la huella del desgaste y su pátina del tiempo.
Luego de las descriptas obras de pared, hay otras dos series de piezas dispuestas en el espacio de la galería. Obras de pie, que consisten en troncos recubiertos de neumáticos; y obras colgantes, que lucen como extraños objetos de vestuario. Esta disposición (pared, piso, techo) establece un ritmo visual y formal que ocupa distintas secciones de la sala, generando diálogos y contrastes marcados, aunque se trata siempre de la misma fragmentada materia prima.
Tales contrapuntos van escondiendo el espacio y el ritmo de la mirada, de modo que aquí el montaje utiliza una variada museología: tanto el lenguaje de las artes visuales tradicionales, cuanto el de los museos históricos, arqueológicos o del vestido, entre otros cruces posibles.
Las piezas de pie conforman cada una un tótem (un tronco recubierto) que remata en su límite superior en una suerte de extraño tocado. La verticalidad, la escala y las extensiones de cada obra remiten a formas antropomórficas y allí, podría decirse, comienza a jugarse la teatralidad del conjunto. Y si esta serie brota del piso (dado que son piezas sostenidas por una base), la serie colgante dialoga de un modo directo y complementario con aquella otra. En este caso se trata de círculos de los cuales penden flecos. Cada pieza –dice Julio Sánchez en el catálogo, glosando el relato de Batalla– “evoca a Egún, al espíritu del muerto, que se aparece sin rostro, con faldas inquietas”.
Si por una parte la obra de Batalla evoca rituales y simbologías que provienen de las prácticas sincréticas de la religiosidad africana y latinoamericana, en su factura remiten al constructivismo rioplatense.
El artista vivió un tiempo en Uruguay y allí se le colaron los elementos constructivos, así como en Brasil fue testigo de ceremonias de raíces africanas.
A su vez, el año pasado Batalla editó junto a su colega Daniel Barreto un libro con textos e imágenes sobre San La Muerte, en el que se muestra y se reflexiona acerca de ese fenómeno de religiosidad y su manifestación en el arte popular en la zona mesopotámica, del litoral y en Paraguay. “La primera lectura que hicimos –dicen Batalla y Barreto– fue la de que nos encontrábamos frente a un núcleo de experiencias estéticas, mágicas y psicológicas superpuestas, una acumulación sin fin de sustratos que se alimentan, niegan, afirman y modifican entre sí”.
Experiencias de vida, a las que se agregan experiencias de viajero, confluyeron en Batalla para la elección de un material revelador. Así, varios de los principios funcionales que se desprenden de un neumático de bicicleta usado –matriz, impronta, huella, circularidad, reciclado– fueron aprovechados por el artista para generar su obra sin perder aquellas características (sumadas a sus experiencias), aunque reutilizándolas con nuevas funciones y sentidos. (En la galería Loreto Arenas, Juncal 885, hasta el 30 de septiembre.)

La Nación revista - San la Muerte

2009-08-21T05:40:00.000-07:00

LA NACIÓN - La Revista
Cultura- Domingo 30 de octubre de 2005
por Carmen María Ramos

Frutos de la fe: cuando la devoción se convierte en arte
Daniel Barreto y Juan Batalla, artistas plásticos e investigadores de la cultura popular y ritual latinoamericana, crearon una colección de gran valor antropológico
Publicado en edición impresa

Primero comenzaron a registrar fotográficamente los altares al costado de las rutas. Veían una cantidad de banderas rojas flameando y no sabían de qué se trataba. Entonces esperaban a que llegase alguna persona que venía a dejar una ofrenda y preguntaban. Así se enteraron del Gauchito Gil, de San La Muerte –un santo venerado desde el Nordeste argentino y el sur del Paraguay, y cuyo culto llega hasta las puertas de Buenos Aires–, de la Difunta Correa y de tantos otros que florecen en las banquinas de los caminos del país.
"Nos interesaba entender por qué se usa determinado color, por qué es necesario acercarse a determinadas horas al altar –dicen Daniel Barreto y Juan Batalla, artistas plásticos e investigadores de la cultura popular y ritual latinoamericana–. Todo esto nos parecía conceptual y visualmente tan rico que terminó convirtiéndose en el motivo de viajes específicos a buscar altares en determinadas zonas. Altares que incluyen el arte de la señora que bordó un paño y la talla de un imaginero del lugar hasta los trabajos de los presos de las cárceles, que esculpen sus amuletos en madera o en hueso."
Esta inquietud compartida se transformó en una búsqueda sistemática a partir de conceptos convocantes, tales como identidad, rito y cultura, y en una exploración alrededor de universos expresivos y producciones simbólicas de pueblos llamados primitivos, o populares, tal como pueden ser los altares, las instalaciones realizadas por los devotos a sus santos, en lugares públicos o privados, en forma individual o colectiva.
A partir de esta indagación, Barreto y Batalla encararon una investigación sobre todas aquellas manifestaciones y devociones construidas por individuos que no se consideran artistas, que no aplican los criterios de sistema artístico alguno con respecto a la producción, que no necesitan una institución que las legitime y que sólo pretenden por este medio comunicarse con una entidad divina.
"Muchos de los altares más interesantes se encuentran en capillas construidas dentro de terrenos donde suele haber una casa. A veces es más lujosa esta capillita que el rancho en el que viven sus dueños. Estos son altares semipúblicos, es decir que, si uno pide permiso, generalmente lo dejan pasar. Son devociones heredadas de una abuela o de algún pariente, y se pasan de generación en generación", dice Batalla.
"Para los que tienen un San La Muerte, es aun más necesario que la devoción se transmita a alguien. De no ser así, dice la tradición, el San La Muerte no dejará descansar en paz al pobre finado. En el Litoral hay muchos cuentos que hablan de gente que alguna vez fue a un velorio y recuerda que el muerto, en determinado momento, se levantó del cajón emitiendo sonidos extraños. Dicen que hasta que no se da cuenta de que tiene a San la Muerte bajo la piel y se lo saca, no se queda tranquilo. Es que la manera más tradicional del culto a San La Muerte es justamente ésa: realizarse un pequeño corte para insertar una talla en el sitio de la herida, que luego cicatrizará con la figura, generalmente de plomo o de hueso, adentro."
Partiendo de la tesis de que en buena medida el arte más sorprendente que se puede encontrar son creaciones que permanecen ocultas porque pertenecen a contextos religiosos y rituales heterodoxos, Barreto y Batalla encararon la edición de la Colección Arte Brujo, donde confluyen recorridos visuales y literarios de esta original temática, así como artes y estéticas contemporáneas y ciertas tradiciones telúricas, populares o marginales de fe, magia y brujería.
"Los artistas que nos ocupan pueden ser reconocidos o desconocidos y anónimos. Incluso, están aquellos que no tienen conciencia de serlo", dice Barreto.
Salvavidas, primer título de la colección, nació tras un trabajo hecho en conjunto por ambos artistas en Uruguay y tras el encuentro con el crítico de arte y teórico norteamericano Robert Farris Thompson, con quien trabajaron en ese proyecto.
El segundo libro, San La Muerte, una voz extraña, permite a Arte Brujo presentar textos e imágenes acerca del culto que se desarrolla en el nordeste argentino, así como en Paraguay. La investigación se completa con las fotografías del artista chaqueño Iván Almirón y los escritos de Rodolfo Walsh, Horacio González y Hugo Mujica, entre otros.
El tercero, Payé –en elaboración– reflejará el arte presente en los talismanes que utilizan diversas culturas latinoamericanas.
Por Carmen María Ramos
Más datos:
www.arte-brujo.com.ar
www.loretoarenasgaleria.com.ar

ABC de Paraguay - Presentación de San la Muerte

2009-08-21T05:39:00.000-07:00

Libro "San la Muerte" se presenta mañana
El Centro de Artes Visuales/Museo del Barro y la Embajada de la República Argentina anuncian la presentación del libro "San La Muerte, una voz extraña", edición bilingüe castellano-inglés, que integra la colección Arte Brujo de la Editorial Argentina.

Ilustración del libro "San la Muerte, una voz extraña", que se presenta mañana en la Embajada argentina.
El acto será mañana, a las 19.30, y no hoy como venía anunciándose, en el Centro Cultural "Jorge Luis Borges", de la Embajada argentina, en Avda. España y Perú.

La colección Arte Brujo tiene como fin transmitir una zona en la que confluyen artes y estéticas contemporáneas y ciertas tradiciones telúricas, populares o marginales de fe, magia, brujería. Los artistas que integran el libro pueden ser algunos reconocidos, así como otros desconocidos, anónimos o, incluso, aquellos que no tienen conciencia de serlo.

El presente volumen recoge textos de Iván Almirón, María Carozzi, Horacio González, Gustavo Insaurralde, Daniel Míguez, Hugo Mujica, Aurelio Schinini y Rodolfo Walsh, bajo la dirección de Juan Batalla y Dany Barreto.
En palabras de estos últimos, se trata de un núcleo de experiencias estéticas, mágicas y psicológicas superpuestas, una acumulación sin fin de sustratos que se alimentan, niegan, afirman y modifican entre sí.

El libro exhibe también obras de artistas como Aquiles Coppini y de imagineros, orfebres y tatuadores.

El culto a "San La Muerte" florece particularmente en aquellas regiones en que poblaciones originarias de habla guaraní atravesaron la experiencia de ser "reducidas" en misiones jesuíticas. Considerado pagano por estar ausente del santoral, surge a mediados del siglo XVIII, luego de la expulsión de los jesuitas. Se lo conoce asimismo como el "señor de la buena muerte".

Radar, Página 12 - San la Muerte

2009-08-21T05:38:00.000-07:00

RADAR _ PAGINA 12

Domingo, 28 de agosto de 2005

Cultos > El Señor de la Muerte

San La Muerte

Pocas devociones son tan misteriosas como la que rodea al santo esqueleto, a veces provisto de una guadaña, tallado en hueso, madera o plomo, que suele encontrarse en los altares familiares de la Mesopotamia argentina y el Paraguay. Su culto antiquísimo se remonta a las comunidades guaraníes originarias y hoy se perpetúa en las cárceles, donde los presos lo llevan tatuado o incrustado bajo la piel. Radar reproduce imágenes del santo, de detenidos correntinos y una crónica de Rodolfo Walsh tomadas del libro San La Muerte - Una Voz Extraña, estremecedor intento de desentrañar esta santidad oscura.

Esta crónica fue publicada originalmente por la Revista Panorama en su Nº 42 de noviembre de 1966 y pertenece a una serie de diez que Walsh escribió entre ese año y 1967, siguiendo un proyecto propio de indagación acerca de aspectos profundos y poco visibles de la cultura popular argentina. Aparece en el libro por gentileza de Ediciones de la Flor.
Por Rodolfo Walsh

Las palabras se hacen borrosas en la tinta del papel escrito o tiemblan en la voz de los fieles que a la luz-y-sombra de las velas se arrodillan bajo la mirada sin pupilas de una figurita esquelética, que en los ranchos más humildes del Paraguay y el nordeste argentino preside el destino de sus habitantes, combina sus amores, los guarda de peligros o los hace ganadores en el juego. La gente lo llama el Señor de la Muerte.

Su forma es la representación clásica de esa alegoría: un esqueleto sentado o de pie que a menudo lleva una guadaña. Millares de fieles le rinden un culto semisecreto, que culmina el 15 de agosto con las “misas” que le ofrecen ante los altares de las capillas privadas. ¿Desde cuándo? Las primeras referencias bibliográficas son las muy recientes publicadas por los investigadores chaqueños Raúl Cerrutti y José Miranda.

Pero el culto es antiguo, a juzgar por el aspecto de algunas imágenes y por el testimonio de viejos devotos cuyos recuerdos se remontan a más de medio siglo.

En la campaña correntina o el cinturón de villas miseria que rodea a Resistencia, en pueblos de Formosa o ciudades de Paraguay, el Señor de la Muerte –o San La Muerte– es amado, temido, premiado, castigado, invocado para bien o para mal. Algunas de sus devociones no se diferencian de las más apacibles del culto cristiano; otras se aproximan al vudú, y de ellas no se habla o se habla con un temblor en la voz.

Vida y milagros

–Allá arriba está él –dice la paraguaya Fabiana Irala, señalando con la mano un rincón del rancho oscuro, donde hay que agacharse para entrar.

La figurita tallada se vislumbra apenas en la vitrina semicubierta de trapos negros que corona el altar. Después, sobre la mano de Fabiana, se define en líneas toscas y vigorosas, con las costillas pintadas de negro y una sumaria guadaña o báculo de metal en la mano derecha. Para pedirle algo, hay que sacarle el bastoncito y prenderle una vela. Pero si es algo importante, taparlo con un paño negro y tenerlo en un rincón hasta que se cumpla.

–¿Qué le piden?

–Te da todas las cosas, señor, todo lo que vos querés. Milagroso é. Cura, pero de toda enfermedá. Hace salir gente de la cárcel y es bueno pa’l amor.

(Le prendimos tres dedos de vela.)

El santo de doña Fabiana cumple los requisitos de la ortodoxia: tallado en hueso de cristiano y bendecido siete veces por un sacerdote. Esto es lo más difícil, pero Fabiana no tuvo necesidad de llevar la figurita escondida dentro de una vela o de otra imagen:

–A mí me lo bendició el padre cura de San José.

Hay algunos que lo usan para mal “y le tienen infiel”, explica en Villa Federal, Resistencia, la médica Trinidad López, que tiene un santito de hueso y otro de plomo, muy visitados. El enemigo señalado por el conjuro “se seca y se muere”. Pero ella –aclara– sólo los tiene para proteger su casa.

En Bañado Sur, ciudad de Corrientes, encontramos las dos imágenes más perfectas del Señor de la Muerte. De unos ocho centímetros de alto, estaban talladas en palo santo por el mismo artesano anónimo. Representaban a la muerte sentada, pero había sutiles diferencias: una era más enjuta y apretaba las sienes entre las manos; en la otra, las manos sostenían la mandíbula.

–Este es el Señor de la Muerte –aclaró la propietaria–. Aquel, el Señor de la Paciencia.

El fetiche entronca pues con una figura del culto cristiano, y en muchos lugares se los nombra indistintamente. Quisimos fotografiar las dos piezas de notable artesanía, junto con un par de hermosas tallas policromadas de Santa Catalina y San Antonio. Pero la señora Irma se opuso.

–El se enoja –explicó.

UNA SONRISA BURLONA

La mujer arrodillada pronunciaba las invocaciones, y una docena de devotas con cirios en la mano respondía en un coro atenuado y plañidero. La pirámide del altar crecía en niveles de importancia, con sus santos de yesería, su Baltasar negro, sus estampas litografiadas y hasta un raro display donde figuraban San Martín, Belgrano y Gardel entre floreros de vidrio y ramilletes de plástico. Coronándolo todo en la capilla particular de Cecilia Medina, un Señor de la Muerte cincelado en plata presidía desde su trono, con irónica sonrisa, ese mundo de caras oscuras, de miradas expectantes y ropas muy pobres.

Era “el señor de los buenos y de los malos matrimonios”, el que obliga al ladrón a devolver su robo, el que dispone que el amante desdeñoso “en la cama en que duerme se encontrará afligido”, el que impide a la amada “aular con ningún hombre”, el que es invocado “por los cuatro vientos del mundo”.

Decenas de fórmulas circulan en cuartillas rudamente manuscritas, centenares de milagros se le atribuyen, millares de velas arden en su honor.

¿Pero quién fabrica esa misteriosa figurita? La médica Asunción Ramírez nos mandó a los confines de la ciudad y de la tarde en pos de un santero que no existía. Lo buscamos luego en direcciones equívocas de remotas callejas polvorientas, en erróneos recuerdos, desconfianzas, evasivas.

En Resistencia conocimos, por supuesto, a Carlos Maule, un artista pop avant la lettre que, rodeado de cadáveres de máquinas, frustradas heladeras y restos de armas de fuego, construye en su taller mecánico singulares esculturas de bronce y de chatarra. Maule talla en hueso de vaca (“el hueso humano es mal material”) un San La Muerte estilizado y sobrio.

–Es milagroso –afirma burlonamente–. Me siento a hacerlo con una copa de coñac al lado. En cuarenta minutos termino la copa y termino el santo. Tengo para una botella más. ¿No es un milagro?

Las imágenes de Maule son veneradas en más de un oscuro rincón en las rancherías chaqueñas. Pero aún no habíamos encontrado al artista naïf que toscamente talla las facciones de la muerte en un palito de ruda o un segmento de tibia y cree en su oscuro sortilegio.

Del otro lado del río, la doctora Alicia Gare iba a ponernos en presencia de uno de estos raros artesanos.

EL SANTERO

–Me buscaban a mí –dice con su voz tranquila y servicial.

Ha entrado con nosotros por el portón de la vieja penitenciaría de Corrientes y viste de calle. Pero el envoltorio de papeles que trae bajo el brazo guarda las ropas azules del recluso Cirilo Miranda, que es él, condenado a veinte años de cárcel por un crimen apasionado y salvaje, de superflua memoria aunque él lo recuerde mientras desgrana día por día los dos años y cuatro meses que le faltan para salir en serio: y no como ahora, que ha ido a hacer “un trabajito particular para afuera”, según se acostumbra en este presidio.

Entre los canteros verdes y los muros rosados del patio, Miranda despliega sobre un banco las figuras de su arte, la docena de santitos y de historias que, de golpe, son una insólita lección de antropología práctica. Por supuesto, allí está el Señor de la Muerte.

Ya no sabe Cirilo Miranda cuándo empezó a manejar el formón romo, el buril de punta casi invisible, la sierrita minúscula que son sus únicas herramientas permitidas. Sabe que le enseñó a tallar don Julio Conti, “uno de los reclusos más viejos, creo que ya no existe más”, y que el primer San La Muerte que copió se lo trajeron de Paraguay, pero se lo piden detodas partes porque es muy milagroso y el que lo invoca “suele salir a flote de sus trámites de apertura”.

–Porque resulta –dice– que el Señor de la Muerte es la imagen de la calavera de Nuestro Señor Jesucristo. ¿No ve que uno de los crucifijos grandes que llevan los padres curas tiene una calavera sin ojo, sin nariz, ahí en la cruz?

La mano con el buril se desliza ahora, segura, sobre el oloroso pedacito de palo santo con que el preso cumple su más reciente encargo. Pero también talla en hueso, y si es hueso de cristiano mejor, porque “ése ya está bendecido dos veces”.

¿Conoce las oraciones? Conoce, aquí lleva una, señor. ¿Sabe que hay una para no caer preso? Eso no sabe, y se ríe, y si hubiera sabido no estaría aquí, pué, y se vuelve a reír contagiando al racimo azul de penados que se han reunido a nuestro alrededor contra el fondo de rejas y de muros rosa, y que al fin saben en qué gasta Cirilo Miranda sus largas horas en la celda sin decirles nunca una palabra porque ésta, señor, si se quiere, es una cosa secreta.

RETABLO INSOLITO

Puestos sobre el banco, los santitos hablan desde el fondo de una mitología inédita, de un pueblo ignorado. El preso de tez oscura les presta su voz.

Ahí está la mujer crucificada, versión femenina del Cristo:

–Santa Librada, que está en la cruz, pué. Ahí el prodigioso cazador, montado en un tigre:

–Ese es el San Son.

El misterioso hombrecito que lleva una taba en la mano derecha y “un puñao e plata” en la izquierda:

–Ese es un famoso pa’l juego. Lo llaman Lamodei.

Y el domador de un toro:

–Prendido a las guampas. Es San Marco, que está para dominar la cuestión de animales salvajes.

Ahí por fin la conmovedora pareja de santos tomados del brazo, unidos en el tierno amor de la madera:

–San Alejo, señor, que le dominó a Santa Marta, la virgen más hermosa que se ha conocido en el mundo.

Solamente la perversa, la inquietante y peleadora Santa Catalina está ausente porque su devoto Cirilo Miranda sabe que no es bueno tenerla –aunque la haga para otros– ni prenderle velas ni darle confianza, y sí solamente pedirle, en los momentos de aflicción, que sus enemigos y autoridades no tengan ojos para verlo ni boca para hablarle ni manos para pegarle ni pies ni corazón para ofenderlo.

Así sea.

Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/radar/9-2478-2005-08-29.html

Clarín - San la Muerte

2009-08-21T05:37:00.000-07:00

CLARIN- 14-6-05
por Marcelo Sánchez Dansey

CULTURA : IMAGENES Y RELATOS SOBRE UN "SANTO" HONRADO DESDE EL NORDESTE HASTA LAS PUERTAS DE LA CAPITAL
Un libro sobre "San La Muerte", un culto escondido que persiste

Dos artistas se lo encontraron cuando buscaban expresiones religiosas populares. Le dicen "el más justo de los santos" y le atribuyen poder para el bien y para el mal.

Hay muchos libros sobre la muerte y ahora uno sobre San La Muerte. Lo acaban de editar los artistas Juan Batalla y Daniel Barreto, gestores de la Colección Arte Brujo. San La Muerte. Una voz extraña, se llama el compilado de imágenes, relatos y oraciones que invocan a este esqueleto de sotana y guadaña en mano, conocido popularmente como "el más justo de los santos" y excluido del santoral católico. A quien le asignan gran poder, tanto para hacer el bien como para hacer daño. A quien se le rinde culto en secreto.

Batalla y Barreto se lo encontraron en Corrientes. Llevaban años investigando las expresiones religiosas populares y estaban tras los pasos del Gauchito Gil cuando se toparon con su compadre: el Señor de la Buena Muerte. "Vimos una carga visual y literaria muy fuerte. Y muy poco visitada", le dice Batalla a Clarín, sin perder la mirada del arte.

Fue así que convocaron a los sociólogos María Julia Carozzi y Daniel Míguez para aventurarse en los dominios de "su santidad esquelética", cuyo mito se remonta a las primeras décadas del 1700 y se circunscribe a las tierras guaraníes con influencia jesuita. Los especialistas recuerdan que los aborígenes adoraban los huesos de los grandes chamanes y también los de los niños muertos que les servían para comunicarse con el más allá. Hubo un paso de allí al sincretismo con el culto católico que expandió el culto a todo el nordeste, el sur del Paraguay y —¡guay porteños!— de la mano de la inmigración rural, a las puertas de Buenos Aires.

Esta mixtura social es lo que florece en un artículo de Rodolfo Walsh que data de 1966 y fue incluido en el libro. Una perlita. Como la poesía del sacerdote Hugo Mujica, que intenta cifrar este entuerto teológico. O el comentario de Horacio González, profesor de Cultura Argentina y subdirector de la Biblioteca Nacional, que indaga en el costado erótico de la creencia.

Asimismo, el volumen cobra fuerza con las revelaciones de Aurelio Schinini, paraguayo autodidacta, los textos de Gustavo Insaurralde, crítico de arte chaqueño, y las fotos de su coprovinciano, Iván Almirón.

Batalla cuenta que el objetivo era "rescatar la experiencia de la gente del lugar porque tienen una visión mas fresca del fenómeno". Y no se equivoca, el aporte de los locales esta impregnado de magia.

Insaurralde, por ejemplo confiesa que sitio "algo raro" frente a las estatuillas del santo —algunas de la colección privada del artista Nicolás García Uriburu— y no quiso tocarlas. ¿Miedo? "Respeto", aclara. Y se nota en el texto del crítico que encuadra la estética en un formato minimalista y naif, con resabios del barroco español y coqueteos con la iconografía del rock pesado. Y que analiza las creencias que rodean cada obra. Como cuando describe "el marcado empeño de los practicantes de alimentar al santo a través de persistentes incisiones que se infligen a sí mismos, con el natural derramamiento de sangre y las consecuentes cicatrices, testimonios de la ofrenda".

Schinini va mas lejos y, sin tapujos, relata su encuentro con "una mujer de la vida que al caminar por la calle iba protegida por un San La Muerte que llevaba puesto en la vagina, una talla confeccionada con madera del ataúd de su abuela".

Cuenta Schinini que, según le contaron, las tallas mas poderosas se logran con huesos humanos; que la última falange del meñique le da más fuerza al payé (amuleto) y que algunos lo llevan incrustado bajo la carne. Y cuenta otras historias: los castigos y los cuidados, que al santo le gusta ir de visita a las iglesias escondido en un puño cerrado y que a veces pide sangre.

Las confesiones dan paso a las fotos de Almirón: un recorrido por la cárcel de Corrientes, donde el fotógrafo se mueve como en su casa y maneja a los presos como corderos, en su afán de mostrar al santo tatuado. Claro que Almirón tiene parientes devotos, y aunque se diga ateo, reconoce que existe "una cuestión iniciática, como los masones".

Insaurralde confirma: "No todo el mundo está dispuesto a escucharte ni a contarte cosas. En el interior del Chaco la gente mira el libro de reojo". Sin embargo el libro ya está en las librerías y hasta ganó el Premio a la Bibliodiversidad que otorga el Gobierno de Buenos Aires. "Creo —dice Almirón— que así como el arte africano impactó a Picasso o como el arte primitivo de Oceanía tiene su sala en el Metropolitan de Nueva York, los argentinos, podemos decir: ¡Caramba! parece que nosotros también tenemos lo nuestro". El libro da fe.

Declaración de interés legislativo - San la Muerte

2009-08-21T05:35:00.000-07:00

La Honorable Cámara de Diputados de la Nación declaró de interés legislativo a "San la Muerte, una voz extraña" (Colección Arte Brujo, 2005)

Período 123
16/08/2005 - (TP 108)
4689-D-05

4689-D-05
Proyecto de declaración
La Cámara de Diputados de la Nación
DECLARA:
De interés legislativo el libro “San La Muerte - Una voz extraña”, editado en febrero del 2005 por Editorial Argentina, cuyos contenidos integran textos de Rodolfo Walsh, María Julia Carozzi, Daniel Míguez, Gustavo Insaurralde, Horacio González y Aurelio Schinini, referidos a la mágicoreligiosidad en la región de influencia tupí guaraní y estética, como también fotos de imaginería religiosa y tatuajes entre devotos de San La Muerte.

Araceli E. Méndez de Ferreyra. – José A. Roselli. – Patricia C. Walsh. – Daniel Carbonetto. – Miguel Bonasso. – Santiago Ferrigno.

FUNDAMENTOS
Señor presidente:

“Las palabras se hacen borrosas en una tinta de papel escrito o tiemblan en la voz de los fieles que a la luz y sombra de las velas se arrodillan bajo la mirada sin pupilas de una figurita esquelética, que en los ranchos más humildes del Paraguay y el nordeste argentino preside el destino de sus habitantes, combina sus amores, los guarda de peligros o los hace ganadores en el juego”.

Rodolfo Walsh, San La Muerte.
Los ancestrales rasgos de la cultura tupí guaraní definen de manera notoria los rasgos identitarios de los pueblos del nordeste. Las prácticas religiosas populares, las sacroprofanas son parte del estar en el mundo que el habitante del nordeste –y especialmente el pueblo correntino– carga con formas resistentes culturalmente y cuyo origen podría datar con anterioridad a la presencia de las estancias jesuitas en la zona.

El registro y la sistematización de las prácticas religiosas populares son tareas fundamentales en esta etapa de gran volatilización de la información. Las formas antiguas transmitidas oralmente se contraponen a la aceleración de la rotación del tiempo, en los modos de vida urbanos y con marcada influencia global.

Este registro tiene un valor agregado, si del mismo se desprende un análisis etnográfico, como ser la religiosidad en tanto vida cotidiana, y otro estético, como en efecto sucede con la alegoría del santo en los materiales de la zona –hueso, palo santo, guayacán– y en el dibujo sobre el cuerpo.

“La mujer arrodillada pronunciaba invocaciones, y una docena de devotas con cirios en la mano respondía en un coro atenuado y plañidero”.

Rodolfo Walsh, San La Muerte.
El libro San La Muerte - Una voz extraña ofrece la siguiente estructura:

Por un lado el sentido etnográfico del trabajo de investigación, donde lo sociológico de la dimensión cultural se manifiesta en las siguientes observaciones de autor:

– María Julia Carozzi y Daniel Míguez, cientistas sociales e investigadores del Conicet, desarrollan un mapeo de las múltiples visiones y versiones sobre el que se considera el más justo de los santos populares.

– Rodolfo Walsh, en un texto publicado en la revista “Panorama”, donde establece un diálogo simple, íntimo y trascendente a la vez con la situación de vida cotidiana y la religiosidad de las humildes casas que ha visitado en la provincia de Corrientes.

– El joven crítico de arte Gustavo Insaurralde, chaqueño, sobrevuela las teorías más relevantes de la estética y la historia del arte como aproximación a la necesidad de explicar el arte en el cuerpo, como manifestación del complejo sacralidad/participante de la sacralidad.

– El sociólogo Horacio González desarrolla el proceso de transmigración del fetiche religioso a lo más íntimo, al cuerpo, y al proceso fotográfico que en su función genera el efecto contrario.

– El investigador Aurelio Schinini desarrolla la relación entre el santo y la madera tallada, sus usos y sentidos. Siendo este, sin dudas, uno de los textos más interesantes de la obra.

– “En esa noche sin sueños” es un poema de Hugo Mujica que corola los textos de la obra.

“La mano sobre el buril se desliza ahora, segura, sobre el oloroso pedacito de palosanto con el que el preso cumple su más reciente encargo”.

Rodolfo Walsh, San La Muerte.
El libro también comprende un cuerpo de imágenes fotográficas, en dos partes. Una registra la imaginería existente en la región y otra, los cuerpos de los devotos en situación de reclusión, representando este último un particular espacio de la práctica religiosa, donde el sistema de roles vinculados con el culto está dada en la figura del tallador o en el devoto tatuado.

Un pequeño registro de talladores, fotos indudablemente correntinas, dos de los más relevantes artesanos santeros –Ramón Cabrera y Aquiles Coppini– mostrando sus obras, completan esta obra de calidad estética y rigurosidad conceptual.

Un libro de arte sacro profano y un libro de sociología de las religiones es la forma de presentación de San La Muerte, una voz extraña. Seleccionado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires como emblema de su Programa Bibliodiversidad, esta obra muestra uno de los rasgos más antiguos y constitutivos del imaginario de los correntinos en el mundo.

Por estas razones, solicito a los señores diputados acompañen con su firma este proyecto.

Araceli E. Méndez de Ferreyra. – José A. Roselli. – Patricia C. Walsh. – Daniel Carbonetto. – Miguel Bonasso. – Santiago Ferrigno.

–A la Comisión de Cultura.

La Nación, artículo

2009-08-21T05:34:00.001-07:00

Feria del Libro de Chaco, boletín oficial - San la Muerte

2009-08-21T05:34:00.000-07:00

“SAN LA MUERTE, UNAS VOZ EXTRAÑA”

La presentación del libro “San La Muerte. Una voz extraña” también acaparó la atención de la quinta jornada. Se trata de una impecable publicación que reúne textos y fotos sobre este conocido “santo” popular con conceptos de Rodolfo Walsh, Horacio González y el chaqueño Gustavo Insaurralde, entre otros. Las fotografías que acompañan este libro le pertenecen al reportero gráfico local Iván Almirón. “San La Muerte. Una voz extraña” fue presentado en esta “6ª Feria del Libro Chaqueño y Regional” por uno de sus editores, Juan Batalla, y por Gustavo Insaurralde.

Llegado el momento del fotógrafo Iván Almirón de referirse a esta experiencia, comentó que “fue increíble retratar a gente que tiene tatuajes en la piel de San la Muerte y que tiene más de uno”. “No tomé conciencia de lo que estaba haciendo hasta después de realizar el trabajo, el fotógrafo adquiere un cierto poder al tener una cámara y la gente se transforma delante de un lente”, comentó en alusión a su experiencia con detenidos de la Cárcel de Corrientes que fue donde se tomó el mayor registro fotográfico del libro. “No volví a ser el mismo después de esto”, concluyó el fotógrafo chaqueño. Cabe destacar que la próxima semana este libro será presentando en la ciudad de Asunción, en la República del Paraguay.

Arte al día - Las tres personas

2009-08-21T05:30:00.000-07:00

ARTE AL DÍA
octubre 2004
El Arte en el País
Desde Chaco
por Gustavo Insaurralde
Las tres personas se titula la muestra de Juan Batalla y Daniel Barreto que pudo verse en Resistencia y ahora se encuentra en el Café El Mariscal, de Corrientes. Una producción donde se conjuga tanto el lenguaje propio del trabajo individual como así también una singular obra realizada en conjunto. Daniel Barreto (1966) rescata el prodigioso mundo de las devociones populares signado por el misterio articulado entre la religión y el folclore. Así, aparecen la Difunta Correa, el Gauchito Gil y más recientemente, San la Muerte. Cada pintura recrea un altar, ese lugar donde se mezclan el sentimiento de desamparo cotidiano y la esperanzada búsqueda de protección, lo que también puede leerse como la necesidad de crear y creer. Cada obra refleja la idiosincrasia que envuelve a la ceremonia popular retratada revalorizando los elementos de la devoción -mantel y velas, flores y santuario- en una ofrenda artística con notable atracción estética. Su atenta observación logra extraer una visión lírica del hecho místico recreado desde la veneración artística, como un absoluto y definitivo ritual regido por la imaginación. Con una paleta estridente, propia de estos fervores, DB se ha propuesto indagar la singular fuerza del realismo mágico que definen la adoración de ciertos mitos religiosos en una intensa introspección de los personajes, abordados desde una contemplación por momentos signada por una devota complicidad.
Juan Batalla (1967) desarrolla una obra que explora la sensualidad del caucho a través de paisajes abstractos donde la composición se convierte en elemento determinante. El hallazgo no sólo es atractivo por su contundencia, sino porque es coherente con el pensamiento tanto poético como narrativo de un artista, que supo elaborar una expresión con el rigor de la búsqueda estética. Cada cuadro construye una atmósfera misteriosa a partir de pequeños trozos de gomas -rescatadas del abandono- que se superponen y entretejen formaciones, con armonía y fuerza. De esta manera, el artista elabora una superficie centrada en la tensión de la uniformidad cromática y matérica, acercándose al minimalismo conceptual capaz de insinuar una abstracción mística sugerida por el formato mismo. Con una calidad infrecuente, la producción de JB resulta un patrón original que recorre la superficie meticulosamente ejecutada, donde se ordenan formas geométricas en estructuras lineales creando módulos de llamativa intensidad visual. El orden claramente sucesivo y la terminante primacía de los elementos austeros crean una dimensión subyugante que otorgan a las obras una particular vibración. Por momentos, todo incita al tacto imaginando una lectura Braille de los cuadros, más aún teniendo en cuenta la oscuridad signada por la ausencia del color respetando la uniformidad del negro elemento utilizado. La tridimensionalidad reelaborada en un espacio habitualmente bidimensional resulta una sutil metáfora ilusoria donde de la realidad y la imaginación confluyen en una síntesis exacta de extraña permanencia a través del tiempo y la distancia. BA-BA concentra la obra de ambos en la elaboración y registro fotográfico de una producción reunida en el libro Salvavidas (Editorial Argentina) de la colección Arte Brujo.

Página 12, Salvavidas en Uruguay

2009-08-21T00:15:00.000-07:00

Uruguay total, Thiago Rocca - Salvavidas

2009-08-21T00:10:00.001-07:00

Muestra Juan Batalla, Dany Barreto
Comentario de Pablo Thiago Rocca para UruguayTotal
Mitos en la arena

Primero fue en la Casa Aurea de Montevideo. Luego el Museo de la Memoria y Arte Contemporáneo de la Paloma. Ahora la propuesta se exhibe en la Galería Casapueblo. En marzo la parada será en San Carlos. La muestra "Salvavidas" mantiene un intenso itinerario por la costa uruguaya, como para recordarnos que el contacto estival con el río ancho como mar -y el océano- no tiene un único marco de referencia. La dupla de los argentinos Juan Batalla- Dany Barreto (BA-BA) vuelve a proponer esta mixtura entre el arte pop y las creencias religiosas afroamericanas. Vale aclarar que el pop es entendido aquí como reelaboración de motivos de fuerte arraigo popular, versión distante de la norteamericana e inglesa, frecuentemente basada en la exploración de pautas de consumo urbano. El complejo simbólico umbanda y candomblé está fundido en un crisol de estéticas pos-modernas y vuelto a exhibir bajo presupuestos performáticos: circulación de las obras por diferentes galerías, exhibiciones en playas, intervenciones al aire libre. La utilización de materiales sustraídos al mar -mejillones, caracoles y restos de la bajamar- , también sustraídos metafóricamente del imaginario local, encuentra un punto de acierto en el respeto por los códigos de las religiones escogidas, tanto en la construcción icónica de los Orixás como en la expresión exaltada de su cromatismo. En efecto, la representación de entidades como Oxúm, Exú Elegbara, Ogún o Iemanjá guarda expresamente la impronta de sus contornos y brillantes colores emblemáticos. Son personajes susceptibles de adoración y receptores de cualidades características: a Exú Elegbara se le recrea en su dualidad sexual que se place en el juego y la bebida; Ogún aparece con su prodigiosa genitalidad como una enseña de potencia y fecundidad... Así van desfilando, una a una, las mitológicas entidades con sus colores predominantes.
Batalla posee una formación teórica en religiones africanas y Barreto ha estudiado las ofrendas de los creyentes del Gauchito Gil y la Difunta Correa, leyendas, las dos últimas, de notoria vigencia en las rutas del interior argentino. El acercamiento a estas deidades es, por tanto, cauteloso en su contenido y bruscamente efusivo en su hechura, buscando no traicionar la simbología de referencia mientras se apropia del aura de las costumbres y estéticas populares.
Las obras están realizadas con tablas, remanentes de los refugios playeros de los salvavidas. Estas maderas sirven de soporte y continente narrativo: son extraños retablos, relieves casi vivientes en la espesura sinuosa de los mejillones -a veces retocados con pintura- con los que se tejen las figuras. Las obras son ornamentadas con los pequeños regalos de la resaca: fragmentos de vidrios esmerilados por la arena, gruesas cuerdas de nylon de redes de pesca, tapas de botellas y flores de plástico. Los adornos constituyen las dádivas de un comercio propiciatorio con Iemanjá, en una ofrenda de ida y vuelta a través del trasfondo oceánico.
El título "Salvavidas" sugiere así varios signigicados: de un lado las religiones se presentan al creyente como un camino de salvación del alma, de otro la intervención artística busca que los objetos sobrevivan la ausencia de sentido -como desperdicios- en su periplo por el mar. "Salvavidas" también, por el contexto veraniego más evidente, del que los artistas no se deslindan y que les posibilita alternativas espaciales al enclaustre de los museos y las galerías.

Por Pablo Thiago Rocca para UruguayTotal

Dios.com.ar - Salvavidas, 2003

2009-08-21T00:09:00.000-07:00

[ARTE MÍSTICO]

"SALVAVIDAS": EL EROTISMO
EN LA RELIGIÓN AFROLATINA
Por Marcial Nikopol
Los artistas plásticos Juan Batalla y Daniel Barreto investigaron la cultura afrolatinoamericana y su erotismo durante un año en Uruguay. El resultado: “Salvavidas”, una exposición de obras y un libro del mismo título. Se presentaron en la Fundación Elía-Robirosa, Buenos Aires, entre el 8 y el 31 de octubre de 2003. El espíritu de la convocatoria: que al alma de una cultura demonizada la salvan los artistas, capaces de descubrir el sentido más profundo y universal de las creencias de las minorías.

El trabajo de Ba-Ba (Batalla-Barreto) remite a lo más profundo del erotismo en la religión afrolatinoamericana. Ambos artistas, preocupados por la recuperación de una memoria cultural negada y satanizada y en constante proceso de transformación, es una expresión novedosa. En ella hacen su propia lectura de antiguos mitos donde la imagen, los materiales, las proporciones y los colores hablan de entidades espirituales. De la fuerza ígnea de Xangó, o de la femeneidad peligrosa de Yemanjá. Estos y otros espíritus celebrados en el candomblé y la umbanda que se practican en Brasil, Uruguay y Argentina son representados bajo formas que exaltan sus atributos mágicos y sensuales aludiendo así al placer que significa establecer contacto con estas “energías divinas”.
Realizadas con tablas remanentes de los refugios playeros de los salvavidas, estas obras son relieves casi vivientes en la espesura sinuosa de los mejillones -a veces retocados con pintura- con los que se tejen las figuras. También se exhiben fotografías con imágenes de las intervenciones artísticas que Barreto y Batalla llevaron a cabo en las playas uruguayas, algunas abarcando más de 25 metros de extensión. El título “Salvavidas” sugiere varios significados: de un lado, las religiones se presentan al creyente como un camino de salvación del alma; por el otro, la intervención artística busca que los objetos sobrevivan la ausencia de sentidos -como desperdicios- en su periplo por el mar.
“Salvavidas” se asienta en la encrucijada entre el arte erudito y el popular, el arte secular y el religioso, que se ríe de las demarcaciones raciales, que subvierte las barreras de clase, que reproduce y respeta la tradición al expresarla con una estética absolutamente original.

ARTE BRUJO: MAGIA Y EROTISMO
En el marco de la muestra se presentó el libro “Salvavidas”, obra lanzamiento de la Colección Arte Brujo, editado por Ediciones Argentina. Su gran despliegue de fotografías color se combina con ensayos críticos a cargo de Fernando Loustaunau y Alejandro Frigerio, y de un extenso diálogo de los artistas con Robert Farris Thompson.
La Colección “Arte Brujo” es una producción de Horacio Vence que desarrolla este proyecto desde España para América Latina. La temática: los cruces del arte contemporáneo con tradiciones de fe, magia o brujería con arraigo en Latinoamérica.
Daniel Barreto (1966) exhibió su trabajo en Argentina, España y Uruguay. (Centro Cultural Recoleta, Palais de Glace, Museo Contemporáneo de La Coruña, entre muchos otros lugares). Obtuvo diversos premios (1° Premio Salón Anual de San Isidro, Imágenes Jacobeas, Fundación Bollini, entre otros).

Juan Batalla (1967), fue curador y profesor de arte afro. Exhibió en la Fundación Elía – Robirosa y la Biblioteca Nacional, entre otros espacios de Argentina y Uruguay. En este último país le fue otorgado el Premio Atabaque.

Robert Farris Thompson -estadounidense, curador e historiador del arte- escribió “Face of the Gods” y “Flash of the Spirit”, entre otros. Se considera que sus aportes cambiaron radicalmente el panorama del estudio del arte afroamericano. Escribió importantes ensayos a propósito de la obra de artistas modernos como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y José Bedia y prepara un libro sobre las raíces del tango. “En esta ciudad -escribió- veo a los mateos del zoológico con su fileteado y la cinta roja contra la envidia; a los taxis con la misma cinta, el rosario o hasta guías de Ogún colgando del espejo- son como altares andantes. La ciudad del tango es la ciudad de las creencias. Y sin creencias no se puede ser artista.” Thompson dialoga con los artistas y comenta el significado de las obras.

Alejandro Frigerio, antropólogo argentino autor de “Cultura negra en el Cono Sur”, escribe un ensayo en el que contextualiza la obra de Batalla y Barreto en relación a la religión y la cultura afro.

Fernando Loustaunau, crítico de arte y filósofo uruguayo, presenta “Trazos
fragmentarios”, donde realiza múltiples lecturas acerca de la obra de los artistas, en especial con respecto a su contenido erótico.

El espíritu de esta inusual convocatoria perdura tanto en sus obras, en el libro y en la memoria de quienes recorrieron la galería y aquellas páginas: el alma de una cultura demonizada sólo la salvan los artistas, quienes, no en vano, suelen ser los únicos capaces de descubrir el sentido más profundo y universal de las creencias de las minorías.

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Musée du Quai Branly - Salvavidas

2009-08-21T00:08:00.000-07:00

Nota en la revista del museo, con imágenes de Salvavidas ilustrándola:
http://www.quaibranly.fr/es/actualites/ediciones-del-museo/edicion-cientifica/gradhiva/gradhiva-numeros-publicados/gradhiva-n7.html